Lo bueno:
Es indudable que Stanley Kubrick es uno de los directores más importantes de la historia del cine, y bien merecido que lo tiene.



Ver el sello de autor en una película es algo que me gusta mucho, y con Kubrick eso pasa constantemente. En esta película saca a relucir buena parte de su arte, dejando imágenes muy bonitas e incluso referentes para el cine que le siguió. Dos ejemplos rápidos que me vienen a la cabeza son la primera aparición del Doctor Strangelove, del que toma el título la película y, siendo este uno de los más recordados incluso del director en sí, la escena del soldado cabalgando el misil mientras cae.




El despliegue de medios es impresionante. No sé de cuánto presupuesto dispondría Kubrick para hacer la película, pero creo que cada dólar está perfectamente invertido.
Supongo que se ahorrarían un dinero en reparto al tener a Peter Sellers como protagonista, ya que hace tres o cuatro papeles de los más importantes en la película, y todos los hace realmente bien, siendo este actor quien se lleva las mejores y más graciosas partes de esta peculiar comedia.

Pasemos ahora a comentar el aspecto negativo.
Lo malo:
Pero nadie es perfecto.
Tras haber visto, que yo recuerde, unas cinco películas dirigidas por Kubrick, he de decir que es la primera vez que me aburro. La primera mitad y cuarto es bastante lenta y no terminó de engancharme hasta que la acción está en pleno apogeo.
He de reconocer (aunque creo que ya lo he comentado más de una vez), que a mí el cine bélico se me hace bola, y con esta película me ha vuelto a pasar. No soy capaz de meterme en ningún momento, pues no me identifico en ningún momento con nada de lo que sucede.
Si no contamos a Peter Sellers, el resto del elenco está bastante sobreactuado y pasado un poco de rosca, queriendo ir a la comedia a la fuerza, y quedarse en dar un poco de grima. Dejamos a un lado el hecho de que no hay ningún personaje femenino protagonista, porque me lo vais a intentar argumentar con la época y paso de pelearme con nadie. Besis.
Uno de los errores más grandes es la banda sonora, que se compone de una misma canción que suena todo el rato una y otra vez, y que en España se popularizó por un anuncio de coches y se hizo tan viral que ahora es escucharla y tenerle asco. ("Los animales de dos en dos ua, ua").
Creo que el humor no es el fuerte del director, pues quitando dos o tres escenas, donde el gag es casi el mismo pero está muy bien ejecutado (llamada de teléfono), el resto de la película falla completamente a la hora de hacer reír, teniendo claramente el propósito de hacerlo en alguna ocasión, sin llegar a ser una comedia común.

Es curioso que habiendo sido capaz de verle muchas cualidades a la película, no haya sido suficiente para que me diera eso que nadie sabe qué es que hace que algo te diga cosas y te acabe gustando.
Una pena, pues iba con muchas ganas, ya que el resto de las pelis de Kubrick que he visto me han encantado.

Seguiré con su cine, pues quiero descubrirlo aún más y esta mala experiencia no me va a hacer desistir.
Aún y con todo, creo que es una película que, al ser un clásico, no está de más darle un visionado para ver todas esas cosas bonitas que puede llegar a tener.
Ah, y sale James Earl Jones, el Constantino Romero estadounidense.

Besis.

Sigo poniéndome al día con los clásicos, y esta vez le ha tocado el turno a Mel Brooks con su aclamada obra El jovencito Frankenstein. He de decir que iba con muchas expectativas con esta película, y aunque no haya disfrutado tanto como esperaba, sí que me lo he pasado muy bien y me han dado ganas de ver más películas de este director.





El jovencito Frankenstein nos cuenta la historia de Frederick Fronkonstein, un científico nieto del famoso e infame Victor Frankenstein. Cuando Frederick hereda la casa en la que su abuelo vivía, descubre todas sus notas y decide ponerlas en práctica.

La primera vez que vi actuando a Gene Wilder fue en Todo lo que quisiste saber sobre sexo pero nunca te atreviste a preguntar, de mi querido Woody Allen, y he de decir que no caló demasiado en mí. En esta película, por el contrario, me ha fascinado cada gesto, cada frase, cada mirada. He visto a un cómico que se desvive por hacer reir, sin necesidad de demasiados aspavientos, sino usando la contención y la pausa. El personaje que crea es muy gracioso, por lo pedante y cretino que resulta.

Pese a la época, las mujeres en esta película no quedan demasiado mal, si hacemos concesiones. Tanto el personaje de Inga como Von algo, son dos personajes muy cómicos y muy bien interpretados. Mujer que interpreta a la prometida del protagonista, está a cargo de una de las escenas más emblemáticas de la película.

Pero quien se lleva toda la atención, sin duda, es Igor. Este personaje es y será la imagen de esta cinta. Esa mirada, esa ruptura de la cuarta pared y eso chistes de doble sentido, hacen de Igor, un personaje inolvidable. Fue quien más risas me consiguió sacar.

Y creo que esta es la gran clave de esta película, los dobles sentidos. No sé cómo han trasladado esto al doblaje, pues la vi en versión original, pero se me antoja muy difícil traducir todos estos chistes, pues beben totalmente del lenguaje. Si la película es tan graciosa en español, mi felicitación para los que la tradujeran.

Esta película me ha dejado con ganas de ver más de la filmografía de este emblemático director, así que en breve veréis por aquí más películas de él.

Os recomiendo muy fuertemente su visionado, no tiene desperdicio.

Mi valoración: 7/10

La primera vez que vi una película de David Lynch no entendí nada, y me costó mucho disfrutar del visionado de la cinta en cuestión, Carretera Perdida. La segunda vez que vi a Lynch tampoco entendí nada, pero algo muy curioso pasó: disfruté cada momento. Se trataba de Mulholland Drive, película coronada como la mejor película de lo que llevamos de siglo. Con un segundo visionado, he intentado buscar las claves que la convierten en una película tan bien tratada por la crítica.




Es muy difícil hacer una breve sinopsis de esta película, por lo que creo que es mejor que pasemos directamente a comentarla y que cada cual saque su argumento preferido (pues tiene donde elegir).
Como ya he comentado, la primera vez (y la segunda) que vi Mulholland Drive no entendí nada, hasta que leí las distintas pistas que David Lynch dejó para que se entendiera un poco mejor. Aún así, sigue costando un poco.
Lynch nos transporta a lo que parece ser un mundo onírico con apariencia de realidad... O no, no sé. En principio intentaré ceñirme a la teoría más extendida. Esta crítica puede contener más spoilers que nunca, ojo cuidao.
Esta forma de narrar tan propia del director, casa a la perfección con la trama de la película. Por una lado vemos, en esta especie de sueño, una vida más o menos idílica. Al menos, dentro de lo que puede esperar una mujer de su condición en el Hollywood de la época. Por otro, tenemos la dura y cruda realidad.
Lynch nos sabe llevar en todo momento por donde él quiere, mostrándonos solo lo que le interesa, aunque sin ocultar más de la cuenta. Todo está ante nuestros ojos, solo hay que mirar con detenimiento. Es fascinante la manera de dirigir de este hombre, te deja ojiplático (esta palabra mola, ¿eh?), aunque no estés entendiendo nada de lo que está pasando ante tus ojos. Creo que muy pocos son capaces de conseguir eso.
Me parece que hay que destacar que la nombrada mejor película del siglo XXI tenga como protagonistas a dos mujeres lesbianas. Creo que la representación lésbica en el cine americano, sobre todo en esa época y en películas tan exitosas, es bastante escasa. Un punto a favor de Lynch. Mañana nos centraremos más en este aspecto en el Análisis feminista de la película.
Y ambas protagonistas están excelentes en sus respectivos papeles (dos cada una), dejándonos muy claro la posición en estos distintos mundos de ambas. Naomi Watts, bajo mi parecer, realiza el papel de su vida, y será recordada para siempre gracias a esta película y su interpretación.
Me gustaría nombrar también al único personaje masculino con un poco más de presencia, el patético director interpretado por Justin Theroux, protagonista de la genial serie The Leftovers, que desde aquí recomiendo muy muy fuertemente.
En cuanto a los secundarios, hay muchos que destacar: el mafioso de la silla de ruedas, la actriz que debe ser la elegida ("this is the girl"), o el torpe asesino que tiene que ir improvisando para enmendar sus propios errores. Pero lo que más impacto me creó fue la escena en la que un hombre le está contando a otro el sueño que tuvo esa noche. El final de la escena es desgarrador y muy significativo. Aunque yo aún no le encuentro sentido, a ver si alguien me lo explica.
La música es siempre muy importante en Lynch. Siempre tendré en un pedestal la intro de Twin Peaks, para mí, lo mejor del director. En esta película, todas y cada una de las canciones que aparecen en ella son muy importantes para entender todo lo que salió de la mente de este genio loco. Sin ir más lejos, el enlace entre estos dos mundos que nos presenta no es otro sino la música.
Poco más puedo decir sobre este director, pues me queda muy grande , así que me limitaré a recomendar toda su obra, de la que aún me quedan cositas por ver, y que ya comentaré por aquí.
Silencio.
Mi valoración: 10/10


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«Tiene que haber algo en los libros, cosas que no podemos imaginar para hacer que una mujer permanezca en una casa que arde. Ahí tiene que haber algo. Uno no se sacrifica por nada».


Cuando uno se pone a reseñar este tipo de películas debe ser cuidadoso. ¿Qué puedo decir yo sobre Truffaut? Primero, he de reconocer que es la primera película que veo de este mítico director francés, shame on me. El motivo del visionado ha sido la creación de un cine forum en mi universidad, la Universidad de Cádiz, sobre el cine distópico. Dado mi poco conocimiento sobre el tema y este director en concreto, intentaré transcribir no solo mis opiniones sobre la cinta, sino también algunos de los comentarios que se dijeron en la mesa redonda que hicimos tras el visionado de la misma.
Fahrenheit 451 nos traslada a una sociedad distópica donde los libros están totalmente prohibidos. Tanto es así que existe una unidad de bomberos que se dedica a prender fuego a cualquier libro que encuentren. Uno de estos bomberos se interesará por el contenido de algunos de estos libros prohibidos, lo que le traerá muchos problemas.
Uno de los detalles más curiosos de la producción de la película es su propia concepción. Truffaut conoció a Bradbury, autor de la novela en la que se basa la película, en casa de un amigo en común. Este le habló sobre dicha novela y Truffaut, amante de la literatura, quedó fascinado por su historia. Tanto es así que unos meses después tenía comprados los derechos para su adaptación a la gran pantalla. Lo que Truffaut no imaginaba eran todos los problemas que le iba a suponer la película. Entre presupuesto, banda sonora, actores enfadados, sus diferencias con el estudio, etc., Truffaut acabó odiando la cinta, tanto que él mismo la considera su peor película. Lo curioso es que a Ray Bradbury le encantó, a pesar de los cambios que el director había introducido en la película, ya que mantenía el espíritu de la novela.
Este es un caso excepcional, pues normalmente suele ser al revés, y los escritores echan pestes sobre las adaptaciones de las distintas obras.
Algo que dió problemas, pero que a mí me parece un acierto, fue la elección de (actriz) para interpretar los dos roles femeninos protagonistas. Esto dio lugar a que el actor que iba a interpretar el papel principal decidiera marcharse, pues se vio eclipsado por la actriz.
Y no es de extrañar pues (actriz) está excepcional en ambos papeles, tan distintos que te hacen olvidar que se trata de la misma actriz. Aunque esto fuera decisión del productor, a Truffaut le encantó la idea, pues es conocido su afán por la experimentación en el cine.
Y esto es algo de lo que esta película está escasa, la experimentación tan particular de la novel bag(buscar). Podemos ver retazos de esta corriente, como ciertas escenas filmadas al revés o algún súper enfoque muy extraño, pero, en el fondo, estamos ante la película más conservadora del director, y la que menos refleja su estilo. Este es otro de los motivos por los que él mismo odió su creación.
La huida del primer actor hizo que (actor) tomará el relevo, y creo que tuvieron mucha suerte. (Actor) realiza uno de los papeles de su vida, y encaja a la perfección con el personaje creado por Bradbury. Sus dudas y su ambigüedad hacen que este personaje cobre gran carisma, dotándolo de características muy poco comunes en la época.
A pesar de que estemos ante una película futurista rodada en los sesenta, y que los efectos son muy muy cutres, el sentimiento que te deja al acabar es muy bueno. Las escenas finales donde culmina la trama son tan bonitas que te hacen olvidar cualquier rastro de duda sobre su grandeza.
En definitiva, estamos ante una de las películas de culto que más tocarán la fibra sensible a los amantes de la literatura, como yo, aunque quizás no llegue tanto a los conocedores de Truffaut.
Mi puntuación: 8/10

Todos sabemos que, en un mundo de blockbusters, la ciencia ficción más indie, que se sale un poco de más comercial o de lo que estamos acostumbrados a ver, lo tiene muy difícil para destacar. Por suerte para Alex Garland, Ex Machina fue en su día todo un éxito de crítica. Este éxito no fue suerte, sino que la película cuenta con unas características que la hacen especial y original.




Caleb es contratado por Nathan, un genio de la robótica, para que le realice el Test de Turin a su nuevo y mejorado androide, Ava, que guarda en su laboratorio secreto, en lo que parece una isla recóndita y alejada.




Oscar Isaac, integrante del elenco de la nueva trilogía de Star wars, interpreta a este "genio" que parece que improvisa un poco su día a día. Isaac consigue con su interpretación lo que parece que el director buscaba, que el personaje te caiga regular, tirando a mal. El que en un principio parece que va a ser un guía para el protagonista, deriva casi en antagonista de la cinta, algo que no está hecho de casualidad.




Como tampoco pienso que la elección del actor Domhall Gleeson para interpretar a Caleb sea casual. A este actor lo pudimos ver con anterioridad en uno de los capítulos más sonados y virales de la magnífica serie británica Black Mirror, interpretando al avatar del novio de la protagonista. Si al ver la película, te ha venido a la mente este episodio, estoy seguro que te habrán surgido teorías muy parecidas a las mías.




Y es que la película es muy dada a la creación de teorías. Desde el comienzo, la cinta te va dejando ver u ocultando ciertos detalles para que empieces a especular sobre qué está pasando en realidad. Podría decirse que la película se trata de un test de Turin para el espectador, que debe analizar al detalle a cada personaje.




El test de Turin consiste en que, al analizar un robot, su IA sea tan real que haga que te olvides que estás hablando o interactuando con una máquina.
Y la máquina de esta película es Alicia Vikander, que está espectacular en el papel de Ava, robando cada mirada cuando está en escena. Su interpretación es muy teatral y pausada, como su personaje requiere. Un trabajo excelente de la actriz que me ha dado ganas de volver a verla en acción.




La película, al tenerte en todo momento elucubrando, no se hace aburrida en ningún momento, cosa de agradecer a este tipo de películas tan personales que pueden caer en recrearse en escenas más introspectivas que resulten pesadas.
Otro punto a su favor es que, aunque estemos ante una película de ciencia ficción sesuda, no parece que se trate al espectador como tonto, y no es más explicativa de lo que necesita. El guion está tan bien llevado que todo se entiende a la perfección a medida que avanza la trama.




La fotografía es preciosa, dejando escenas para el recuerdo, la mayoría protagonizadas por Vikander.
Sus giros de guion no son engañosos, sino que todo está bastante al descubierto en todo momento, lo que te deja una gran sensación tanto como si tu teoría era la acertada como, es mi caso, te equivocabas.




La película es recomendable tanto por las reflexiones que establece como por Alicia Vikander, que realiza un papelón.

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