Que John Ford era un genio, creo que es algo que nadie podrá discutir, pero que cada día que pasa en la historia del cine su leyenda debería hacerse más y más grande es algo que habría que reivindicar con fuerza. Ford es como uno de esos amigos al que hace mucho que no ves y que un día quedas con él para tomar algo. Al poco rato te das cuenta que es como si el tiempo se hubiera detenido, como si no hubieran pasado años desde vuestro último encuentro, todo surge frente a ti nuevamente de forma clara, espontánea y maravillosa. En el caso de "El hombre que mató a Liberty Valance" (1962) esto se cumple al 100%, ya que se trata de una obra hipnótica en la que Ford inició el ocaso de su carrera desde el punto más alto posible.

Ramsom Stoddard (James Stewart) y su esposa Hallie (Vera Miles) vuelven ya ancianos al pueblo del oeste en que se conocieron, para rendir honores al difunto Tom Doniphon (John Wayne). El ahora senador de los Estados Unidos relata a unos periodistas locales su historia y como nada más poner un pie en el oeste fue atacado por un bandido llamado Liberty Valance (Lee Marvin).

Lo que primero destaca en este film es que la mayoría de las escenas o son interiores, o son tomas exteriores nocturnas, rodadas en estudio. Es el primer western de John Ford en el que no sorprende al espectador con su habilidad para rodar inmensas panorámicas en exteriores, si no que se centra casi exclusivamente en los diálogos, los personajes y la simbología que encierran. La razón para ello, en mi opinión, era no distraer al espectador de lo que Ford realmente quería contar, la desaparición de un estilo de vida y la llegada de otro que lo sustituye, al menos en parte.

El guión, firmado por James Warner Bellah y Willis Goldbeck, basado en una novela corta de Dorothy M. Johnson es sencillamente fascinante. En él se nos muestra como James Stewart, un hombre sin pistola en el salvaje oeste, consigue conquistar el corazón del pueblo y de la mujer que hasta entonces pertenecían a Tom Doniphon. Tom es el verdadero protagonista de un film que, repleto de simbología, nos acerca a esa figura del vaquero honesto, trabajador y bruto, que se ve desplazado por Ramsom, un nuevo tipo de hombre de leyes, culto y con modales. Pero Tom no lucha contra Ramsom, sino que lo ayuda, lo apoya, es su alma mater continuamente, a pesar de que ve como todo lo que era su mundo hasta ahora, se desvanece entre sus manos.

El reparto protagonista es majestuoso, no se puede imaginar a mejores actores en los papeles que tanto Wayne, como Stewart o Miles bordan de una manera sencillamente exquisita. El único pego es que James Stewart a sus 54 años chirría un poco en su papel de joven abogado recién llegado al Oeste, por mucho maquillaje que le pusieran. Como en todas las películas de John Ford, los personajes secundarios tienen mucha importancia y ahí están Edmond O'Brien, Lee Marvin, Ken Murray o John Carradine para dejar, una vez más, el listón muy alto.

Ya sólo por el guión y los actores merecería la pena ver "El hombre que mató a Liberty Valance"una y otra vez, pero es que el trabajo de John Ford no tiene parangón. Desde el uso de un blanco y negro (por el que tuvo que pelear con el estudio denodadamente) cuyas luces y sombras nos dejan momentos maravillosos, pasando por una puesta en escena que es simplemente brillante y terminando porque su forma de narrar, de componer las escenas, no ha sido nunca superada por ningún otro director.

El tono sombrío del film, como los personajes luchan de una forma muy pasiva, cansada, por lo que persiguen, es una buena muestra del momento del propio director. Ford nos muestra como América (simbolizada en el personaje de Vera Miles), dejó de pertenecer a hombres de verdad, con una honestidad y una hombría a prueba de bombas, para ser sustituidos por petrimetres con buenas intenciones, pero que son capaces de perpetuar una mentira para llevar a cabo sus fines. Sin embargo esa América nunca olvidará en su corazón a esos hombres que la formaron y la acompañaron en su juventud.

Como contrapunto a este tono sombrío y a la ausencia de escenas de acción, Ford recurre (quizás demasiado frecuentemente) al humor, mediante los personajes secundarios. personajes que son como los payasos de un circo de tres pistas; distraen momentáneamente, pero al día siguiente ya nadie se acuerda de ellos, debido a la majestuosidad del espectáculo principal.

John Ford, es uno de los mejores directores de la historia del cine y no, no sólo hizo westerns. Hizo dramas, comedias, cine bélico, cine de aventuras, siempre dentro de un sistema de grandes estudios que le iba como anillo al dedo a su forma de trabajar. Vean cine de John Ford, verán cómo su cabeza empieza a funcionar, cómo una extraña sensación de placer les recorre el organismo y cómo, sin apenas darse cuenta, sonreirán sin saber por qué.

Gabriel Menéndez Piñera
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"Cassandro, the exotico!" es la historia de alguien que lleva peleando toda su vida, contra sus rivales en el ring de la lucha libre y contra sí mismo y sus adicciones cada mañana. Alguien que ha dedicado su vida a dignificar la labor de los homosexuales en la lucha libre a través de su talento y su tesón.

Saúl Armendariz, más conocido como Cassandro, lleva 26 años en el mundo de la lucha libre mejicana, un mundo de machos en el que un homosexual como él ha tenido que trabajar el doble para lograr destacar. Su vida, su familia, sus entrenamientos, sus confesiones, todo eso forma parte de este documental, tan interesante en el fondo como en la forma.

Marie Losier es la "culpable" de haber conocido a este personaje que atrae e impacta a partes iguales. Ella sigue a Cassandro con su cámara de 16 mm, que maneja con pasmosa habilidad y le graba en su camerino preparándose para el combate (una excelente secuencia inicial), en su casa o mientras conduce su coche. Ahí se nos muestra al Saúl que se mantiene dentro de Cassandro, una persona frágil interiormente, con muchas dudas sobre si seguir maltratando su cuerpo y con un pasado de adicciones al alcohol y a las drogas.

El llamado Liberace de la lucha libre mexicana, mantiene un amor incondicional por esta mezcla de deporte y circo que, según sus propias palabras, le salvó la vida en numerosas ocasiones. Pero a su edad su cuerpo, pleno de heridas, operaciones y conmociones cerebrales, está empezando a decir basta. No obstante Cassandro se resiste a dejar su gran pasión por varias razones y, en el ocaso de su carrera, el fantasma de las adicciones sobrevuela de nuevo su persona.

Un documental poderoso en su fondo y llamativo en su forma. Rodado en 16 mm y pantalla cuadrada, la directora Marie Losier mezcla las conversaciones con Cassandro, con las imágenes de archivo de sus combates, donde daba rienda suelta a su habilidad. Cassandro a sus 48 años sigue luchando, pero ya no en el ring.

Gabriel Menéndez Piñera
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Inauguramos las películas del periodo silente del cine con la película "Garras Humanas" (The unknown, 1927), dirigida por Tod Browning y protagonizada por Lon Chaney, Joan Crawford y Norman Kerry.

El argumento de esta pesadilla fascinante es el siguiente: en Madrid está acampado un circo compuesto por gitanos, en él Alonzo (Lon Chaney) es el hombre sin brazos, que lanza cuchillos con los pies a la bella Nanon (Joan Crawford) que es la hija de Zanzi (Nick de Ruiz), el dueño del circo. Alonzo está enamorada de Nanon, al igual que Malabar (Norman Kerry) el forzudo del circo. Nanon se siente muy a gusto con Alonzo, ya que tiene una fobia muy especial, no soporta que ningún hombre la toque con sus manos, sin embargo la supuesta deformidad de Alonzo no es real, si no que éste oculta sus brazos bajo un corsé por una razón muy poderosa....

Este retorcido argumento, escrito por el mismo Tod Browning con la colaboración de Waldemar Young, es únicamente la punta del iceberg de una obra cinematográfica compleja, sucia y alucinante. En ella se tocan temas tan delicados como el fetichismo, la obsesión malsana, el incesto, el asesinato o la deformidad física. Todos estos temas aparecerán también en la obra más escandalosa del director y a la que ya aludimos anteriormente: "La parada de los monstruos" (Freaks, 1932). Sin embargo, en la obra que nos ocupa, estos tamas son tratados de una forma diferente al relato realista (casi documental) que es "La parada de los monstruos". Aquí todo adquiere un tono irreal, pesadillesco, en el que la prodigiosa interpretación de Lon Chaney se te clava en el alma para quedarse allí para siempre. La película no es una obra de terror al uso, sin embargo es difícil que se te borre de la mente la cara de Alonzo tras visionar el film.

La actuación de Lon Chaney merece un punto y aparte, ya que en esta ocasión no es el maquillaje el gran protagonista en la creación del personaje como ocurre en sus dos películas más famosas, "El jorobado de Notre Dame" (The hunchback of Notre Dame, 1923 Wallace Worsley) y "El fantasma de la opera" (THe phantom of the opera, 1925 Rupert Julian). La clave de la interpretación de Chaney en esta película son sus miradas y expresiones, las cuales no dejan lugar a dudas sobre las intenciones en cada momento del personaje que interpreta.

No fue ésta la única vez que actor y director trabajaron juntos, ya que tuvieron una estrecha colaboración que ensalzó la carrera de ambos. Otras películas que hicieron juntos fueron: "Fuera de la ley" (Outside the law, 1920), "El trío fantástico" (The unholy three, 1925), "La sangre manda" (The road to Mandalay, 1926), "Maldad encubierta" (The blackbird, 1926), "La casa del horror" (London after midnight, 1927), "Los pantanos de Zanzibar" (West of Zanzibar, 1928) y "Oriente" (Where east is east, 1929). Esta relación hubiese continuado con la primera película de terror sobrenatural hecha en los Estados Unidos, me refiero al "Dracula" (Dracula, 1931) que dirigió Browning y para el que contaba con Chaney en el papel del conde. Sin embargo, el 26 de Agosto de 1930, un cancer de garganta se llevó para siempre al actor mas singular que ha dado la historia del cine. Este triste suceso hizo que, sin embargo, la carrera de otro actor despegara convirtiéndose en uno de los iconos populares más reconocibles del siglo XX. Me refiero, claro está, a Bela Lugosi, cuya interpretación y la imagen que creo del inmortal personaje de Stoker son ya legendarias, pero esa es otra historia....

Pero no sólo la interpretación de Lon Chaney es destacable, ya que una jovencísima Joan Crawford, que había debutado en Hollywood apenas dos años antes, hace una gran interpretación de un personaje como es el de Nanon, que es más complicado y tenebroso de lo que parece en un principio. Esta sí sería la única vez que la Crawford se pondría a las órdenes de Tod Browning, ya que enseguida la Metro Goldwing Mayer la escogeria para hacer sus grandes dramas sonoros en los primeros años de la decada de 1930. Las primeras de estas películas fueron: "Danzad, locos, danzad" (Dance, fools, dance, 1931), "Amor en venta" (Possesed, 1931), "Salvada" (Laughin sinners, 1931), "Gran Hotel" (Grand Hotel, 1932) o "Bajo la lluvia" (Rain, 1932).

Como ya hemos reseñado antes, uno de los puntos fuertes de la película es la ambientación, ya que Browning y su director de fotografía Merritt Gerstad consiguen crear un ambiente sórdido durante toda la película que refleja la maldad encubierta que hay en practicamente todos los personajes. Así mismo el uso de la luz y de algunos decorados (como la consulta del cirujano) hacen que todo parezca un sueño, uno de esos sueños de los que quieres despertar, pero no lo consigues porque te atrapa y no te deja escapar.

Al igual que otras grandes obras del cine mudo, la película estuvo desaparecida durante muchos años, hasta que en 1968 se encontró una copia en condiciones bastante aceptables y, a partir de ella, se pudieron recuperar 47 minutos de los 63 que duraba la cinta originalmente.

Gabriel Menéndez Piñera
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He oído muchas veces en los últimos años que el cine está en crisis, que ya no se hacen buenas películas, que son todo remakes y continuaciones de otras películas. Me imagino que todas estas personas se refieren al cine Norteamericano (el cual sí es cierto que, salvo honrosas excepciones, lleva muchos años en una grave crisis de ideas), porque el cine Europeo, Asiático y Latinoamericano están todos ellos en uno de sus mejores momentos y esta semana he podido volver a constatarlo, al disfrutar en el cine de una de las mejores películas que he visto en muchos años. Me refiero a "Cold war" (2018, Pawel Pawlikowski), película polaca que es una verdadera obra de arte de principio a fin y que consagra al también director de "Ida" (2013) como uno de los referentes actuales dentro del cine mundial.

La acción transcurre en Polonia, unos años después de la Segunda guerra mundial. Wiktor (Tomasz Kot) es un músico encargado de descubrir nuevos talentos dentro de la música rural polaca, con el objetivo de formas un grupo coral y de bailarines, que transmitan la música popular de su país en diferentes actuaciones por toda Europa. Entre esos jóvenes está Zula (Joana Kulig), la cual impresionará a Wiktor, no sólo por su voz. Sin embargo la difícil situación política que se vive en esos años en el país, dificultará enormemente la relación entre ambos.

Lo que más destaca en la película es la excelsa dirección de Pawlikowski, el cual crea continuamente planos con una profundidad inimaginable, aún en escenas de interior. No sólo eso, formalmente es impresionante, con una fotografía de las que no se olvidan y una puesta en escena original y nada repetitiva. Además, los suaves movimientos de cámara mecen al espectador en una suave melodía que le transporta a otra época, a otro lugar del que no quiere irse cuando finaliza la proyección.

El director polaco, al igual que hiciese en su anterior película "Ida", recurre al blanco y negro y al formato de pantalla 4:3. Ya explicó en su momento que no se imagina otra forma de reflejar la Polonia de la posguerra, durante su periplo comunista, que este blanco y negro tan bello como excluyente. A pesar de las limitaciones del formato de pantalla, Pawlikowski consigue crear verdaderas estampas preciosistas a lo largo del metraje del film, aliviando en parte la tensión originada por el argumento.

El guión, escrito por el propio director junto a Janusz Glowacki, repasa 20 años en la vida de los dos personajes principales. Años en los que la vida (y ellos mismos) les junta y les separa en varias ocasiones. Todo ello narrado con mucha sutileza y sin grandes explicaciones, dejando fluir la historia a través de imágenes y escenas que dejan algunos huecos, los cuales tienen que ser rellenados por el propio espectador. Mención aparte merece el comienzo de la historia, en la que el film se asemeja a un documental sobre la música rural polaca para. a partir de ahí, centrarse en la historia de amor entre Wiktor y Zula. Y por supuesto, hay que hablar (sin desvelar nada) de un final precioso, que deja al espectador pegado a la butaca y con la vana esperanza de que tras los títulos de crédito finales haya más escenas, que la película siga unos minutos más, que no sea verdad que esos personajes que Pawlikovski ha introducido en su mente se vayan para siempre de la pantalla.

Pero no acaban aquí las virtudes de "Cold war", porque la pareja de actores protagonista es una delicia para el espectador. Tanto Joanna Kulig como Tomasz Kot transmiten perfectamente la personalidad de sus personajes, así como los sentimientos que poseen en cada momento el uno por el otro, lo cual no es nada fácil, dado la complejidad de los mismos. Además la voz de Joanna traspasa la pantalla y embriaga los oídos de los espectadores que dificilmente dan crédito a lo que ven y oyen. Junto a la pareja protagonista destaca la gran actriz Agata Kulesza, la cual ya conocía por su enorme papel en "Ida", como la tía de la novicia protagonista.

Sin embargo el tercer protagonista de "Cold war" no es un personaje, si no la música que acompaña al film constantemente. Tanto la música popular polaca, los standares de Jazz que Wiktor interpreta con su grupo durante su estancia en París o las canciones interpretadas por Zula, crean una amalgama de sonidos sencillamente deliciosa y que constituyen uno de los puntos fuerte del film.

Resumiendo, "Cold war" es para mi desde el momento que abandoné la sala de cine, una de las mejores películas de las que he podido disfrutar en mi vida. Una historia de amor durante un periodo de tiempo oscuro y triste, en el que el sacrificio personal, en orden a un supuesto beneficio comunitario, estaba a la orden del día. Pero una vez más, lo importante no es la historia que nos cuenta, si no como esa historia se nos cuenta en la pantalla a través de escenas de una belleza formal enorme y a la vez sencilla. Sin duda una película para ver y disfrutar una y otra vez.

Gabriel Menéndez Piñera
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A veces es mejor contar algo ya muy visto, de una manera novedosa, que contar algo original de una forma ya vista miles de veces. "Wildland", el debut en el largometraje de Jeannette Nordahl, se adscribe a la primera de estas dos opciones, ofreciéndonos a las primeras de cambio, una obra de gran calidad y rodada con un estilo muy personal.

Ida (excepcional Sandra Guldberg Kampp) es una joven de 17 años que acaba de tener un accidente de tráfico en el coche que conducía su madre, la cual ha resultado muerta. Tras salir del hospital, va a vivir con su tía Bodil (Sidse Babett Knudsen), la cual junto a sus tres hijos adultos regenta un local de ocio nocturno, el cual es en realidad la tapadera de un negocio clandestino de préstamo de dinero con altos intereses. Poco a poco Ida se irá introduciendo en un mundo nuevo, divertido y salvaje, pese a su reticencia inicial ante la brutalidad de los medios nada ortodoxos que usan sus primos a la hora de cobrar las deudas atrasadas.

El guión de Ingeborg Topsoe poco o nada aporta de nuevo al género de familias aparentemente normales que se dedican a actividades mafiosas, pero sí tiene la virtud de aportar una serie de pequeños detalles, excepcionalmente reflejados en la pantalla, los cuales mejoran notablemente la calidad de la película.

La actriz protagonista, la novata Sandra Guldberg Kampp, sorprende al espectador por su talento a la hora de ir cambiando de registro según avanza la película, mostrando las inseguridades y temores propios de la edad, mezclados con una determinación y personalidad impropios de la misma. Así mismo, es un placer volver a encontrarme en una pantalla con Sidse Babett Knudsen, la inolvidable protagonista de la serie Borgen, aquí en un papel totalmente distinto al que la hizo famosa.

Sin duda lo más llamativo del film, es el buen hacer de su directora Jeannette Nordahl. Esta, no sólo ha creado un film con un ritmo notable, el cual no deja respiro al espectador sin apenas escenas de acción, si no que además ha conseguido crear escenas de un nivel excelso, sólo parejo a su originalidad. Mención aparte merece la forma de mostrar la violencia en la película, la cual apenas se vislumbra de soslayo, de tal forma que el espectador no la ve en pantalla, pero puede observar los suficiente para imaginarse lo que está sucediendo en la escena fuera de campo.

Es "Wildland" un buen espejo en el que deberían mirarse muchos cineastas y descubrir que se puede hacer cine de género con una gran calidad en todos los aspectos.

Gabriel Menéndez Piñera
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