Hay películas que animan a reflexionar sobre ellas e incluso a escribir. Esta película me motiva especialmente por el gran número de críticas y opiniones negativas que he encontrado sobre ella. No soy fan de los contenidos que produce Netflix pero esta película es totalmente defendible.

La historia se sitúa en un futuro distópico muy probable en el que los coches no vuelan, vestimos parecido, los edificios son similares y no se ha llegado a otros planetas pero existe un serio problema de superpoblación. En estas circunstancias se aprueba una ley por la que cada familia podrá criar un solo hijo y una entidad, Child Allocation Bureau, se encargará de que se cumpla. Si se tienen más, los otros serán congelados a la espera de futuras soluciones.

En este contexto, un padre se queda solo con siete hijas gemelas que se tendrán que turnar los días de la semana para salir a la calle representando a una única persona (Karen Settman).

La trama tiene algunos fallos pero es original y atrapa sobradamente. Noomi Rapace está genial en sus múltiples papeles. ¿Qué más se puede pedir? Como thriller engancha y sorprende.

Es lógico que sobre este problema, que ya vislumbró Thomas Malthus a finales del siglo XIX se tenga que actuar y tomar medidas impopulares y difíciles. Aquí, “la mala-cruela” Glenn Close impone su cuestionable sentido común. La visualización de un mundo utópico y la creencia de que es posible legitiman para hacer cualquier cosa por conseguirlo. El personaje de Glen Glose parece creer realmente en lo que dice aunque su frío pragmatismo la vuelve monstruosa. (Aprovecho para recomendar la serie Utopía.). En este sentido tal vez se podrían haber mostrado soluciones más variadas que los socorridos transgénicos como sistemas de reducción del consumo, algas, insectos, carne artificial, reducir a través de la genética la altura de la población, etc.

Habrá gente que considerará que la ambientación es pobre, pero desde mi punto de vista no necesita más efectos ni innovaciones para funcionar. De hecho pienso que incluso podría quitarse algo de acción y metraje.
Como curiosidad, el director es Tommy Wirkola que dirigió Zombis Nazis (primera y segunda entregas).

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Es impactante desde la primera escena y a los cinéfilos no se les pasará por alto la aparición de Sid Haig (visto en peliculas del tipo: La casa de los 1000 cadáveres) anticipándonos lo que podemos llegar a ver…

El planteamiento es similar al de otros westerns, llega un forastero a un pequeño pueblo de apenas 268 habitantes, se producen secuestros y unos valientes parten al rescate motivados básicamente por rescatar a la chica. Lamentablemente, de los cuatro, uno es viejo y otro lisiado y ni se plantean que les acompañe nadie más. Sin reflexionar parten hacia la tierra de los “indios” y nos intriga, nos inquieta, saber que les pasará.

Con un grupo reducido y muy acertado de actores (básicamente Kurt Russel, Richard Jenkins, Patrick Wilson y Matthew Fox) consigue ser muy atractiva y combinar con acierto varios géneros (Western, Road movie y terror). Destaca Richard Jenkins como el viejo segundo ayudante del sheriff y Kurt Russell no actúa, es. De la música ni me acuerdo, parece que se les hubiera olvidado durante mucho tiempo pero no se echa en falta.

En mi opinión tiene dos partes, la primera es muy buena en todos los sentidos, sobre todo los diálogos que en ocasiones pueden recordar a las películas de Tarantino y que dan un toque de humor a la historia. En la segunda mitad se vuelve muy explícita, impactante, macabra, algo gore y más previsible y aunque no está mal resuelta es inferior a lo que prometía. Está claro que es una película de bajo presupuesto pero el lugar en el que habita la tribu...

En todo caso, pienso que es una película para disfrutarla sin entrar en la credibilidad y coherencia de varios de sus pasajes (los actores si son muy creíbles). No es de extrañar su éxito en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya de 2015. Después de este pelicula ví Brawl in Cell Block 99, también del director S. Craig Zahler, y otra vez adolece del mismo descontrol e incoherencias en el final de metraje y otra vez es muy disfrutable y recomendable.

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David Leclerck es un portentoso hipnotista al que ninguna persona se le ha resistido. La seguridad en sí mismo es total. El éxito le acompaña y tiene el mejor espectáculo en directo del país pero está dispuesto a ir lejos, muy lejos, hasta el final en su última gran función de la temporada.

Este cortometraje tiene un muy buen reparto y Armando del Río borda un papel totalmente creíble. Es imposible no entrar en la historia y querer ver qué pasa. Quizá aqueje de previsibilidad en la historia y sencillez en el montaje consistente básicamente en saltar del público ávido de espectáculo a el escenario donde sucede todo. Quizás por ello, se introduce una secuencia con lluvia que moja a los personajes. La lluvia puede ser una metáfora sobre dejar salir la verdad, limpiar, desprenderse o quizás tan solo un recurso para enriquecer la oferta visual.

La música minimalista que acompaña la acción asemeja el latido de un corazón que David Leclerk es capaz de parar también. Todo en el montaje nos quiere transmitir la enorme seguridad en si mismo del protagonista con frecuentes primeros planos, el uso de la música y su guión subrayando el contraste entre lo que consigue y aquello que realmente quisiera conseguir.

En el público diferenciamos aquellos que disfrutan del espectáculo de aquella que es víctima de la verdad que aflora tras las acciones de David Leclerck que sin buscarlo está utilizando vilmente el morbo en favor del show. Podríamos hablar de mezquindad contra mezquindad por amor o algo similar. El gran hombre que vemos es en realidad un hombre pequeño cuando no está bajo los focos al que hasta “sus chistes son mejores que él”.

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Genera nostalgia de otro cine incluso para gente que nunca lo vió ni sentiría interés por verlo. Cada cierto tiempo se agradece ver un nuevo film clásico como ya paso con The Artist aunque no creo que el éxito de Laland se dé en otra película similar en el corto plazo. Nos remite al pasado en una ensoñación de la que se despierta por la aparición en pantalla de algún artilugio actual como el móvil.

Como en todo musical, hasta un atasco es una buena ocasión para cantar, bailar, estar alegre y contagiarlo al espectador posiblemente incluso a quien no le gusten los musicales. Entre atascos, entre el día y una noche, todo pasa. Sin aliento deja el primer plano secuencia que es prueba de un gran virtuosismo no visto en otros musicales, aunque pueda ser parecido, en plena interestatal de Los Ángeles.

Muy destacable es el uso del color en las escenas y como cambia con el desarrollo de la historia, curiosamente las estaciones más frías están más llenas de color. Diría que el color y las tonalidades cuentan la historia y muestran a sus personajes. Un color tan artificioso que me recuerda la serie Utopia. Esto ayuda a reforzarla como vehículo para la evasión y el disfrute ya de por si significativo al tratarse de un musical que se desarrolla entre decorados, escenarios y paisajes de película.

Mia (Emma Stone) con un control absoluto de su expresión, representa a la infatigable aspirante a actriz que debe soportar el continuo rechazo y mantener, a pesar de ello, su ilusión por hacer lo que le apasiona. Sebastian (Ryan Gosling) encarna con naturalidad y sutileza a un pianista de jazz que ha crecido admirando a unos artistas cuya estela quiere seguir frente a la posibilidad de llegar a más audiencia traicionando lo que considera el auténtico jazz. Ambos con interpretaciones memorables, a mi gusto, deambulan en una historia vista muchas veces pero que sigue funcionando por lo que supone el amor, la juventud, la ilusión, la pasión y esos otros lugares que el cine nos permite visitar. ¿Cómo no va a funcionar? Sus voces aunque limitadas, especialmente en el caso de ella, son resultonas como el conjunto de la película.

Por otra parte, los protagonistas se enfrentan a dilemas como arriesgar o conformarse, el amor o su sacrificio por un sueño, actuar según lo que quieren los demás y traicionarse o mantener sus ideales, …

Para los amantes del musical puede que se quede corta de números musicales pero su principal pecado como musical es no ofrecer un mayor repertorio puesto que, aunque muy agradable y pegadiza, pienso que abusa del tema principal.

En resumen, es una película de argumento simple, personajes sencillos y sin matices, música muy pegadiza, planos que recuerdan a grandes clásicos y que aunque no aporta ninguna novedad es excelente y enormemente disfrutable.

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Excelente cortometraje con un fabuloso dominio de la imagen que presenta dos mitades claramente diferenciadas. La primera mitad juega con la superposición de imágenes y planos cortos y sugerentes. Los atractivos protagonista llenan la pantalla ante una cámara que les adora. La segunda mitad trata de explicar la situación y resolver la historia mostrando el contexto.

Resulta magistral el juego de reflejos combinado con la música. Ambos actores tienen una gran carga erótica que el director ya ha ido mostrando en las escenas previas y sabe aprovechar. Este uso de la superposición del reflejo me recuerda a la película Alicia en las ciudades de Wim Wenders pero con el añadido, imagino que calculado, que realmente se tocan en esa imagen proyectada. El contacto llega a ser tan preciso como para que los dedos de él acaricien suavemente los labios de ella en su totalidad hasta entrar en su boca. El reflejo borroso en el cristal combinado con la música resulta onírico y despega a los protagonistas de su dura realidad.

En su última parte, pese a utilizar elementos de tensión como activar el cronometro, no consigue ser tan interesante y deriva en un final impactante, principalmente por el contexto y por el hecho de ser una historia próxima a la realidad. Es un claro ejemplo de aquella frase que dice: La realidad supera la ficción.

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