He esperado tres días para dejar que bajara el suflé del placer que sentí durante la proyección y por lo menos un día después. El primer comentario que salió de mi boca fue que todavía estaba conmocionado. Solo deseo que el poso que ha dejado "Pobres criaturas" perdure para siempre.

La película es una auténtica desmesura en el aspecto estético y formal a la vez que también lo es a nivel narrativo sin dejar de lado su capacidad para exponer temáticas diversas e interesantes. Podríamos decir que a partir de una reinterpretación del mito de Frankenstein el director griego Yorgos Lanthimos nos arroja a un vertiginoso viaje de aprendizaje a través de Bella Baxter —mujer joven salvada y resucitada con un cerebro nuevo e inmaculado gracias a las especiales habilidades del excéntrico cirujano Godwin Baxter y que tendrá que pasar necesariamente por todas las etapas de crecimiento y maduración. La primera parte en blanco y negro transcurre en la mansión del científico donde Emma Stone da vida de forma magistral a esta nueva persona que, con la inocencia y la ausencia de prejuicios de una niña, lo está aprendiendo todo: desde las coordinaciones básicas a las normas de convivencia social más sencillas. A Bella no se le permite salir de casa aunque a medida que despierta su curiosidad por todo lo que queda en el exterior empieza a realizar algunas salidas acompañada en carruaje.

La segunda parte, donde aparece el color, se inicia con la aparición de Duncan, el abogado de la familia y un auténtico bandarra, que aprovechará el descubrimiento iniciático del placer sexual y las ansias por "ver mundo" de la Bella para raptarla y llevársela de viaje "de eterna luna de miel", donde ella irá saliendo poco a poco del engaño inicial de Duncan para ir descubriendo otros placeres y otras formas de disfrutar de la existencia más allá de un hedonismo endogámico y desenfrenado. En este fantástico viaje por diferentes ciudades del mundo vivirá una auténtica aventura de maduración en la que irán surgiendo variedad de disfrutes, la empatía, la conversación, la solidaridad, la lectura, las diversas formas de afrontar la vida, la amistad y finalmente y, cómo no podía ser de otra forma, la confrontación con su pasado para acabar de empoderarse definitivamente de su destino y quedarse con la amabilidad y la entretenida convivencia.

Toda la línea narrativa se despliega ante nosotros con un universo estético singular, de un barroquismo encantador y que con la utilización de ojos de buey y planos panorámicos acaba resultando una experiencia cinematográfica única por su impacto y su capacidad de transmitir significados de una actualidad y un humanismo sin paliativos.

"Pobres criaturas" lo tiene todo —y no me he extendido en las interpretaciones más que notables encabezadas por un Emma Stone que deslumbra—, es cine que conmueve a través de una narrativa ingeniosa y divertida a la vez que te impacta por la variedad de aquello que transmite, es cine que te deja con ese regusto de haber tenido una experiencia vital con el deseo de que no se olvide. No es poco. (9,5/10)

Entro en la sala en sesión de noche con un café previsor para una duración de casi tres horas y puedo decir que exceptuando algún momento de debilidad la película tiene una consistencia y una grandeza que te obliga a no dejar pasar ni un segundo.
La obra está centrada en un matrimonio protagonista y otro amigos suyos a lo largo de 40 años en una China que ha vivido una transformación grandiosa donde la vida de estas dos parejas resiste el embate de la muerte trágica de un hijo y de la separación para reencontrarse necesariamente para descubrir la verdad y el perdón.
Al comenzar te puedes encontrar un poco perdido por la utilización reiterada de la elipsis temporal que nos transporta arriba y abajo en el tiempo para aclarar la trama o hacer asociaciones de ideas. Poco a poco y con deleite nos vamos ubicando para disfrutar de un verdadero monumento a una historia de vida de una profundidad y un humanismo inmensos para convertirse en un retrato vital de una complejidad y una fortaleza difíciles de superar. A través de unas vidas aparentemente sencillas y adoctrinadas por un régimen al que también se critica nos muestra una sucesión de episodios dramáticos que repasan lo más esencial de nuestra existencia desde una intensa globalidad y universalidad
No sobra ni un minuto, todo lo que pasa o se dice forma parte de un organismo con vida propia donde se le da el justo protagonismo a cada una de sus piezas vitales. Los recorridos personales de cada sujeto va en paralelo a la evolución política y de progreso material del país. Un país totalitario que hace del control social un elemento capital para su estabilidad y su crecimiento y que queda perfectamente apuntado a pesar de los problemas de censura que ha tenido la película.
Con un ritmo pausado nos desbroza el alma de unos auténticos héroes cotidianos y contemporáneos que en una demostración de fortaleza interna --aquello que los pamfletistas de la motivación llamamos resiliencia-- son capaces de superar reiteradamente la pérdida más dolorosa para poder llegar a la compasión, la fraternidad, la compañía o el perdón compartido de unas vidas que renacen desde las cenizas. En este sentido hay que estar muy atentos a una escena final ubicada en un cementerio que con unos diálogos austeros y un sencillo contraplano expresa de forma concentrada una buena pila de ideas y pensamientos.
Cine granítico y consistente alrededor de la naturaleza humana que está destinado dejar una buena traza en la historia del cine de los últimos años. (9)
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Un grupo de cuatro jóvenes viaja a Berlín para felicitar por sorpresa en su 35º aniversario a Alex y conseguir así un deseado, al tiempo que un poco forzado, reencuentro de viejos amigos de estudios universitarios.
Un inicio aparente de reunión feliz, donde la conversación fluye y las sonrisas abundan, da paso enseguida a una progresiva atmósfera opresiva ubicada entre el thriller y el drama, en una ambiente gris y frío muy propio de la ciudad para desplegar un nudo y un desenlace crudo , directo y sin sutilezas donde los silencios a veces hablan más que los diálogos.
Las interpretaciones nos muestran de forma acertada un malestar interior profundo y escondido a punto de reventar. La distancia y el desarraigo ayudan a que aparezcan aquellas chispas que provocarán el estallido anímico sucesivo de este grupo que se había mantenido "unido" a base de alimentar unas apariencias de "buen rollo juvenil". Un grupo que debe madurar aunque sea a base de sacudidas y desengaños dolorosos.
A pesar de que el papel de Olivia con una Alexandra Jiménez impactante sea la que se reafirme como líder y protagonista, la prometedora directora Elena Trapé acierta en perfilar perfectamente el resto de personajes consiguiendo un conjunto diverso y bien matizado para esbozar un grupo de seres heridos, con las ilusiones generacionales desvencijadas y con la urgente evidencia de que el tiempo se escapa en direcciones muy diferentes y, a veces, opuestas.
Un cine que transmite de forma ejemplar y contundente un universo angustioso y que reduce la esperanza a las cenizas que quedan a unos pocos segundos en forma de mensajes de voz. (8/10)
http://bit.ly/2QelRTL

Me apetece mencionar en primer lugar la magnífica charla que nos obsequiaron en forma de diálogo espontáneo y fresco el director, Óscar Aibar, y el guionista de lujo, Albert Sánchez Piñol en la sesión del sábado 15 de diciembre al espacio Funàtic de Lleida. Fueron quince minutos de sonrisas y confidencias sin corsés llenos de autenticidad.
La cinta se basa en un cuento breve de Albert y que transcurre en una masia aislado de la comarca del Matarranya (Teruel) entre el estallido y el final de la guerra civil española. Si pensáis que ya habéis visto todas la versiones posibles de esta guerra fratricida os equivocáis. En "el bosque" se muestra una guerra en un lugar donde la épica no es posible ("por no tener no tienen ni caciques"), se aleja del retrato simplista y políticamente correcto mezclándolo todo con elementos fantasiosos que le dan un tono lleno de magia estrafalaria, fresca y, porque no?, divertida. Estamos ante una propuesta atrevida y arriesgada que merece toda nuestra benévola comprensión para dejar de lado errares en el tempo y ensamblaje del guion para lograr apreciar una visión particular y bastante interesante.

También hay que destacar la intencionada y trabajada versión en catalán con acento marcadamente occidental (o "matarranyenc" como decía el director) como un valor añadido poco apreciado incluso dentro del ámbito catalanoparlante. Tal y cómo se afirma en una escena: "no hacemos lo que queremos, hacemos lo que podemos".

Las interpretaciones son bastante dignas con la "curiosidad", comentada en la introducción, de la participación estelar de Tom Sizemore ("Salvar al soldado Ryan" entre otros)

Recomendada para el que quiera entrar en un relato lleno de fantasía juguetona, sin engaños ni caretas fingidas en medio de una época dramática. Por todo esto se merece mucho màs.

Freddie es una mujer joven francesa adoptada que viaja a Corea del Sur de una forma azarosa en busca de sus orígenes biológicos. La película transcurre durante ocho años a partir del primer contacto con una cultura y una sociedad muy distinta a la de adopción.

En este viaje personal e intimista al que sería la esencia identitaria de nuestra protagonista, nos encontraremos con un conflicto permanente que la llevarán por un recorrido lleno de obstáculos, dudas y rabietas diversas que el director Davy Chou nos muestra apelando a unas imágenes evocadoras y sugerentes en referencia siempre a las emociones —muchas veces contradictorias y opuestas, como no podría ser de otra forma— de Freddie. En este sentido cabe mencionar la utilización de la música como uno de los hilos conductores protagonistas —la película comienza y termina con escenas donde la música es el puntal— para reflejar de forma inspiradora momentos de soledad, alegre fraternidad, divertimento o añoranza desolada.

Durante todo el relato también se juega con contraposiciones de opuestos —día/noche, rechazo/aceptación, cinismo/amabilidad, soledad/relación grupal, las dos Coreas— para remarcar aún más este camino de inmensas dudas y dualidades que la llevan a insistir reiteradamente en contactar y conocer a sus padres biológicos a pesar de que no tenga ningún vínculo vital de memoria o crecimiento personal.

Destacar también los múltiples momentos en los que existe un evidente choque cultural a veces en torno a costumbres insignificantes como la forma de servir la bebida u otras sobre aspectos mucho más complejos o de relaciones personales. En este sentido hay que prestar atención al tratamiento de todo lo corporal: el contacto, la comida, el maquillaje, los tatuajes o el baile.

Película pausada y paciente, basada en los testimonios de personas que han vivido esta situación de búsqueda de la identidad biológica, que nos envuelve de forma emotiva e intensa para hacernos partícipes de lo que puede suponer un cautivador viaje personal lleno, en este caso, de contradicciones, desengaños y caos.