Podríamos resumir en esa palabra el sentido y carácter global de esta obra maestra de Danny Boyle. Una película que no duda en hacernos viajar de la mano de su excelente grupo protagonista, un viaje que en más de una ocasión nos hace ver el lado más opuesto del "chute" de la felicidad condensada.

Filmada con una fuerza y energía inconmensurables, "Trainspotting" narra las desventuras de un grupo de jóvenes adultos escoceses bastante perdidos en la vida. Lejos de querer dar lecciones de moralidad, o siquiera hacer autocrítica de sus propios personajes, Boyle permite que sea el propio espectador el que por medio de esos testimonios saque sus propias conclusiones: Conclusiones sobre la vida, sobre la amistad y las relaciones sociales, sobre cómo labrarse un porvenir... Y naturalmente, conclusiones sobre las drogas más duras de las que se puede hacer gala.

Por otro lado, la elección del elenco protagonista es bastante notable. La calidad de la película no reside en sus actuaciones en sí, intencionadamente sobreactuadas en algunos tramos de la cinta, sino en la gradual degradación tanto física como psicológica de la que son partícipes. Ewan ve a su alrededor como todo se desmorona en más de una ocasión, y lejos de plantearse seriamente cambiar, permite que todo siga su curso. El guión, poblado de diálogos ingeniosos y con voces en off muy reconfortantes, decae inevitablemente en algunos tramos, donde lo único que sujeta a la película es una espléndida banda sonora cuidadosamente seleccionada.

En conclusión, quizás muchos me deis un "NO" por haber calificado a Trainspotting con un notable alto. He disfrutado mucho viendo esta película y escuchando su banda sonora, pero cierto es que tanto las interpretaciones como algunas incoherencias (muy muy pocas) han desmerecido levemente el resultado global. A pesar de eso, de ella han emanado todos los ensayos cinematográficos acerca de las drogas que conocemos hoy en día. La fiereza, versatilidad y energía con la que ha sido filmada merece ser objeto de estudio, pues en "Trainspotting" no destacan su argumento o sus interpretaciones, sino su interesantísima propuesta dramática.

A mi parecer, existen diferentes formas de salir asombrado de una película. En ocasiones, al espectador le impresiona un argumento sólido, innovador o radicalmente peculiar. Otras veces, sale enamorado de unas interpretaciones, de unos personajes que parecen cobrar vida más allá del papel que están desempeñando. Por último, en escasos momentos del cine contemporáneo uno puede salir estupefacto por el virtuosismo técnico, por la buena mano de su director y su equipo, por una fotografía superlativa o un tremendo montaje. Cuarón, en "Hijos de los hombres", no solo firma uno de los mejores relatos futuristas de la primera década del siglo XXI, sino que combina todas las sensaciones anteriormente mencionadas en un relato único.

Comenzando por el argumento, hay lógicamente que mostrarse escéptico con el mismo al tratarse de una adaptación literaria, que como todas no llega a ser perfecta. "Hijos de los hombres" es el reflejo de una sociedad británica del futuro próximo, un régimen autoritario que no ve nacer un niño en sus suelos desde hace 18 años debido a una enfermedad que ha dejado estériles a las mujeres a nivel global. El humano más joven del mundo fallece, y a partir de ahí seguiremos la particular odisea de Clive Owen para... ¡CHAN! Aquí me paro. Más que nada porque es cuando comienza a coger interés la película.

Como reflejo del mencionado régimen opresivo, va claramente de menos a más. La decisión de no convertir el entorno político en eje central de la película ha sido un gran acierto, pues se mantiene bien visible y palpable en su trasfondo y toma el justo protagonismo. Por otro lado, el guión es notable aunque cuente con ligeros e inevitables altibajos, que no llegan a entorpecer el resultado global pero sí convierte ciertos tramos de la película en algo difícil de sobrellevar. Aún así, es relativamente corta y estos ligeros vaivenes no duran más de dos escenas.

Las interpretaciones cuentan con una veracidad bastante notable. Clive Owen, perseguido por la cámara juguetona de Cuarón, no se ve mermado en su papel particular de héroe. Un héroe al que quizás no se le ha rascado del todo lo que podía haber dado de sí, pero que cuenta con la suficiente fuerza como para convencer. Un gran punto a favor del largometraje reside en los secundarios, muchos y muy buenos (Chiwetel Ejiofor, Michael Caine más cambiado que nunca, Julianne Moore...), que ayudan a enriquecer ese pequeño mundo en el que se desarrolla la historia.

Finalmente, lo más delicioso de "Hijos de los hombres" es... Su divino director. En "Gravity" hemos podido disfrutar de alguno de los planos secuencia más espectaculares, escalofriantes y asombrosos del cine de ciencia ficción, difícilmente superables incluso para el propio Alfonso Cuarón. Sin embargo, los planos secuencia de esta película en particular, esa cámara que nunca se está quieta, esa que persigue, que incomoda, que esconde y enseña sin dejarse a nada ni a nadie por el camino... Es una jodida delicia. Hay dos o tres escenas que son un auténtico festival sobre como hacer cine de acción (y cine en general, ¡qué cuernos!). Cuarón cuenta con los medios, le da al play y deja al celuloide inmerso en cada glóbulo rojo de su sangre fluir por el ambiente. Honestamente, ha sido de las pocas películas cuyo aspecto técnico me ha sorprendido mucho más que el resto de apartados generales.

"Hijos de los hombres", en definitiva, es el contundente resultado fruto de un director que apunta a ser referente técnico para el resto que quiera hacer una buena película de acción (si es que no lo es ya). Quizás me pueda mostrar un poco escéptico al calificarla o no como la mejor obra del mexicano, porque personalmente me ha gustado más "Gravity". Sin embargo, lo que Gravity no tuvo lo tiene en gran medida "Child of men", que no la supera en su insuperable dirección pero sí presenta un impresionante festival de recursos cinematográficos muy a tener en cuenta.

Obra maestra del carismático Roberto Benigni, "La vita è bella" muestra la cara más inocente del holocausto nazi.

Elude con brillantez la tendencia cinematográfica relacionada con la Segunda Guerra Mundial para mostrarnos a una humilde y simpática familia de judíos, unida por unos lazos mucho más fuertes que el miedo o el dolor. Un padre que lucharía por su mujer y por su hijo hasta límites insospechados, arriesgándose sólo porque los que estén a su alrededor sean felices. Eso es lo que a él lo hace feliz y lo que le ha llevado a Roberto a ganarse un merecidísimo premio de la academia como mejor actor. Y no es para menos. Pondría la mano en el fuego porque no existe actor alguno en el mundo capaz de llegar siquiera a la mitad del nivel de interpretación desplegado por Benigni en este largometraje.

Una primera media hora sólo "buena", que termina con otros 90 minutos para enmarcar, para el recuerdo. Ver esta película debería de ser una obligación.

En su día no llegué a escribir acerca de "12 Years of Slave", a sabiendas de que el shock emocional que me había dejado no me permitiría redactar algo decente. Visualizada hoy mismo en Blu-Ray de nuevo, y de un modo algo menos dramático que la pasada vez, esta última joya de Steve McQueen no hace sino confirmarme que aquella sensación de plenitud con la que salí hace cinco meses del cine no se la llevó (del todo) el viento.

El talento y estilo de McQueen quedan completamente definidos en esta cinta, aún con apenas 3 películas en su haber. Firmando una brillante ópera prima con "Hunger", y confirmando su personalidad en "Shame", ha mezclado esos trazos de estilo propios con un presupuesto a la medida de una gran producción. Muchos han llegado a tildarlo de convencional, tachando a "12 años de esclavitud" como la típica busca Óscars comercial, que no pretende hacer historia sino ganarse su respectiva estatuilla. No sé si estoy de acuerdo con la afirmación de que es la mejor película sobre la esclavitud de la historia, más que nada porque no soy un entendido en el tema, pero de no serlo sin duda aspira claramente a ello.

¿Recordáis a Carey Mulligan cantando "New York, New York" en "Shame"? Quizás fuese la escena de más bella factura en aquella olvidada obra de arte. "12 años de esclavitud", por su parte, deja muchísimos más planos para el recuerdo, acompañado de un trío protagonista que ha vivido más que actuado en esta película. Las escenas sobrecogedoras, el carácter realista de las mismas, la (bajo mi punto de vista) casi total ausencia de artificio, ese bello hilo musical que sólo Hans Zimmer inyecta a sus trabajos... Todo ello compone una película realmente bella, a pesar de que su relato se base en la vida terrorífica que suponía ser un esclavo en aquel tiempo. Irradia con veracidad ese dolor, esa melancolía, consigue que congenies con el entrañable Chiwetel Ejiofor, que sufras cuando él sufre, y que la luz esperanzadora de sus ojos brille al mismo tiempo en los tuyos.

Soy consciente de que quizás la película esté hecha con esa finalidad, con la de congeniar y tocarte el corazoncito. Sin embargo, realmente no me esperaba lo contrario, ¿o es que una película sobre la esclavitud puede triunfar enfocándose sólo en el horror y la desesperación? Indispensablemente, acción, horror y dramatismo deben ir unidos de la mano, y "12 años de esclavitud" supone una mezcla de esos ingredientes muy poderosa y convincente. Qué más da que no sea la mejor de la historia en su género, qué más da que no sea completamente fiel a la biografía de Solomon. Es una brillante producción cinematográfica, y como tal se merece el bien galardonado premio a Mejor película del año 2013. Una joya.

Recuerdo cuando vi por primera vez "500 Days of Summer". La encontré casi sin querer, vi que aparecía Gordon-Levitt y eso ya me valió para darle una de esas oportunidades que les damos a las películas de madrugada. Apenas dormí esa noche.

Esta obra de Marc Webb no es la mejor comedia romántica de la historia, ni tampoco tiene el mejor guión del mundo, ni un planteamiento que sobresalga con creces. Sin embargo, es tan honesta en sus matices, tan fiel y sincera en sus formas, que enamora. Cada mirada entre Joseph y Zooey irradia auténtica química. No es nada sencillo encontrar eso en una pantalla, la verdadera sensación de ternura, de un sentimiento no forzado ni interpretado. Que un actor o una actriz sea capaz de arrancarte una sonrisa con tan sólo esbozar él una dice mucho, mucho del potencial y la particular atracción tan bien lograda de ambos protagonistas.

Lo que distingue esta película romántica del resto es que cualquier persona puede identificarse con ella. No suceden hechos inverosímiles ni extraordinarios, los actores no son auténticos pivonazos y, sobretodo, el amor no se presenta como un sentimiento de fácil acceso. Habrá personas que puedan interpretarla como una más, un rato agradable o incluso la obvien por encima del resto debido al carácter de sus protagonistas. Sin embargo, 500 Days of Summer se presenta como algo tan real, tan a la vuelta de la esquina, ofrece situaciones tan poco artificiosas... Que te quedas con ella.

Me gustan las películas que me dejan una sensación en el cuerpo, buena o mala. Me gustan aún más las que me recuerdan a momentos que yo mismo he pasado, malos, sobretodo. Pero eso es como cuando estamos tristes y escuchamos música depresiva. La belleza de esta película irradia en lo que puede hacer sentir a un pequeño grupo de personas, y de ahí viene mi nota. No por su calidad, ni por su excelente banda sonora y guiños cinéfilos, pero sí por lo que me ha hecho sentir. Sensaciones tan gratificantes como pocas comedias románticas lo han hecho.