El Séptimo Sello
Ingmar Bergman (Suecia)


“… y cuando El Cordero abrió el séptimo sello, en el cielo se hizo un silencio como de media hora, y vi siete ángeles que estaban en pie delante de Dios y les fueron dadas siete trompetas, y los siete ángeles que tenían las siete trompetas se dispusieron a tocarlas…” (Ap 8:2,11).

El séptimo sello es un film de Bergman rodado en Suecia a mediados del siglo XX impregnado profundamente de la carga religiosa moral vivida en sus años de niñez y juventud junto a su padre un pastor luterano. Presenta en excelentes planos en blanco y negro, todo el ambiente histórico cultural, ético-moral, religioso y mágico-mítico de mediados del siglo XIV en plena crisis de la Peste Negra que azotaba a toda Europa.
Es una crítica clara y una puesta en tela de juicio de la visión eclesial religiosa del mundo de la época retratada, la actual para el rodaje y aun para el día de hoy mas de cincuenta años después.
De forma reiterada a lo largo del film presenta las caras de la Fé, la duda y la negación de Dios, aunado a la búsqueda de respuestas a través de las constantes preguntas del protagonista Antonius Blovk, un caballero cruzado atormentado y lleno de dudas que regresa de combatir absurda e infértilmente en tierra Santa por diez años, crítica hecha en una época en que la iglesia aun era rancia en sus conceptualizaciones de la vida y el hombre.
El film retrata con demasía la crisis general de una época plagada de violencia y crueldad, amparada por fanatismos sacrílego-religiosos donde burdas penitencias y sacrificios brutales de inocentes trataban de ocultar verdades e implorar perdones divinos. Época de la supervivencia del más fuerte, del más adinerado, del más poderoso, del más cruel o del más egoísta, o como se diría hoy en día, del más vivo, sin apego a ningún tipo de normas sociales o simple sentido común, barbarie tal provocada y auspiciada por la santa iglesia católica, apostólica y romana, la cual, a todo mal, le atribuía causas malignas y satánicas, y rechazando toda posibilidad de explicación o búsqueda científica.
La película muestra además, una modelo de cine inteligente pues hace que el espectador tenga que concluir, pensar y armar escenas, como en el inicio de la partida de ajedrez y las continuas jugadas a través de la película, o la escena final de la muerte, que no se narran los hechos, pero da al espectador la posibilidad de interpretar a su modo.
Excelente iluminación en una fotografía en blanco y negro que da esa tónica macabra apocalíptica a lo largo del film, acompañado de una banda sonora que maneja las emociones del espectador de forma permanente, aunado a una magnífica interpretación por parte de los actores centrales de la cinta y una gran ambientación de exteriores y de estudios, que llevan al espectador a recorrer las praderas, las playas y meterse en las casas y tabernas frecuentadas por los personajes de la obra.

Un maravilloso film de comedia romántica onírica, muy fresca, que con un montaje y edición impecables, además de una fotografía genial como evocadora, que a pesar de su ritmo suave a lo largo de toda la cinta, introduce al espectador lentamente en un viaje a un pasado parisino anhelado por el protagonista, un escritor americano, interpretado por Owen Wilson, en un viaje con su novia y su familia a la capital francesa.

Una película con alta carga de nostalgia del director Allen por Europa y París en particular, a través de un también nostálgico protagonista por la década de los veinte parisinos, para él la edad de oro de Francia.

Se suceden encuentros de ensueño del escritor con antiguas glorias mundiales de la pintura, la música, el cine y la literatura como Picasso, Dali, Hemingway, Cole Porter, Buñuel, Gauguin, Degas o Toulouse-Lautrec entre otros a raíz de viajes en el tiempo en un Peugot clásico de los años veinte al sonar las campanas de medianoche.

Desarrollan la trama un personaje protagonista soñador, escritor algo frustrado, romántico, bohemio a la par de ser sencillo en su personalidad, se contrapone a una novia plástica, algo vacía y al amigo pedante y sabelotodo que subestiman al escritor, su personalidad y su trabajo.

El fin es como una especie de autoretrato del veterano y prolífico director Newyorkino a través del protagonista, que incluso en ocasiones emula el estilo de actuación y personalidad inquieta de Allen, un reflejo de la nostalgia de éste por el mundo europeo.

Un cuento de hadas para adultos y niños...
En este film Guillermo del Toro crea una historia que de sobremanera se desborda en imaginación y creatividad, es una película maravillosamente enigmática como cruel, bastante redonda, muy bien narrada, bien enlazada, con un maravilloso arte, bien construida y ambientada en tiempos de la feroz post guerra Civil española. Se relata el viaje onírico de una niña que le toca vivir una de las peores épocas de la historia de España, enmarcado en una temática muy al estilo de Alicia en el País de las Maravillas, con una cueva como la del conejo incluida.
Guillermo del Toro muestra un guión excelentemente construido por el mismo, con mucha sencillez y acierto, para algunos el perfecto guión, que logra hacer que la unión de dos tramas, la guerra por una parte y el viaje onírico de la niña Ofelia por el otro, sea perfecta, llegando a un final hermoso aunque realmente cruel, un juego fantástico entre la realidad y la ficción. La realidad puede ser la de la niña Ofelia, o también solo la vista por los personajes adultos o todo lo contrario, porque aun al final la voz del narrador en off se continúa escuchando. Un guión concreto, sin desperdicios, y exquisitamente hilado.
Si bien es cierto que las actuaciones son sublimes en el film, como de hecho lo son, hay que destacar sobremanera que la fantástica fotografía a la par de los efectos visuales y de audio, nos llevan realmente a las sensaciones realistas de ese mundo de guerra, y de ese mundo onírico feérico de la niña Ofelia creado por del Toro, con maravillosas iluminaciones y claroscuros desde el inicio mismo de la película, y plano tras plano; y por demás está el igualmente maravilloso trabajo de maquillaje sin ninguna falla con elementos y personajes tan dispares como complicados como El Fauno en principio, las hadas o el personaje de los ojos en las manos, que eleva a niveles insospechados la calidad de la obra del mexicano Guillermo del Toro en España.

Un film interesante y de estudiar.
Tal vez un poco enredado entender, como una historia tan simple, casi sin guión o montado sobre la marcha, demasiado ligero en producción, mucha improvisación, entre aburrida y entretenida, además altamente transgresora de la rigidez cinematográfica del momento, sea parte del principio y del fin de tanto en el cine, sobre todo de cara al hollywood de la época, encasillado en la sobreproducción, lo comercial, los mismos temas, el dramatismo tenso o el relato cerrado, de grandes producciones, cierto, como Lo que el viento se llevó, Qué fué baby Jane o Casablanca de Curtiz pero que tras unos cincuenta años continuaba haciendo lo mismo porque era altamente rentable, salvando tal vez a Hitchcock, Welles y otros pocos.
Quizá el Godard de ese momento era un simple muchacho rebelde porque si, trasgresor porque si, como muchos de su edad, tal vez el mismo no lo reconocería siendo después de eso hasta hoy, un ícono del cine de autor y bla, bla, bla…., lo cierto es que se quiera o no este film como parte de un movimiento marco pauta, para lo que es el cine, claro en conjunto con Chabrol, Truffaut y los aportes críticos del mismo Bazin, pues no se puede olvidar que la crítica formal de cine se erige como teoría seria en esta época con el inicio de Cahier du Cinéma, sin menospreciar publicaciones anteriores.
Un film de culto para cinéfilos, pero tal vez un tanto fofo y aburrido para aficionados al cine de mera diversión y palomitas de maíz; mas valioso por sus consecuencias como parte de un movimiento como la nueva ola Francesa que como una unidad. En fin, un atrevimiento que se hace ola y que amen de menoscabar las hollywoodenses le exige su renovación. Además es la época del fortalecimiento como tal del cine de autor pregonado por estos locos de La Nouvelle Vague, como renovación del cine vacío con un impulso intelectual, ideológico y creativo. Obviamente el mérito no es solo de Godard, es más bien Godard de los primeros influenciados por estos aires y sobre todo que arriesgaron en sus producciones al cambio.
Con todo y eso la película tiene frescura y naturalidad, tal vez algunas escenas largas algo fastidiosas como la conversación en la cama que se hace eterna, o la misma caminata, pero sin duda un film para verlo un par de veces.

La Directora peruana Claudia Llosa, sobrina del Premio Nobel, narra una historia con un ritmo conciso e inteligente en La teta asustada, sobre las raíces que ha echado una mujer que todavía teme al pasado, asustada por lo que pueda pasar en su futuro, y que se protege a como de lugar de ese pasado, aguantando y sosteniéndose día a día sin saber cómo debe ser su propio mundo, mas siempre con una supuesta seguridad por delante, seguridad que le falla ante cualquier desconocido o incluso conocido.
Una película que me costo ver, por lo pausada y parsimoniosa, pero que me fue atrapando poco a poco.
Un film con una historia bastante curiosa como diferente además de muy bien cuidada en todos sus detalles, de pequeñas apreciaciones y, aparentemente, sencillas conclusiones, con esa ambigüedad que deja el hecho de tocar temas en lugares recónditos, y manejando ese hecho con absoluta tenacidad, logra que el espectador pueda entender lo que se está exponiendo sin necesidad de realizar insustanciales cuestiones, diálogos o explicaciones.
La teta asustada es una de esas películas con un ritmo impecable y justo para poder contar una historia entorno a las susceptibilidades sobre esos pequeños rincones en la mente de aquellos que algún día vivieron de algún modo, lo que ahora temen conscientemente y de lo que es supremamente difícil escapar y que de hecho pocos lo logran. Una situación cotidiana muy replicada en diversas zonas rurales y barriadas latinoamericanas específicamente peruanos y que lleva a una vida de recelo a muchas mujeres sin que puedan llevar una vida de normalidad dentro de la sociedad, y que además muestra formas y hechos tradicionales de pueblos que muchos desconocen.
Una película con una particular fotografía y guión en extremo sencillo nos muestra con calma y con lentitud, pero con precisión el recorrido de los parajes, peldaños, y festividades con la misma lentitud que una mente asustada y retraída logra disipar parte de sus temores y poder determinarse a enfrentar al presente con bastante naturalidad. Como si esa teta, nunca hubiese estado asustada.