THE PURGE cuenta con una premisa verdaderamente atractiva. En un futuro cercano Estados Unidos ha conseguido un hito histórico: las cifras de paro y delincuencia son prácticamente inexistes. El crimen, en todas sus modalidades, ha sido prácticamente erradicado. Lo atractivo de la propuesta radica en que el estado conoce y reconoce la violencia como parte inherente del ser humano, así que se ha establecido una noche al año, la purga anual, en la que los ciudadanos pueden cometer todos los delitos que se les pasen por la cabeza, logrando así dos objetivos: limpiar las calles (lógicamente, las víctimas ideales de esta noche de anárquica violencia son los ciudadanos con menos recursos) y catalizar la violencia contenida de la población civil, que aprovecha estas horas para dar salida a toda la ira y sed de venganza que llevan dentro.



En una sociedad donde la noche de la purga se ha convertido en algo así como el nuevo día de acción de gracias (todos se desean feliz noche de purga como aquí hacemos en nochebuena) cualquier gesto malinterpretado por tus vecinos, compañeros de trabajo o clientes puede significar problemas durante las doce horas de sangriento desenfreno que supone la purga. Los estratos más acomodados de la sociedad se han agenciado sistemas de seguridad que convierten sus casas en verdaderos fuertes de seguridad, y James, nuestro protagonista, se encarga de vender estos sistemas, caros y muy seguros, al menos en teoría.

James y Mary no son personas violentas, y nunca han participado activamente en la purga. Todos los años se refugian en casa en compañía de sus hijos y de un sólido sistema de seguridad. La rutina anual de esta familia se quebrará cuando Max (el hijo) deje entrar en la casa a un vagabundo para salvarle de una muerte segura a manos de un grupo de vecinos que se lo están pasando de miedo con la purga. Desvelaros más detalles del guion sería poco prudente, porque sorpresas hay unas cuantas, aunque no sorprenderán mucho a los espectadores con más horas de vuelo, que ya las verán venir de lejos.



Es precisamente el guion el aspecto más flojo de la cinta. El comportamiento de los personajes que pueblan la cinta es bastante discutible, y resta muchísima veracidad a las conductas que vemos en pantalla. JAMES DEMONACO acaba decantándose por rodar un filme que tiene mucha más acción que terror, y aquí se nota mucho la influencia del flojo remake ASALTO AL DISTRITO 13, que el propio DEMONACO escribió para la película de JEAN FRANCOIS RICHET, en 2005. Sólo la conseguida atmosfera de tensión y esas perturbadoras caretas nos recordarán que THE PURGUE se concibió como un filme de terror.


Las interpretaciones son bastante irregulares, así mientras ETHAN HAWKE y LENA HEADEY, que tanto nos gustó en DREDD y que pasea una peluca negra de pelo corto al más puro estilo JESSICA CHANSTAIN en MAMÁ, están más que correctos, los niños no nos convencen y sus interpretaciones ayudan a que no conectemos con la película.



Película que se puede ver porque la premisa tiene tanta fuerza que salva los muebles.











LO MEJOR:
Sin suda, SU PREMISA.
El gran trabajo de fotografía.
LENA HEADEY.
Su duración (96 minutos) juega a su favor.

LO PEOR:
MAX BURKHOLDER, que interpreta al hijo de la familia. Una especie de CRISTINA RICCI en versión varonil que tiene muy poquito futuro en el cine.
El guion, repleto de acciones y conductas muy difíciles de concebir como normales.


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Lo que está claro es que cada vez son más los que sin ningún tipo de rubor se reconocen como seguidores de esta saga, que si bien con sus dos primeras entregas parecía estancada, agotada, y sin fututo, con las dos últimas certifica un futuro más que asegurado. A todo gas 5 recaudó más de 600 millones de euros en todo el mundo, y esta sexta entrega va camino de acercarse bastante a esa cifra. Su director, JUSTIN LIN, ha sabido dar un toque a la saga que ha hecho posible su conexión con el público a nivel mundial. La acción, los coches, y los valores universales de la amistad concebida como una gran familia, son pilares suficientemente sólidos para arrastrar a los adolescentes a las salas. La bromita de que las películas de esta saga son pasto de jóvenes "poligoneros" ya luce muy gastada, así que a esos críticos les recomiendo que se acerquen a las salas para descubrir el perfil de público que disfruta estos productos.

El filme será llevado de maravilla por todos los que sabiamente renunciéis a cualquier conato de cuestionaros lo que estáis viendo en pantalla. Coches, explosiones, motores rugiendo, frases lapidarias, accidentes, chicas guapas, tortazos y patadas para todos… una lista interminable de etiquetas para este post. Lo que más nos ha sorprendido es que nos pongamos como nos pongamos está bien dirigida y resuelta por JUSTIN LIN. Las escenas de acción son bastante espectaculares, el montaje de éstas está muy estudiado y las localizaciones muy acertadas, pero lo que llama la atención es la acertada incorporación de un toque de humor en el guion, que funciona de maravilla para sazonar los momentos valle entre tanta acción.

Hablar del guion o de las interpretaciones aquí sería algo tan disparatado como hablar de los efectos especiales en LOS PUENTES DE MADISON, así que no nos hagamos líos y a disfrutar de la escalada de acción que poco a poco JUSTIN LIN inyecta en la cinta hasta alcanzar momentos delirantes con un tanque reventando una autopista, y una secuencia final que deja como juego de niños algunas de las secuencias más vibrantes de los últimos BONDS. Todo esto, insisto, hay que tomárselo con mucho humor, sólo así seremos capaces de disfrutar a fondo de éste capítulo de una saga que ha sabido reconducirse, y de qué manera.

La séptima entrega ya está confirmada, solo hay que ver el final. La mala noticia es que JUSTIN LIN se desentiende de las labores de dirección, así que el futuro de esta saga queda en manos de JAMES WAN (SAW, INSIDIUS), que está encantadito de coger la batuta de director. Otra cosa será que se desenvuelva igual de bien que LIN planificando y rodando la acción.





LO MEJOR:
Ni rastro de contención en las escenas de acción. Todo vale, y además está muy bien rodado.
La exclamación generalizada de sorpresa en la sala cuando, en la última escena, un tótem de la acción reciente hace un cameo que abre las puertas de la siguiente película de la serie.

LO PEOR:
Los prejuicios que arrastra la saga y que impiden que muchos espectadores disfruten plenamente de la propuesta.
La sensación de que todo el elenco protagonista tienen poco que hacer fuera de la saga.

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Lo más curioso de todo son las constantes referencias que se están haciendo a la fabulosa 24 y a la saga LA JUNGLA DE CRISTAL cuando en realidad OBJETIVO: LA CASA BLANCA está mucho más cerca de AIR FORCE ONE, por su hilarante patriotismo, y de ALERTA MÁXIMA, por el festival de frases, gestos, y macarradas, que BUTLER despliega en las dos horas de metraje que ANTOINE FUQUA, y esto es una teoría, se ha visto obligado a rodar.

Si los mercenarios homenajeaba al cine ochentero, y lo hacía despertando una melancolía por lo juvenil, OBJETIVO LA CASA BLANCA hace lo propio con las cintas de acción patrióticas de los noventa, una década en la que, terminada la guerra fría, los terroristas o grupos radicales no paraban de planear los más variopintos asaltos a los más sagrados símbolos norteamericanos. A finales de los noventa, los avances en efectos especiales y el 11-S acabaron con este tipo de productos, que con fotografía muy cuidada planteaban situaciones inverosímiles.

En lo nuevo de FUQUA no hay sorpresas, todos son deja-vus. El guion es plano y las interpretaciones también, así que no busquemos tres pies al gato. Es una película ideal para los que añoran al mejor STEVEN SEAGAL, y para los que se lo pasaron pipa viendo a HARRISON FORD poniendo fuera de combate, él solito, a todo un grupo de malísimos que amenazaban, no sólo el status capitalista, sino lo que es peor: su familia; y todo esto jugando con sólo dos registros (o muecas…) faciales: ceja arriba y medio labio en curva.

Ésta recreación tan detallada de ese cine, que insisto nada tiene que ver con la magnífica dirección que MCTIERNAN o RENNY HARLIN desplegaron con sus junglas o con las andanzas del infalible JACK BAUER, nuestro agente de inteligencia favorito, tiene en su virtud, la de la recreación, su mayor defecto. Nos da la sensación que los guionistas no se han esforzado mucho, ni siquiera el director parece haberse tomado en serio ni un solo minuto de la cinta, porque OBJETIVO LA CASA BLANCA es un ejemplo perfecto de poderío, poderío de Hollywood porque es capaz de colocar un producto en las carteleras de medio mundo sin un atisbo de esfuerzo o dedicación mínima. Industria y rentabilidad. Así se sucede la acción sin ninguna sorpresa, cumpliendo (o copiando) los cánones del subgénero: Agente retirado tras una traumática experiencia, asalto milimétrico de los malos, vida del presidente en juego, gabinete de crisis donde los generales pierden los papeles cuando oyen la palabra amenaza nuclear, agente abriéndose paso entre los malos mientras suelta frases por el móvil que poco a poco van haciendo sudar cada vez más al líder de los malos, resolución de la crisis que ha subrayado el patriotismo de los más allegados al presi, y con la resolución festival de aplausos, golpecitos en el hombro, y miradas de complicidad entre los que inútilmente han estado siguiendo los progresos del agente que nunca debió estar allí, pero que gracias a dios pasaba por ahí.

Nada, absolutamente nada de lo que vemos es nuevo. Eso no quiere decir que no sea entretenida, o hasta divertida, para una gran parte del público. EMMERICH entra en escena en verano con ASALTO A LA CASA BLANCA, y este sí que no se corta. Si aquí revientan la casa blanca y se cepillan el obelisco de Washington, esperar a ver qué está tramando el alemán… Nos da la sensación que la cinta de EMMERICH será algo más sorprendente, que no mejor. En cualquier caso, y en ambos a la vez, que dios bendiga América.

LO MEJOR:
La secuencia del ataque a la casa blanca.
Todas las frases lapidarias y patrióticas.

LO PEOR:
El hijo del presidente. Sin lugar a dudas.
Que esperábamos que ANTOINE FUQUA dejara huella en el producto. ¿realmente la ha dirigido él?

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FABRIZIO CATTANI, que también es coautor del guion, firma un acercamiento a uno de los cuadros psiquiátricos más desconocidos en esta sociedad actual tan saturada de información. MATERNITY BLUES aborda el drama que viven aquéllas madres que por una razón u otra, más tarde o más temprano, acaban con la vida de sus propios hijos, la mayor parte de las veces actos conducidos por la inestabilidad mental de éstas madres. El tema es más que espinoso por su complejidad, por los prejuicios que lógicamente levanta, y porque muy poquita gente está por la labor de intentar comprender.

La cinta nos presenta a Clara, una paciente que ingresa en una institución mental donde tendrá que compartir penitencia con mujeres que han cometido el mismo delito. Clara tendrá que aprender a vivir con su culpa, y encontrará en sus compañeras de habitación un apoyo decisivo.

El tratamiento que propone CATTANI es muy irregular porque si bien la cinta comienza con mucho tino, pronto el director se pierde y no concreta el tono de la historia que nos cuenta. Pasamos constantemente del drama a la comedia en un conglomerado de escenas que no termina de funcionar, y es que parece que el director es el primero que no tiene claro cómo contar la historia. El espectador se vuelve loco porque tan pronto el filme adquiere carácter de drama intimista, como se dispersa en esbozos de historias paralelas que no se rematan y acaban aportando a la trama poco más que confusión. Además CATTANI se atreve a incorporar en el montaje una secuencia en la que una de las protagonistas canta un lacrimoso tema dedicado a su hijo, tratada como una suerte de videoclip pop, que no hace más que sacar del todo al espectador de la película.

Por suerte, MATERNITY BLUES cuenta con el excelente trabajo de CHIARA MARTEGIANI (Rina) y MARINA PENAFINNA (Vincenza) , que aportan unas interpretaciones que las elevan varios grados por encima del resto del reparto, ya que ANDREA OSVÁRT, que interpreta a la protagonista, Clara, se esfuerza en su interpretación pero adolece el excesivo tratamiento lacrimoso que CATTANI reserva para su personaje.

Se agradece que el cine retrate y comparta estas realidades, pero se aprecia bastante confusión a la hora de fijar el tono del relato.

LO MEJOR:
Las interpretaciones de las actrices, en especial las secundarias.

LO PEOR:

Sin duda, la canción interpretada por Vincenza. No la encontramos sentido por ningún lado.

CATTANI no encuentra su tono, y esto pasa factura al espectador.

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Os vamos avisando que visionar AYER NO TERMINA NUCA es un ejercicio de implicación, de predisposición. Hay que estar por la labor. Por esto os aconsejamos que la veáis sólo cuando vuestro cuerpo os lo pida, y no por complacer a vuestra pareja o grupo de amigos.

El punto de partida de la película es el reencuentro de una pareja para formalizar los papeles de su divorcio. Hace cinco años que no saben nada el uno del otro y su ruptura tuvo el origen en una tragedia familiar, de esas que vemos todos los días en la televisión, pero que nunca tememos porque no nos imaginamos ni de lejos que eso pueda pasarnos a nosotros. Como si de una obra de teatro se tratase, CANDELA PEÑA y JAVIER CÁMARA comparten el mismo escenario durante todo el metraje. Solos, reencontrándose, dudando, perdonando y acusando, moviéndose continuamente en la reconciliación y el rencor. Una dura radiografía de una pareja rota que se reencuentra en estadios vitales muy diferentes; mientras él ha superado la tragedia bloqueando el suceso mentalmente y buscando un nuevo comienzo, ella ha sido incapaz de superar el trauma, quedando atascada en un bucle de dolor, perdiendo todos sus sueños e ilusiones.

CANDELA PEÑA se ha llevado la Biznaga de oro, y lo que está por venir le pese a quien le pese…, a la mejor actriz en Málaga este año por su interpretación (ex aequo con AURA GARRIDO), y no hay que ser muy observador para ver por qué se lo han dado. El papelón que se curra CANDELA PEÑA es de escuela, y demuestra de nuevo que es una bestia de la interpretación. Si esto fuese Hollywood más de uno se negaría a trabajar con ella porque darla la réplica es verdaderamente complicado, y en esto felicitar a JAVIER CÁMARA por aguantar así de bien el tipo y demostrar que en esto de actuar él también tiene mucho que decir. Pero ¿cómo es posible que una actriz de la talla de CANDELA PEÑA insista en que no tiene trabajo? ¿Qué está pasando con el cine en España? Vamos a tener que investigar este tema…

Lástima que este despliegue a dos bandas de talento se vea empañado por cortes en la historia de carácter introspectivo que si al principio pueden parecer originales, acaban rompiendo el ritmo de la película de manera definitiva, pues son los encargados de alargar la cinta hasta los 110 minutos, metraje que se nos antoja excesivo y requiere en algunos momentos un esfuerzo por parte del espectador para seguir centrado en lo que nos cuenta COIXET.

A nivel formal, todo correcto. La puesta en escena es sobria, casi minimalista, para que el espectador no se pierda y se centre en lo importante, que son las interpretaciones, los gestos, las miradas, los silencios, los diálogos.

En resumidas cuentas una película para disfrutar de interpretaciones puras y duras, pero también una película que acaba siendo dura, muy dura, porque habla de personajes normales y cómo afrontan las tragedias que les vienen, tragedias que aniquilan sueños, ilusiones, metas, tragedias aleatorias que rondan todos los días los destinos de cualquiera de nosotros. El plano final es demoledor, angustioso, te deja mal cuerpo, porque sólo el espectador sabe que todo se va a truncar.

LO MEJOR:
JAVIER CÁMARA también, pero es que lo de CANDELA PEÑA es espectacular.
La fotografía y el manejo de la cámara de COIXET.



LO PEOR:
Los numerosos cortes, lecturas del pensamiento de los protagonistas, dificultan la implicación del espectador, sobre todo a partir de la primera hora.
Que no disfrutemos de CANDELA PEÑA con la frecuencia que nos gustaría.