Nueva apuesta de terror de la mítica Blumhouse, adaptándose a los nuevos tiempos de la inteligencia artificial para llevar la extrapolación de sus peligros al límite.

La cinta de Gerard Johnstone explora la relación entre una niña (Violet McGraw) huérfana de padres con una nueva compañera de juegos que a la vez sirve también como tutora: una muñeca llamada M3GAN que en realidad es un robot de alta tecnología con el angelical rostro de Amie Donald, movido por una inteligencia artificial en continuo aprendizaje. Para más inri, y para que todo quede en familia, la diseñadora de M3GAN es la tía de la niña (Allison Williams). Esta robot-niñera recordará a más de uno a los bienintencionados robots de Spielberg de "A.I. Inteligencia Artificial" (2001), pero las similitudes acaban ahí.

“M3GAN” cumple todos los requisitos para ser un buen filme de terror sin arriesgar mucho. La historia es muy correcta, se mueve por terrenos conocidos y resulta predecible, pero el guion contiene elementos más interesantes de lo que se podría esperar a priori. Es notable la importancia que se le da al enfoque psicológico de la niña, traumatizada por la muerte de sus padres y la falsa felicidad que produce la excesiva dependencia a su nuevo juguete. Johnstone también da algunas pinceladas sobre bullying, y por otro lado plasma acertadamente el “todo vale” de las megacorporaciones, entes deshumanizados autoproclamados los adalides del bien común, cuando son verdaderos monstruos sin escrúpulos que se alimentan de emociones e ilusiones para luego defecar los beneficios.

En las actuaciones, destaca el papel de la joven Violet McGraw, dotando de fuerza dramática a su personaje. El resto del reparto cumple sin alardeos, incluyendo la digitalizada Amie Donald, cuyo personaje probablemente es el que se ha llevado la mayor parte del ajustado presupuesto de la película.

La notable rentabilidad alcanzada por el filme ha llevado a su responsable a plantear una inevitable secuela para dentro de unos años.

Nueva aventura de Simbad el Marino, el Ulises árabe, del que se han hecho excelentes versiones cinematográficas entre las que destacan “Simbad y la princesa” (1958), y la que nos ocupa.

Gordon Hessler firma la que es, quizás, la mejor aventura de Simbad en la gran pantalla, tanto por su adecuado ritmo como por la gran calidad de los efectos especiales, obra del indiscutible rey del “stop-motion”: Ray Harryhausen. “El viaje fantástico de Simbad” narra la odisea de Simbad (John Phillip Law), el marino aventurero de Bagdad que se embarca hacia la mítica isla de Lemuria, donde se enfrenta a diversas criaturas y adversidades junto con una bella esclava con el rostro de Caroline Munro. No falta el villano clásico, un brujo llamado el Príncipe Koura (Tom Baker), que persigue a la recua de Simbad y los entorpece a base de ardides mágicos.

Aunque su estilo narrativo bebe de las fuentes más clásicas, la película no ha envejecido tan mal gracias a su buena fotografía, que nos deleita con escenarios vistosos, y la técnica de “stop-motion”, que sigue sorprendiendo por su efectividad y espectacularidad a día de hoy. Con la saturación de efectos digitales del cine moderno, siempre resulta chocante compararlos con las técnicas más artesanas del cine de hace unas décadas (no tantas como parece), porque en más de una ocasión descubriremos resultados asombrosos. Tal es el efecto de las películas en las que Ray Harryhausen puso su mano maestra.

Sin duda, la mejor película del héroe de las Mil y Una Noches.

El cine bélico ha cogido fuerza en los últimos años con producciones de la talla de “Dunkerque” (2017), “1917” (2019) o “Sin novedad en el frente” (2022), pero antes de estos mastodontes cinematográficos tuvimos oportunidad de disfrutar de otro peliculón no menos importante como “Corazones de acero”.

A finales de la Segunda Guerra Mundial, cuando el ejército alemán estaba ya arrinconado y las tropas americanas campaban por una Alemania destrozada, la fiera nazi todavía tenía las garras suficientemente afiladas para meter unos cuantos zarpazos, y no hay nada más peligroso que una fiera acorralada. El filme de David Ayer nos transporta al interior de un tanque americano, el “Fury” del título original, compuesto por una brigada de soldados encabezados por el sargento Wardaddy (Brad Pitt), que recorre un país devastado para limpiarlo de los últimos conatos de resistencia. A su unidad es destinado un soldado imberbe (Logan Lerman), un taquígrafo que no se ha estrenado todavía en el campo de batalla.

El filme se desarrolla con la crudeza y el realismo que vienen marcando la tendencia en el cine bélico desde “Salvar al soldado Ryan” (1998). El camino que recorre el “Fury” es un camino de muerte, y como tal lo muestra la oscura fotografía de Roman Vasyanov, reflejando el ambiente frío y desolador de los campos de la Alemania derrotada. Esos hombres, encerrados dentro de las planchas metálicas de un tanque, que han visto tantos horrores y han luchado codo con codo, se necesitan los unos de los otros para sobrevivir, y para ello han necesitado despojarse de cualquier atisbo de humanidad que les hubiera hecho dudar a la hora de apretar el gatillo, ya que ahí radica la diferencia entre vivir y morir.

Hacia la mitad del metraje, y relacionado con la entrada a un pueblo recién conquistado, la historia pasa de la acción bélica al drama, y alcanza una atmósfera de tensión muy remarcable. Es uno de los momentos cumbres de la cinta, haciendo de la calma una olla a presión que puede estallar en cualquier momento. A partir de esa cumbre, el filme parece ir deslizándose cuesta abajo hasta un clímax bastante más comercial y convencional que lo visto hasta ahora, pero no por ello menos insustancial.

Respecto al elenco, cabe destacar el buen hacer de todo el reparto. En especial, Jon Bernthal, Logan Lerman y Brad Pitt, este último demostrando que un actor con una trazabilidad irregular como la suya todavía puede ofrecer grandes trabajos, y cada vez más pulidos.

Hay tantas adaptaciones de novelas de Stephen King como variedad de calidades de las mismas, desde bodrios infumables a obras maestras, pasando por un sinfín de términos medios. “Misery” estaría muy cercana a las obras maestras.

Sin ser estrictamente el caso, en la práctica se trata de una película de escenario único: la habitación de la casa de Annie (Kathy Bates), una enfermera que rescató a un hombre de morir congelado en medio de un temporal de nieve, después de que su coche se saliera de la calzada. Por ironías del destino, ese hombre resulta ser Paul Sheldon (James Caan), un escritor de una saga de best-sellers de los que Annie está enganchada de manera obsesiva, sobre todo con el personaje principal: Misery Chastain.

El irregular Rob Reiner venía de firmar títulos tan importantes como “Cuenta conmigo” (1986), “La princesa prometida” (1987) y “Cuando Harry encontró a Sally” (1989), es decir, que con “Misery” estaba en plena racha creativa, y lo demostró con un sentido del ritmo extraordinario, logrando mantener el interés de principio a fin. Gestiona la tensión a base de primeros planos, contrapicados, y con un uso muy inteligente de la iluminación, y consigue así elaborar un relato de tintes hitchcockianos donde el aspecto psicológico es esencial.

En la fotografía podemos destacar a Barry Sonnenfeld, quien se pasaría a la dirección al año siguiente con "La familia Adams" (1991) y posteriormente sería el responsable de la trilogía "Men in Black", entre otros filmes más o menos acertados.

La gran baza de la película son sus actores. James Caan está soberbio como el sufrido e impedido escritor, secuestrado y sometido a los deseos y obsesiones de su cuidadora-fan: una espectacular Kathy Bates que borda un personaje de los más psicopáticos que ha dado el séptimo arte. Tal es así, que consiguió el Oscar a la mejor actriz principal compitiendo con verdaderas diosas como Julia Roberts, Anjelica Huston y Meryl Streep.

Extraordinaria en todos los aspectos.

Es un tanto complicado analizar y desgranar virtudes y defectos de películas tan extravagantes como la que nos ocupa. Lo mejor en este como en otros casos es comentar las sensaciones que produce todo en su conjunto, sin meterse mucho en interpretaciones detalladas y abiertas a cualquier tipo de opinión.

El debutante Boots Riley quiere llamar la atención, tirando de humor surrealista y conspiranoico, sobre los métodos de trabajo y valores cuasi esclavistas de las grandes corporaciones, y lo hace a través de un tipo (Lakeith Stanfield) que no se siente a gusto con su vida ni con su trabajo. Pero cuando le dan la oportunidad que estaba esperando, lo hace a costa de venderlo todo: sus valores, sus amigos, su relación con su novia (Tessa Thompson)… y hasta su voz.

Como comedia que es funciona bien, pero tiene más empaque el mensaje de que vivimos en una falsa libertad, donde el éxito se circunscribe sólo para los que han podido subir los más altos escalafones a base de dejar un reguero de víctimas por el camino. Para el resto de los mortales que trabajan de forma miserable pero con su honor intacto, no se permite la entrada al jardín de las delicias.

Riley le da a su ópera prima un tono satírico que combina con toques fantásticos, creando un original conglomerado de ritmo frenético y la suficiente mala leche como para meterse incluso con el “live art” o con las modas virales. Ningún fotograma escapa a la crítica más burlesca en un guion escrito por el mismo Riley.

Cabe mencionar al siempre genial Danny Glover en un papelillo casi anecdótico.