Existe una exigencia previa, inconsciente, una posición desde donde el espectador espera ser reconquistado. Y creo que si por algo “La Reconquista” convence y reafirma la mirada de Jonás Trueba es porque no pretende alcanzar ni demostrar nada. Sus películas se declaran imperfectas en vez de iniciar una exhibición artificiosa; y son las dudas, los silencios y los salvavidas efímeros quienes finalmente rescatan al espectador de su propia cerrazón ante la vida.

“La Reconquista” se rebela contra las fórmulas establecidas, como ya venían haciendo sus antecesoras, y reconoce la inutilidad de las estrategias: esas que de poco sirven y a menudo fallan incluso antes de ser utilizadas. Aún así, en la última película de Jonás Trueba es posible reconocer ciertas pautas que evidencian un retorno a lo seguro: el recorrido de caminos inesperados que se presentan inciertos son siempre una constante (“Los exiliados románticos” es la más física de ellas). La búsqueda de la estabilidad en lo inestable es la herencia que reciben unos personajes de otros: desde Ramiro y Andrea, hasta llegar a Olmo y Manuela; quienes de nuevo se mueven entre la aceptación y la inconformidad; la parálisis y el baile improvisado.


[Crítica completa en Novemagazine: http://novemagazine.es/la-reconquista-critica/ ]

Envuelto en un viaje de tres amigos, comienza la expedición veraniega de Vito, Francesco y Luis hacia lo esencial de sí mismos. Cada cual con sus peculiaridades y sus expectativas difusas, se complementan y encarnan distintas formas de vivir el amor: el platónico, el temeroso y el kamikaze.

‘Los exiliados románticos’, se presenta como una película rodada en 12 días, sobre la marcha, con un guión mínimamente esbozado. Hay que reconocer que tales premisas parecen anunciar una historia poco sólida y caprichosa. Misteriosa eso sí, porque no sabemos exactamente de qué trata (en un viaje de amigos puede pasar de todo o nada). Sin embargo, el desarrollo aparentemente despreocupado, las conversaciones y sus anotaciones (referencias literarias que no pueden faltar) anulan cualquier presunción de incoherencia o gratuidad. A la par que sus protagonistas avanzan en el camino, el espectador puede reconocerse en sus andanzas, tan cinematográficas como verídicas. La realidad y la ficción se mezclan: todos los personajes mantienen los nombres propios de sus actores, la furgoneta naranja pertenece realmente a la madre de Vito, y el tiempo está marcado estrictamente por las circunstancias. Elementos que aumentan el grado de autenticidad pero que sin embargo alimentan el enigma, pues no conocemos dónde termina lo real y dónde comienza lo inventado.

En contraposición a ‘Los Ilusos’, anterior trabajo de Jonás Trueba, ‘Los exiliados románticos’ cambia el gris por el color, el invierno deja paso al verano, y la rutina se transforma en aventura. Sus protagonistas bien podrían ser los mismos, en evolución, ya que el estancamiento vital genera la necesidad de iniciar una búsqueda. Además, Francesco Carril, Vito Sanz e Isabelle Stoffel repiten como actores, lo que ayuda a reforzar el vínculo entre ambas obras.

La música de Miren Iza (Tulsa) juega un papel clave y hace que la película fluya por cada uno de sus diferentes estados, hasta hacerla desembocar en el mejor final posible.

(Artículo completo en Novemagazine.es: http://novemagazine.es/los-exiliados-romanticos-tras-la-pista-del-corazon-itinerante/ )

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Si el músculo del corazón fuera como un chicle, que se encoge y se estira, que se infla y explota y que vuelve a encogerse, el cineasta Xavier Dolan sería un virtuoso haciendo pompas inmensas (intensas) después de masticar y marear los sentimientos del espectador.

Mommy, la última película del joven canadiense, usa como materia prima el amor de una madre: lo acaricia haciéndolo ceder y lo aplasta, poniendo a prueba sus límites. Poniendo a prueba también, las emociones del público.
¿Cuánto más puede dar de sí un chicle desgastado? ¿Hasta dónde es capaz de replegarse un corazón cada vez más encogido? Xavier Dolan hace uso de todos los elementos tradicionales que cualquier director de cine tiene a su alcance, y juega con ellos como quiere, como nadie lo impide, para elaborar su película (solo suya, indiscutible). Ya sea utilizando el formato cuadrado, usando bandas sonoras superpuestas o introduciendo escenas pictóricas cargadas de poesía. Séptimo arte en todo su esplendor.
Hay pocas películas que demuestren que el cine, también es un arte. Donde se arriesga, y donde de vez en cuando hay autenticidad.
Mommy, es una prueba fehaciente de que en el cine de autoría joven hay algo más que cuatro modernuras sin pies ni cabeza. Aquí, todo está justificado. Pero ésta, es una película excepcional. Sus protagonistas viven asfixiados por las circunstancias: Diane es una cuarentona sin elegancia ni trabajo; Steve, un adolescente problemático al que da miedo acercarse; y Kyla, una profesora tartamuda que ha perdido toda la confianza en sí misma. Tres personajes de personalidad arrolladora interpretados por tres actores de una fuerza desmesurada, que no dejarán respirar durante las dos horas y 20 minutos del metraje.
Además, el estilo de Xavier Dolan contribuirá a que el espectador sienta junto a ellos la angustia y la esperanza: planos muy cerrados, uso del fuera de campo, escenas estáticas, cámara lenta, y una banda sonora sin prejuicios que reúne temas variados que van desde Celine Dion hasta Vivaldi. Quizás el uso que hace Dolan de la bansa sonora defina su trabajo: hace lo que quiere, reuniendo aquellos elementos que le inspiran, para contar su historia de la manera más completa. Por ejemplo, en Mommy, pueden reconocerse dos alusiones a Titanic, película por la que Xavier Dolan ha expresado su admiración en entrevistas y ruedas de prensa.

A Xavier Dolan lo llaman “el enfant terrible”, y no sin motivos. Mommy contiene una de las escenas más emocionantes y únicas que se hayan podido ver en el cine. Si te contaron el final de Los Otros, o El sexto sentido, corre a descubrir qué encierra Mommy en su formato cuadrado, y deja de leer críticas de cine.

Esto va a estallar por algún lado. La crisis, la desigualdad, la impotencia. Y en el fondo, la esperanza de que una guerra mundial no vuelva a repetirse. Suenan voces catastrofistas, pero nadie (o eso creo) amontona latas de fabada en la despensa previendo un conflicto bélico inminente. Daisy tampoco se lo espera. No se imagina una vida huyendo de un sitio a otro. Solo sabe pelear consigo misma, ¿cómo va a enfrentarse al peligro externo?
Hasta el momento, Daisy solo ha sabido protegerse con su carácter antipático y su aspecto de niña dura. Pero el maquillaje oscuro y la moda punk no le servirán para mucho. Pronto tendrá que dejar esa coraza de cartón piedra, y empezar a ser fuerte de verdad. Fuerte contra lo verdaderamente importante, y dejar de ser tan dura con los demás.

Mi vida ahora plantea una situación de conflicto internacional que podría suceder ahora mismo o dentro de pocos años. Una historia muy bella y a la vez dolorosa, que establece la amenaza mundial como el primer enemigo para ser felices. Sus personajes viven en una casa de campo idílica, donde parece que ningún mal puede impedirles disfrutar de la vida y conseguir sus sueños. Están en la edad perfecta: son niños, son adolescentes. Sin embargo, forman parte del mundo, y el mundo los sumerge en la realidad más cruda, derribando todo paraíso personal.

La evolución de Daisy (Saoirse Ronan) se ve reflejada en su pintauñas verde. Pasará de lucir una manicura perfectamente esmaltada a terminar sin un solo resto de laca artificial. Una metáfora sobre la transformación del personaje, que dejará atrás una existencia insegura hasta alcanzar la madurez (una madurez precoz y forzada por las circunstancias). Piper, la prima pequeña de Daisy (a quien interpreta Harley Bird), se convertirá en uno de los personajes imprescindibles, junto a su hermano mayor, Eddie (George Mckay).

Mi vida ahora es el claro ejemplo de película sorpresa. La crítica hace una valoración buena de ella, pero a los usuarios de páginas como IMDB o Filmaffinity parece no haberles hecho mucha gracia. Quizás porque hay demasiados prejuicios sobre películas que encierran historias de amor entre adolescentes. Aún así, no hay motivos graves para considerarla cursi. Otros elementos se encargarán de hacer que el espectador se olvide de la edad de sus protagonistas. Su director, Kevin Macdonald, otorgará a la película un ritmo inusual y lo envolverá todo con una buenísima banda sonora, compuesta por Jon Hopkins.

La obra de kevin Macdonald se mueve entre dos géneros con públicos muy distintos, quizás por eso no termina de cuajar entre espectadores. Pero sin duda, ésta es una película arriesgada, no muy común. Una historia emocionante y de intriga, a tener en cuenta.

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Una cena entre amigos no siempre resulta ser un plan tranquilo. Si durante la velada un cometa atraviesa el cielo, las posibilidades de que todo acabe en una noche loca aumentan. ‘Coherence’, reúne a ocho amigos en un salón, alrededor de una mesa, que hablan de sus vidas de forma normal, hasta que el vuelo de un cometa desencadena una serie de sucesos sin sentido. Cada solución es a la vez un nuevo conflicto, creando una maraña que se deshace y se complica a cada paso. Poco más se puede contar de la trama de ‘Coherence’, ya que es mejor no saber muchos detalles, si queremos que el misterio haga su efecto.

James Ward Byrkit es el creador y director de ‘Coherence’, su primera película. Un largometraje de ciencia ficción que a ratos acojona. Gran culpa de ello lo tienen sus planos cerrados, el escenario nocturno donde todo ocurre, y el uso de la cámara en mano. Tres elementos que suman realismo a la historia, haciendo que la experiencia sea más cercana. Sus personajes, un elenco de actores casi desconocidos, consiguen coger de la mano al espectador y hacerlo partícipe de todo lo que sucede.
‘Coherence’ es una obra imprescindible para aquellos amantes del rompecabezas. Cada minuto está lleno de claves, y es necesario mantener la atención en todo momento. Ahora bien, no habrá ni un solo indicio que lleve a encontrar respuestas lógicas.

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