Shame es un cuerpo fílmico cuyo interior alberga una lúcida y brillante caída hacía los abismos que conforman los trastornos morales del hombre moderno. Es también una feroz y salvaje mirada al sexo como catarsis de una sociedad amputada de valores y emociones reales. Y es antes todo el turbador viaje psicológico de una persona que acaudala en sus entrañas toda esa podredumbre. Solo hay que desvestir sus prendas para enfrentarse a un contenido altamente perturbador y salvaje.

Si alguien me preguntase si Tulse Luper es un personaje real o de ficción, no podría contestar con total convicción de que se trata de un personaje de ficción, debido a su omnipresencia en la particular filmografía de Peter Greenaway. La coherencia y el falso rigor documental con la que el director inglés nos ha hablado de éste personaje desde sus primeras obras, hace que uno se sienta un tanto desconcertado al tener que discernir entre ficción y realidad.

La historia de Moab es la primera parte de la trilogía de las maletas de Tulse Luper. Greenaway elabora un filme experimental dónde comprime todas las constantes de sus anteriores filmes. La manera de abordar la película es extremadamente personal, atrevida y experimental. A nivel argumental la película se mueve entorno a las acciones del personaje Tulse Luper y su recorrido a lo largo del mundo, dónde las maletas actúan cómo símbolo de las situaciones y circunstancias que le marcan en su periplo por la historia y sus lugares.

La película juega con todas las constantes del director, que le siguen desde que se inicio en el arte del cine. Así pues algunos de sus primeros trabajos, (recogidos en un excelente DVD titulado The Early Films of Peter Greenaway) son mencionados a lo largo de la historia del film, fruto de que todo gira entorno a una misma figura, Tulse Luper, presente desde los primeros proyectos del director. En éste filme se perciben características propias del universo de Greenaway como su obsesión con lo sistemático, la naturaleza, y las conexiones de tono surrealista. Todo esto se ve reflejado en la propia película y en la naturaleza del personaje principal. Mirar si no la sistemática numeración con la que Greenaway divide la historia, las maletas y sus objetos para representar el mundo. Sin embargo lo que más perdura tras su visionado es su expresión formal

Es éste un filme de extremada complejidad formal y argumentativa con la que Greenaway se reencuentra con el universo particular de sus primeros filmes más experimentales. Es envidiable su atrevimiento formal tan deslumbrante que rompe con todos los esquemas clásicos prefijados y los no tan clásico que rigen el cine actual. El filme recoge buena parte del imaginario desbordante del director inglés, y esto a la vez juega a favor y en contra de la película. A favor al hacer partícipe al espectador de unas experiencias nuevas apoyadas por su planteamiento estético, pero a la vez lo aleja del mensaje y de la propia narrativa de la película al presentarle la historia apoyada en iconos, elementos y metáforas muy propias de su universo particular, propias de un entramado personal difícil de desvelar por el espectador, y al cuál se le escapan muchos significados por el camino. Sin duda un filme polémico y que despertará diversidad de opiniones, pero que es una buena oportunidad para observar el trabajo de un cineasta con un universo y estilo personal propio y único, lo cuál no es poco.

Al iniciarse el film ya nos damos cuenta de que estamos ante un film de Terrence Malick, y es en ese preciso momento cuando uno debe dejarse llevar por los sentidos y ser transportado a las Americas, actitud con la que la mayoría de los espectadores no está familiarizado y motivo por el cuál se produce el abandono considerable de éstos en plena proyección. En El Nuevo Mundo vemos reflejadas todas las constantes y características propias de Malick, que reproduce a lo largo de su corta filmografía; el uso de la voz en off, el valor de la imagen pondera por encima de la narración y la acción, la naturaleza como personaje, la dicotomía entre la civilización y la naturaleza, la utilización de la música clásica.
El nuevo mundo sigue reflejando las preocupaciones y obsesiones del director tejano, y éste sigue siendo un genio a la hora de mostrarnos la belleza en toda su plenitud. Malick sigue siendo el mayor exponente vivo del cine poético, y lo demuestra con cada uno de sus planos, cuidados al máximo en expresión y encuadre. El nuevo mundo, a nivel argumental, sigue bastante la línea de La delgada línea roja, en los primeros compases de ésta, cuando el personaje de Jim Cazievel, se pierde ante las maravillas de un pueblo indígena. Sin embargo ésta es inferior a la película bélica por culpa de ciertos errores de guión y de estructura. Obviando algunos errores de raccord, encuentro que el guión esta un tanto mal enfocado. La historia se dispersa en la relación de amor entre los dos protagonistas, hecho que acaba cansando cuando uno ve una y otra vez las mismas imágenes de ellos rondando por los valles. Más gratificante hubiera sido enfocar la trama en el choque que supone para los conquistadores llegar a ésas tierras salvajes, en profundizar más en las relaciones entre las diversas gentes, y en cómo se produce el intercambio. Sin embargo el director pasa de refilón por estos temas. Utiliza el montaje-secuencia para explicar aspectos importantes de la trama, sobretodo durante el principio con la llegada de los conquistadores, y en el final precipitado. En esta película el director no demuestra tener control sobre el tempo de la película, y esto repercute en su valoración final. Otros factores que restan valor a la película son algunos momentos en que el montaje se hace confuso, sobretodo en el principio. Todo y seguir un esquema clásico de representación, Malick opta en los primeros minutos y en otras partes de la obra por un montaje de elipsis, en dónde los personajes quedan confundidos por su ubicación espacial. Por todo esto mi nota real es de 7,5.
A destacar el inicio y el final del film, la llegada del barco a esas tierras con la música clásica de refuerzo de las imágenes, son verdadera poesía, algo a lo que Malick juega habitualmente elaborando metáforas visuales, con lo cual a veces descuida la propia trama, y con una de éstos planos-metáforas decide acabar lo que de momento es su última película y quién sabe si su testamento fílmico.

Wong Kar Wai no hace cine, hace pintura en movimiento. Se podría coger cualquier fotograma de sus películas y colgarlos en las paredes de los más prestigioso museos de arte contemporáneo. Y 2046 no es una excepción en su filmografía. La película de Wai transpira belleza en cada una de sus escenas. La imagen conduce el relato, tan sólo con las miradas, las expresiones, los movimientos de los actores percibimos los sentimientos y todo el sentido de la historia. Es un filme que hipnotiza al espectador, que lo deslumbra cada vez que éste se fija en algún punto del encuadre. Por pequeño que sea el detalle en que el ojo de uno se fije, sales trastocado por su magia visual. Y sin duda rodearse de talentos de la talla de Gong Li, Zhang Ziyi, Faye Wong, Tony Leung, y la impecable fotografía de Christopher Doyle, con un montaje espléndido, donde se dota de un nuevo valor a la cámara lenta, ayudan a crear esta magia que envuelve el filme en todo su recorrido.
Mención aparte merece la habilidad de Wai para seleccionar la banda sonora de sus filmes, alternando bellas composiciones creadas para el propio film, con piezas clásicas de jazz, junto con canciones latinas de los 50 y principios de los 60, como es el caso de la preciosa canción “Siboney”, interpretada por Connie Francis.

Filme altamente efectivo en relación con su pretensión de mostrar el horror y las atrocidades ocurridas años atras en Ruanda. La obra está planteada y realizada para lograr la máxima empatia con el espactador, y esto lo consigue a través de la manipulación discursiva de ciertos momentos por los que pasa su protagonista, magníficamente interpretado por Don Cheadle, y evitando en cierto grado el recurso de mostrar escenas explícitas del genocídio ruandes. Sin embargo, para apelar a la emoción utiliza la recreación de situaciones realmente sobrecojedoras. Con esto Terry George logra de lleno el objetivo de emocionar al espectador con una historia dura y descarnada. Y tiene el valor añadido de lograrlo a partir de mostrar unos hechos reales, terribles, desconocidos y olvidados por la gran mayoría. Todo y que el filme solo cuenta una pequeña parte de la barabrie acometida durante años a lo largo y ancho del continente africano, el solo hecho de contar un trozo de esa realidad tan olvidada, hace que adquiera un valor especial para mí.