Lamentablemente, es poco el cine de animación que conozco más allá del que ha producido Disney, Pixar, Fox, Dreamworks, etc. desde que el cine es cine. Indagando un poco, y sobre todo buscando una alternativa al anime japonés, no porque sea un gran conocedor del msmo, ni mucho menos, sino más bien por saciar la curiosidad de qué se hace en otros lugares, de qué son capaces otras mentalidades. Tampoco es que sea muy diferente el cine británico del norteamericano, hablando siempre de generalidades, con el peligro que conlleva meter a todos en el mismo saco, y en este caso la apuesta del director Martin Rosen, ya alejada en el tiempo (1982), resulta muy buena y novedosa, por lo que me extraña que no se haya seguido la senda marcada por él, o al menos hasta el punto que yo conozco, tal vez por el poco atractivo de la propuesta para un público infantil, aunque bien es cierto que el cine de animación cada vez es menos infantil de la manera en que se hacía, pongamos, veinte años atrás.

El argumento se centra en las calamidades sufridas en la huida de dos perros (Rowlf y Snitter) que se encuentran enjaulados en un laboratorio donde los hombres someten a todo tipo de animales a los más abominables experimentos en pos de la ciencia. Más que la trama o el dibujo, nada desdeñables, los puntos fuertes de la película residen en el tratamiento de los personajes que protagonizan la historia: los animales y el ser humano. Los primeros, por fin, son tratados de una forma totalmente alejada del patrón establecido por la factoría Disney y que impera en el cine de animación más convencional. Esos animales que actúan y piensan como seres humanos son ajenos a esta película, son perros, por tanto animales, la razón no tiene cabida y da paso al instinto animal. Además, el ser humano es representado de manera impersonal, a las personas que aparecen no se les ve el rostro, por lo que no hay ningún individuo en concreto que encarne el mal, sino el hombre como especie. Es él con su poder de raciocinio el que trata con vileza e insensibilidad a los demás miembros del reino animal.

Sin duda, es esta la característica que mejor define la película de Martin Rosen, y que debe mucho a la obra literaria de Jack London (del que ya hice referencia en la entrada de La Princesa Mononoke), en concreto a La llamada de lo Salvaje, esa magnífica historia de Butch, un san bernardo que, viviendo feliz con su amo, es raptado por un hombre violento y maltratador, y llevado como perro de tiro a las tierras heladas del Yukon. Esa es la esencia de The Plague Dogs, una denuncia a las cotas de irracionalidad que puede alcanzar el ser humano, demostrando que el hombre, por muy civilizado que se muestre, es el animal más salvaje de la Tierra.

Timothy Treadwell fue un ecologista que, para qué nos vamos a engañar, estaba como una cabra. Se hizo famoso por convivir durante trece veranos con los osos grizzlies de Katmai, en Alaska, y ser devorado junto con su novia por uno de ellos en 2003. Durante ese tiempo grabó una gran cantidad de material que más tarde usó el cineasta Werner Herzog para rodar el documental en cuestión.

Especialista en personajes obsesionados con una idea o un sueño, rayando la locura, no es de extrañar que Herzog se sintiera seducido por la figura de Treadwell. En Fitzcarraldo (1982), Klaus Kinski, su actor favorito, bordaba a un hombre cuya aspiración en la vida era montar una ópera en medio de la selva, llegando a transportar un barco por tierra y, en Aguirre, la cólera de dios (1972), película no muy ligera precisamente, y de nuevo con Kinski, describía la suerte de la expedición del megalómano Lope de Aguirre, quien buscaba obsesivamente la legendaria ciudad de El Dorado.

La convivencia de Treadwell con los úrsidos, algunos con muy malas pulgas, no sólo consistía en acercarse lo máximo posible y hablar sobre ellos delante de la cámara, sino que en ocasiones llegaba a tocarlos, se bañaba y jugaba con ellos. Su rechazo a una sociedad con la que nunca consiguió conectar y el amor a la fauna de Alaska le empujaban a tomar esta filosofía en el trato animal, con los que se sentía verdaderamente feliz, una filosofía muy discutible que consistía en tomar a los animales, aun consciente de su peligrosidad, como si fueran personas, justificándola en su, más que afecto, adoración hacia los mismos y en la creencia de ser el protector y guardián de los osos, obviando a menudo el peligro de estos animales salvajes. Era como un niño que creía jugar con sus amigos los ositos, a los que incluso ponía nombres: Señor Chocolate, Tía Melisa, los zorros Ghost y Spirit...

No obstante la mirada de Herzog no es ni mucho crítica con Treadwell, a pesar de que muchos de los entrevistados sí lo sean, sino más bien indulgente y amable, incluso nostálgica ante su trágico final. El homenaje a un pobre loco que creía ser un oso. Por ello, Herzog recopiló una pequeña parte de las grabaciones de Treadwell para rodar el documental, y así mostrar al mundo no sólo su verdadera personalidad, sino transmitir las bellas y casi mágicas escenas que consiguió grabar y su mensaje profundamente ecologista

Lo cierto es que “Los Pájaros” no deja de ser, en esencia, una película de alimañas asesinas, que bien podrían haber sido hormigas, abejas, murciélagos, arañas o cualquier tipo de bicho que ataca en tropel, como las pelis que pone la 3 de vez en cuando. Me he estrujado los sesos buscando algo que la distinguiera de las demás, pero la verdad es que no lo tiene.

Los actores están flojitos (o son, la verdad es que poco importa), ni Tippi Hedren ni Rod Taylor. El guión patético, de un argumento que se sostiene en unos pájaros asesinos que aterrorizan a la población no se puede sacar demasiado. Los planos superpuestos son de risa, aunque esto, teniendo en cuenta la fecha en que se hizo, es lo de menos. Sin embargo, lo menciono con la intención de recalcar que la película carece de aspectos positivos.

“Los Pájaros” tiene el mismo valor artístico que un folio en blanco firmado por Dalí.

Bajo la agobiante atmósfera y el sol abrasador de la jungla, en el campo de prisioneros japonés del general Saito, el mayor Shears parece ser el único que conserva algo de cordura. Un lugar en mitad de la nada en el que se ha olvidado porqué se estaba luchando, en el que la amistad y la enemistad están separados por una línea más bien difusa. O mejor dicho, por un puente de madera. David Lean bendice a Holden, Guinness y Hawkins con una obra maestra del cine de aventuras, El puente sobre el río Kwai.

Un general japonés déspota.

Un coronel británico con delirios de grandeza.

Un puente que destruir.

Un silbido para la eternidad.

A pesar de su perceptible extravagancia en las formas, como la ropa que cambia de color en funcion de la luz verde o roja de las habitaciones en las que se encuentren los protagonistas, o su explicitud en lo grotesco y de mal gusto, ya sea con eructos, vómitos o cuerpos cocinados, me gusta. Pero no por el argumento, una historia de amor a tres bandas monda y lironda que se sale de la media por su descaro, frescura y las ya mencionadas formas.

Tampoco es una película con un ritmo presto en términos musicales, es lenta y con sobresaltos. Pero no se... el guión... psss...tiene algun que otro diálogo interesante. Helen Mirren tiene un tiento, y lo hace bien, pero el que parte el bacalao es Michael Gambon, papelón, el personaje es cojonudo y es un auténtico hijo de perra con todo el mundo.

No la recomiendo expresamente, pero si la quieren ver, pues véanla. Le doy un 6.