Sir Sean Connery dijo no voy más, y los productores se decidieron a cambiar a un escocés por un australiano, que más encima debía hacer el papel de un agente secreto inglés, y aunque esta fue la primera y única de Lazenby, es hoy sin duda una de las mejores de la extensa lista de películas "Bondianas," si no, derechamente, la mejor de todas.
Es entretenida, tiene suficiente acción como todas las demás y Lazenby le imprime al personaje un estilo y un ritmo que no fue igualado por los otros Bond, quizás sí por el genial Roger Moore, en el sentido del humor. Como chica Bond estuvo la "ex-vengadora" (por la serie de TV donde antes actuara,) Diana Rigg, quien es quizás la mejor Bond-girl de la historia de la serie.
De villano contó con Telly Savalas, sin lóbulos y antes que se le diese por mascar chupetes y ponerse del lado de la ley como Kojak.
Además cuenta con todos los personajes de soporte de siempre, "M", "Q", Moneypenny (que está notable en una de las últimas escenas,) cuando, llorosa al saber que su amor imposible, pero siempre soltero, se va finalmente con otra, y un gesto que ha servido como escena de presentación tantas veces vista en las primeras películas, Lazenby le lanza su sombrero a las manos.
Es una película para ver sin duda. Cuando yo la vi por primera vez , en televisión, esperaba aburrirme viendo a un pésimo actor (así siempre había leído) y terminé cautivado por este George Lazenby que se dio el lujo de no usar dobles en las escenas de acción.
Debió haber tenido otra oportunidad, sin duda. Porque en "Los diamantes son eternos" Connery se veía horrible.
...y los años pasaron y luego muchos otros actores llegaron para encarnar al genial personaje creado por Ian Flemming, y muchos se olvidaron de esta cinta y su protagonista (destrozado por la crítica en su momento y por mucho tiempo después,) pero sin embargo, el tiempo dijo otra cosa...

Sé que llego bastante tarde para hacer una crítica que interese a alguien sobre esta película multi-premiada y considerada por muchos como una de las mejores de todos los tiempos. La verdad que luego de revisionarla tras mucho tiempo de haberla visto por primera vez, (la había visto una vez a principios de los noventas) esta nueva pasada me aporta un nuevo sentimiento hacia esta cinta, que tal vez difiere en algo (o bastante) en el recuerdo que yo tenía de ella.
Es sin duda una película que apela a tocar y ganarse los sentimientos del espectador tanto en su composición narrativa, como en los diálogos, así como en una banda sonora extremadamente dulzona y que está allí taladrándote el cerebro durante las dos horas de duración. Siempre, claro, contando con aquella exagerada expresividad italiana bastante caricaturizada que busca llevarte con facilidad hacia la risa, para luego, como quien da vuelta una tortilla, pasar directamente a momentos de mayor intimidad, pasión o sentimentalismo (y esto último es lo que más sobra en la película.)
Aquí sin embargo destaco esa hermosa amistad que nace entre "Toto" (el niño) y el viejo Alfredo (representado por el enorme Philippe Noiret) en torno a la pasión que les une: EL CINE.
Sin duda para nosotros los que nos definimos (o nos creemos) cinéfilos, es esto lo que mayormente nos acerca a esta película, ese homenaje al maravilloso séptimo arte que está presente en gran parte del filme. Claro, luego nuestro pequeño "Toto" crece y como es de esperar comienza a darse de cabezazos contra la pared por amor y entonces descubre, como también lo descubrimos nosotros mismos en algún momento de nuestras vidas, que el cine es hermoso, pero solo es una entretención.
Es aquí donde la película pierde un poco ese ritmo de la primera parte y a ratos se zambulle en aguas poco profundas (como quien estira un elástico) para luego recuperar el hilo con el regreso de un ya maduro Salvatore. Por supuesto, coincidentemente con su regreso y mientras la "azucarada musiquilla" de fondo sigue muy viva, el viejo cinema paradiso se viene abajo, y con él los recuerdos del tiempo ya ido e inexorablemente perdido.
"Cinema Paradiso" es sin duda una película que hay que ver, tiene muy bellos momentos que inevitablemente hacen que tus ojos se llenen de lágrimas, pero eso no la hace necesariamente una película hermosa. ¿Y porqué señalo esto que parece sonar a contradicción? Porque es un producto final demasiado dulzón, dulzón en todo, artificiosamente dulzón, y ello por momentos impide la necesaria fluidez narrativa de la historia, cayendo en lo hostigoso. Aunque esto parece ser algo repetitivo en las realizaciones de Tornatore, cabe recordar "Malena" (2000,) que es un poco más de los mismo (y con pasada por un cine incluida,) en que otra vez nos vemos ante el típico pueblo pobre italiano, con sus habitantes de hablar locuaz y exagerado, (que si eso no viene en una película italiana es que estamos ante una película de alemanes morenos) ese supuesto reencuentro visual con un pasado duro, sufrido, pero pleno de nostálgica felicidad.
Aun, y a pesar de todo esto, "Cinema Paradiso" resulta un buen producto para ver, si tratamos de no tragarnos el exceso de azúcar flor...

Y que más decir, ante esa última escena, y por el amor que siento por el cine y que me une a tantos que sienten igual que yo, y como me sucediera hace casi treinta años atrás, no pude evitar volver a llorar.

Comparar, a veces, es la peor manera de disfrutar algo.
¿Que si esta película es inferior a "Mujeres" de Cukor? Pues, no sé,
ya que yo la disfruté a concho de principio a fin.
¿Por qué? Porque me encantó ese maravilloso aire de los años 50s impregnado por toda la película. Porque me cautivaron esas estupendas actrices, ataviadas en ese vestuario tan representativo de aquella década, lleno de glamour y buen gusto. Porque me hipnotizó el color, la música, y como señalé anteriormente, esas actrices que están sencillamente NOTABLES!!!
June Allyson luce en un papel perfecto para ella, saca a relucir como pocas veces su talento (a veces mal aprovechado en papeles de esposa demasiado dócil) y además nos canta... Joan Collins en plan de bella villana (con look a lo Elizabeth Taylor,) logra por momentos eclipsar a todas sus co-protagonistas, aunque debo decir que sentí que su personaje se terminaba desinflando hacia el final. Aun así no destiñe, regalándonos además su belleza resaltada en esos bellos ojos azules. Ann Miller, también luce en los momentos musicales, y como actrices de soporte, Gray, Sheridan, Moorehead, Blondell, están divertidísimas y frescas, entregando algunos de los momentos más jocosos que tiene la cinta, sumados estos a los chispeantes diálogos. Otra grata sorpresa que trae este filme es encontrarnos con Alice Pearce, siempre en plan de "cotorra chismosa," es decir, no es otra que nuestra querida Gladis Kravits antes de casarse e irse a vivir al lado de los Stephens en "Bewitched."
Es verdad que lo varones no destacan demasiado en esta película, mas bien estos no pasan de ser la anécdota que sirva para que "nuestras chicas" hagan y deshagan a su entero antojo, aunque resulta mas que grato ver a un joven Leslie Nielsen, en esta ocasión en el papel de esposo que no consigue vencer la "comezón del séptimo año."
Insisto, una muy divertida comedia, con buenos números musicales pero sin transformar finalmente a esta cinta en un musical. David Miller no desentona en la dirección, sacando adelante un mas que notable producto, tanto así que me termino quedando con el remake... es que los cincuentas, tenían además de todo, esa belleza estética que no logro encontrar en la película del 39.

La leyenda dice que fue la película favorita de Howard Hughes y que en sus últimos años de vida solía pedir que se la proyectaran seguidamente en su sala de cine. Película que puede ser considerada entre las precursoras de ese cine que viviría su mejor momento en la primera mitad de los años setentas. El llamado "Cine desastre."
Esas películas plagadas de estrellas que luego de una primera mitad de mucho diálogo (dando tiempo para conocer mejor a los personajes y sus historias personales) pasaban a una segunda mitad a toda acción.
Claro que como la cinta que nos convoca se desarrolla principalmente a bordo de un submarino, cuenta esta con un reparto fijo y eficiente encabezado por un Rock Hudson extraordinario, que nos muestra que era más, mucho más, que un actor de comedia. También tenemos a un Patrick McGoohan (Jones) como un frío, eficiente y calculador agente (un eficiente asesino, también, de ser necesario,) y Ernest Borgnine como Vaslov, un agente ruso pasado a los norteamericanos. (Bueno, en el papel que fuere, Borgnine siempre hacía de Borgnine.) También destacar al jugador de fútbol americano pasado a actor Jim Brown como Leslie Anders, un poco expresivo capitán de marines. Al comienzo de la película también vemos al "curtidísimo" Lloyd Nolan (Almirante Garvey) y mención especial para Tony Bill (Teniente Russell Walker) actor y productor, que precisamente ganaría un Oscar como uno de los productores de la película "The Sting" (1973.)
Como señalaba la falta de espacio imposibilitó la presencia de otras estrellas como Charlton Heston o un Gregory Peck, ya que el único papel que iba quedando era el de cocinero y su único diálogo sería: "¡Los huevos están cocidos!"
La primera parte de la película se me hizo muy entretenida y se me pasó volando, y me hizo rememorar a "Viaje a las estrellas, la película" (obviamente vi primero la cinta de 1979 y en mi búsqueda de clásicos he visto esta película de 1968,) pues como en aquella uno se entretiene con el espectáculo visual que produce el visionar el interior del submarino nuclear USS 509 (logrado y muy real) su funcionamiento, los espacios, o la falta de espacios (¡y eso que este es uno de los grandes!) Aquí la cinta se posa sobre los hombros de Rock Hudson y por momentos de McGoohan, mientras Borgnine juega a "Marty" pero soviético. Durante el viaje disfrutamos de algunas de las mejores escenas viendo al submarino navegando a toda máquina por un mar frío y picado.
La segunda mitad de la cinta nos viene con toda la acción (pero al igual como me pasó con Star Trek, 1979) me decepcionó un poco. Más cuando la acción pretende ocurrir en el frío ártico y se nos hace desde el primer momento totalmente desarrollada en un estudio (gigantesco de seguro) que pretende, mediante bloques de cartón de formas rectangulares y pintados de blanco, aparentar ser el polo norte, mientras la nieve artificial cae profusamente. Aquí llegamos a la mentada Estación Polar Cebra que además se ve algo improvisada y rudimentaria como para soportar temperaturas bajo cero.
Con la llegada del coronel Ostrovsky y sus paracaidistas rusos, caminamos al desenlace que hace más patente la sensación de estar presenciando escenas filmadas en estudio, y para colmo nos enteramos que tanto cabezazo contra el hielo es para la recuperación de un "chismecillo metálico" pero que porta tan valiosa información como para que rusos y norteamericanos desenvainen sus espadas. Aquí por fin las máscaras caerán y sabremos quién es quién y a qué jugaba cada uno, claro que la figura del comandante Ferraday (Rock Hudson) queda inmaculada, pues, él al igual que nosotros (los espectadores,) ha estado siempre expectante por saber con qué mano juegan Jones y Vaslov (Borgnine, el "Marty" ruso.)
Cinta extensa como lo eran aquellas superproducciones, pero con muy buenos momentos. Antecesora de ese cine que nos regalaría luego otras películas con igual construcción y desarrollo como: "The Towering Inferno" (1974) "Terremoto" (1974) "King Kong" (1975) "La batalla de Midway" (1976) "Enjambre" (1978) y un largo etc...

Segunda obra de Aldrich dentro del género del suspenso-terror. Aquí el director vuelve a trabajar con Bette Davis, a los que se suman Olivia de Havilland, (gran amiga de Davis, así que en el set debe de haber existido menos tensión que con el dueto Davis-Crawford en "Qué fue de Baby Jane") Joseph Cotten, la tremenda Agnes Moorehead (ganadora del Golden Globe y nominada al Oscar como actriz de reparto por este filme) y mención aparte para Victor Buono que está notable al comienzo de la cinta como padre de Charlotte.
La película rodada en blanco y negro, (como "Qué fue de Baby Jane") busca repetir los réditos de aquella cinta, y tiene muy buenos momentos en gran parte gracias a las magníficas actuaciones de sus actores protagónicos, pero en la búsqueda de sorprender continuamente al espectador la cinta se alarga demasiado y allí comienza a resultar algo tediosa, sin quitarle por ello el ser una de las buenas películas dentro del género del terror, a veces algo recargada de terror sicológico. Claro que ahora es al personaje de la Davis, Charlotte, al que le toca padecer dicho terror sicológico.
La película cuenta con un comienzo que es tan extraordinario como prometedor, como para que el espectador se haga las mayores ilusiones de lo que va a ver y que en el desenlace nos aclarará que la historia no era tan así como la creíamos, pero tiene una parte central que por momentos hace demasiados giros sobre sí misma produciéndonos algún tedio, que se lima como ya he señalado al final, en que las caretas de todos los personajes caen, y con una Davis (que como en "Qué fue de Baby Jane") nos regala una última escena como para mostrarnos que al fin de cuentas la película descansaba sobre sus hombros, y que por momentos me recordó, (con las diferencias obvias,) a Gloria Swanson de Norma Desmond en "Sunset Boulevard."
"Hush... Hush, Sweet Charlotte" así como su antecesora "Qué fue de Baby Jane" (ambas de Robert Aldrich) son sin dudas dos películas que hay que buscar y darse el tiempo de ver, entre otras cosas, para reencontrarnos con un cine mucho mas inteligente que el que se hace hoy y para, a través de sus protagonistas, disfrutar con el talento de estos que nos muestran que cuando una actuación es convincente y bien lograda no es necesaria la utilización de litros y litros de tinta color sangre.