Hasta este punto se entiende, ejemplifica la transición de Hollywood con nuestro protagonista Rick Dalton (Leonardo Dicaprio) que la vive en persona, usándolo así como alegoría del cambio. Pero más allá de eso, utiliza la propia construcción de la película como analogía para ese mismo cambio. Usa la base de un Western pero con el rodaje y audiovisual del cine moderno, y se aprovecha para ello de las actuaciones y de los escenarios que usa Dalton para sus trabajos. Es inevitable sentir la presencia de un sheriff con Cliff Booth (Brad Pitt), y asemejar a Charles Manson y su “familia” como los bandidos de esta historia, mas no es la trama principal, ni ejercen esos papeles muchos minutos en la pantalla, simplemente son la analogía del cine que empezaba a decaer. Ha hecho un Western sin sherif ni bandido como protagonistas, sin caballos ni tiroteos como base de la acción, y le ha metido una historia moderna, usando principalmente a Sharon Tate (Margot Robbie) junto su marido Roman Polanski y a sus amigos, como la analogía del nuevo cine que empezaba a crecer. El cine del Oeste como la caja de las palomitas vacía, y esos trozos de maíz frito como el cine moderno, todo en uno. Una pura transición, la que nos cuenta con la historia, y la que nos enseña con la película. El antes y el después en uno solo.

En este punto, como resumen de lo anterior, podemos decir que:

A lo que la trama concierne tenemos a Dalton como la transición entre el cine del Oeste, representado por Cliff, el doble de acción de Dalton, y el cine moderno, representado por Tate. Junto a estos, se representa dicha transición con el propio montaje de la película, como ya he comentado. Al final de la película el narrador nos cuenta que Dalton y Cliff deciden dividir sus vidas, de forma metafórica la transición se lleva a cabo, Rick, alegoría de la transición, se va a separar de Booth, alegoría del lejano Oeste. Una vez terminado el punto final de la peli, Cliff (el sheriff) queda herido tras vencer a los hippies (los bandidos) y debe ir al hospital. Se va la ambulancia y viene la última escena, Dalton es invitado a entrar a la casa de Sharon tate y la conoce por fín. El cine Western se va mal herido mientras que el moderno impone su presencia en la transición, se lleva a cabo de forma literal.

Y respecto a la película en sí, la imagen, los planos y los movimientos de cámara, lo que se ve de la ciudad, lo que se escucha, tanto el ruido de fondo que generan los coches con la radio a todo volumen, como la magnífica banda sonora escogida por el director, el vestuario, la escenografía y la caracterización de todos los personajes, es una detallada y específica forma de transmitir al espectador como Quentin se empapó con todo lo que vio, y que observó minuciosamente de Hollywood, al llegar de niño. Es la forma en la que Tarantino nos muestra su versión de esa ciudad en esa época. Once Upon a Time es el cuento de cómo ese niño vivió ese momento, y no hay mejor escena que la del final para ejemplificarlo. Durante toda la peli, Tarantino usa como personajes principales a un par de individuos ficticios, los protagonistas de su cuento, semejantes a los protas de las pelis del Oeste que está acostumbrado a ver por casa, y que finalmente cambian la historia que nosotros conocemos luchando y matando a los villanos (al modo más puro de Quentin Tarantino), convirtiéndose en los héroes que salvan a Tate y a sus amigos de una muerte que en la vida real no pudieron evitar. En la imaginación de un niño, el bien siempre vence al mal.

No por la trama, ya que muchísimos detalles nos lo he podido captar y apreciar por mi falta de sabiduría en el género del cine Western como por mi ignorancia hacia productores y personajes importantes de la época, pero sí por hacer una película muy pensada y minuciosa, con detalles conectados entre sí todo el rato y por su doble analogía, tanto en la historia como en la producción de la peli, esta se posiciona en mi top 4 de Tarantino.