"El buen amor" es el primer largometraje de Francisco Regueiro, y, después de verlo, creo que guarda una coherencia con los que rodó a continuación, hasta por lo menos "Las bodas de Blanca" (1975) -y en donde, como en el largometraje que nos ocupa ahora, también explora el medio ambiente provinciano español-, dándose la feliz circunstancia de que ya he logrado ver todos sus largometrajes realizados entre 1963 y 1975.

Las relaciones de pareja, así, centran ya, desde su ópera prima, el cine de Regueiro, sin duda alguna uno de los cineastas más personales e interesantes de los que empezaron con el llamado "Nuevo Cine Español". La descripción de ambientes y situaciones desde una perspectiva fuertemente realista se mezcla con una profundidad psicológica y un intimismo sentimental que sólo encontramos en las mejores muestras del cine español de esos mismos años (Jorge Grau, Miguel Picazo, Fernando Fernán-Gómez, por poner los casos que primero me salen a la cabeza). Regueiro hace que el personaje de Simón Andreu sea vallisoletano, como él mismo, y se atreve a sacar a colación lo mismo la Guerra Civil que la menstruación femenina. Simón Andreu y Marta del Val están bastante convincentes en sus respectivos papeles. No es un film tan pesimista, o tan negro, como los que Regueiro firmará a continuación (empezando por "Amador", de 1965).

A la vista de este film, se puede decir que el estilo del Carné de antes de la Segunda Guerra Mundial (lo que se llamó el "realismo poético") sigue intacto después de la misma, pero en un tono más oscuro, más pesimista, más fatalista. La acción se concentra en tan sólo unas horas, principalmente a lo largo de una noche, y en esas horas todos los personajes principales se encuentran, se relacionan de manera casual y sorprendente, y de esos encuentros surgen la tragedia, el drama, la emoción, el amor y la muerte. Por supuesto, la guerra -la acción se sitúa a comienzos de 1945, con París recién liberado, pero con la contienda aún en marcha- está muy presente, y con ella, la miseria, las privaciones, el mercado negro, las delaciones, el mercado negro; un mundo en el que nadie es inocente (salvo tal vez el personaje de Montand), porque lo único importante es sobrevivir, al precio que sea, como ejemplifica el personaje de Serge Reggiani.

La colaboración entre Carné y Jacques Prévert, y entre estos dos y el compositor Joseph Kosma, dan lugar a un film lleno de alma y atmósfera, muy de su época. Curioso, es un film muy romántico, y a la vez muy duro y sórdido. La canción y la melodía "Las hojas muertas", de Prévert y Kosma, es muy emocionante y da a este film un carácter de hito dentro de la historia del cine francés. En conjunto, "Las puertas de la noche" es una película inolvidable, y un clásico indiscutible.

Esta película, que tuvo éxito entre el público, supuso el retorno de su director a un cine de un carácter más intimista, después del ciclo de obras de tipo épico-histórico que realizó entre 1968 y 1971. Con "La maffia", Torre Nilsson inicia un ciclo de films ambientados en décadas pasadas del siglo XX, films en los que quizás se indaga en las raíces de la violencia que sacudía a la Argentina de los años 70, siempre con Alfredo Alcón -un actor omnipresente en la filmografía de Torre Nilsson entre 1968 y 1975- al frente del reparto.

El argumento recrea hechos reales, sucedidos en Rosario (Santa Fe), una ciudad que fue llamada "la Chicago argentina" por la intensidad de las actividades mafiosas que allí se llevaron a cabo en los años 20 y 30. El personaje interpretado por José Slavin está basado en un mafioso que se llamaba Juan Galiffi, alias "Don Chicho Grande", y el secuestro y posterior asesinato de un joven de buena familia se basa en el secuestro del joven Abel Ayerza, que se produjo en la provincia de Santa Fe en 1933. Por otro lado, el personaje interpretado por Alfredo Alcón se basa también en un lugarteniente de Galiffi, Francisco Marrone, que se enfrentó a su jefe para conseguir el control de toda la organización, a lo que Galiffi contestó ordenando el asesinato de Marrone. La película desarrolla este progresivo enfrentamiento de otra manera, alejándose de los hechos reales.

Buenas interpretaciones, una aceptable reconstrucción de ambientes, y una acción que no decae nunca, configuran un estupendo largometraje de acción criminal, que, por casualidad, o no, coincide en el tiempo con el éxito mundial de "El padrino" (The Godfather, 1972), de Francis F. Coppola. José Slavin, con su acento italiano, logra una gran labor de interpretación, "robando" a Alcón la mayoría de las escenas que comparten estos dos actores.

En esta secuela se hace patente quizás cierta falta de ideas, cierta desorientación. Lo más interesante es el principio, cuando el empresario se queda solo y es asesinado, y el final en el parque de atracciones, escenario habitual en el cine de terror estadounidense. Lo demás, la parte de la acción que transcurre en la escuela militar, es más átono, aunque no está desprovisto de interés. La idea principal en la película es la de hacer crecer al personaje protagonista, Andy Barclay, a medida que pasan los años, pero haciendo que Chucky, el muñeco diabólico, aparezca como una amenaza permanente. Debe destacarse, como en las anteriores entregas, la voz de Brad Dourif para el personaje de Chucky.

"Guardias y ladrones" es una estupenda obra dirigida por Monicelli y Steno (en una etapa, fines de los años 40 y principios de los años 50, en la que Monicelli dirige sus primeros largometrajes en colaboración con Steno) que aúna la comedia y el drama con la crónica de costumbres, con una sensibilidad social claramente relacionada con el movimiento neorrealista. Totò, en el papel de ladrón, y Aldo Fabrizi,en el papel de policía, están muy bien en sus respectivos papeles.

Lo más interesante quizás del desarrollo narrativo y argumental de este film es que nos hace ver que, a pesar de que el ladrón y el policía son personajes antagónicos, enfrentados, ambos tienen más puntos en común de lo que querrían creer: el policía es un poco malo, y el ladrón es un poco bueno, y ambos tratan de sacar adelante a sus familias. La ironía se extiende a las esposas, a los hijos, al ambiente que rodea a los dos personajes.

Cabe destacar la presencia en el equipo técnico de Mario Bava, futuro director especializado en cine fantástico, como director de fotografía.