Con Beau tiene miedo, Ari Aster abandona cualquier intento por ser lógico y se deja llevar por el surrealismo hasta el extremo. De esta manera, el espectador podría creer que está bajo los efectos de alguna sustancia, pues no hay coherencia alguna e incluso los fondos se vuelven animados en algunas secuencias.

En esta comedia de terror absurda abundan los impactos, los gritos –que se vuelven muy desagradables– los colores, la miseria e incluso la estupidez. Estos excesos pronto empiezan a molestar y el extenso metraje (tres horas) solo contribuye a que la película se vuelva insufrible.

De este modo, nos encontramos ante una propuesta tan larga que resulta aburrida, a pesar de que intenta mezclar demasiadas ideas. Pero quizá lo más decepcionante es descubrir que no hay una explicación satisfactoria para ello y solo es un delirio causado por asuntos pendientes entre madre e hijo.

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"La primera profecía" es una precuela de la historia que nos contó Richard Donner en 1976 (que tuvo un olvidable remake en 2006). Al año siguiente, este clásico protagonizado por Gregory Peck y Lee Remick ganó el Oscar a la Mejor banda sonora y, aún hoy, figura entre las mejores películas de terror (aunque en realidad el género que mejor la define es el suspense).

Ahora, con "La primera profecía" nos enfrentamos a la actualidad cinematográfica que confía más en los golpes de efecto que en la psicología de los personajes o en la historia misma. El título de Arkasha Stevenson no recoge ni la mitad del suspense de su predecesora, y su historia no consigue mantener nuestro interés. Posiblemente, por diversas razones: la cinta se entretiene mucho en planos que dicen lo mismo una y otra vez, los protagonistas carecen de atractivo psicológico (aunque no interpretativo), los malos parecen caducos y trasnochados religiosos (y aquí la consabida crítica a la Iglesia católica), y la oscuridad de la trama se traslada a una bestia cuya imagen diabólica no conquista .

A todo esto se suma una narración que se pierde entre demasiadas opciones: no se centra en Margaret (la protagonista), tampoco en Carlita (la supuesta hija del diablo), ni en los curas o monjas artífices del complot y, además, el demonio resulta ser un chacal versión XL. También se abusa de una banda sonora redundante y el exceso de susurros le resta impacto a este recurso sonoro. Así, la trama se vuelve repetitiva y no deja florecer el suspense y, con el clásico en mente, este título se vuelve irrelevante e innecesario.

En cualquier caso, si alguien busca un poco de oscuridad, maldad y crueldad en una sala de cine, con más de una escena algo desagradable, puede ir a ver La primera profecía pero que no espere demasiado.

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Basado en los personajes creados por John Carpenter y Debra Hill, llega la décima propuesta ambientada en un pequeño pueblo de Illinois, Haddonfield.

David Gordon Green, que ya condujo el título de 2018, sigue pilotando la dirección y guion de una nueva noche de Halloween repleta de cuchillos, sangre y violencia gratuita.

Su apuesta no abandona ninguno de los presupuestos estéticos ni morales de la franquicia. La sombra de Carpenter, que sigue siendo productor y compositor de la banda sonora, sobrevuela todo el metraje haciendo del film un slasher en toda regla: un psicópata de fuerza sobrehumana despedaza a todo el que se le pone por delante.

En este sentido, esta entrega opta por explicitar aún más cada girón de piel u ojo (hacia los que la cámara de Gordon parece tener especial cariño) que se arranca o atraviesa.

También es cierto que todas estas vidas de Michael Myers (hay una más en fase de posproducción) han perdurado a lo largo de las décadas casi como una espuria metáfora sobre el mal. Las frases explicativas de los propios personajes (artificiales, pero también habituales en este tipo de películas) junto al sinsentido de tener circulando a un psicópata despersonalizado y sin psicología narrativa apoyan la teoría de Myers como proyección de la maldad y el miedo colectivos, a modo de inconsciente social. Es cierto que ni John Carpenter ni sus discípulos pretenden hacer filosofía, aunque sus píldoras psicosociales adornan estas producciones repletas de brutalidad y excesos descarnados.

Para los más nostálgicos, Halloween kills regala unos flashbacks de los dos primeros largometrajes para alimentar aún más ese replegamiento hacia el pasado que lleva a cabo la trama. Ahí brilla especialmente la música, entonces (en 1978) en su naciente dimensión electrónica, que otorga una mayor vibración a las escenas.

En definitiva, estamos a un relato que convoca, curiosamente, tanto la sordidez y el absurdo como la melancolía cinematográfica y que, sin embargo, permite rellenar los cines en las semanas de Halloween.

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Cuando alguien pone cariño en lo que quiere contar, puede llegar a crear una atmósfera mágica y sumergir al receptor en ella. Y es lo que sucede en Los Fabelman, una carta de amor de Steven Spielberg al cine, en la que el espectador puede vivir una experiencia visual hipnótica, envuelta en una música de piano embriagadora. Como consecuencia, esa estética de cuento ayuda a que el extenso metraje pase rápido y la cinta sea disfrutable.

Esta autobiografía ficcionada de Spielberg es una película coming-of-age narrada a través de la mirada limpia de su pequeño protagonista, Sammy Fabelman, que va evolucionando hasta el encuentro decisivo para su carrera. En ella, el director eleva un canto a la familia, al arte –en concreto al séptimo– y a encontrar la propia identidad.

En su conjunto es agradable, pues Sammy logra apreciar belleza a través de la lente aun en medio de la desgracia. Aun así, Spielberg no deja de mostrar los errores humanos que pueden llevar a que el núcleo familiar se desmorone. Eso sí, lo hace con una cantidad de dulzura (empalagosa para algunos) y un exceso de afecto y optimismo que resta valor y credibilidad a su consejo sobre dejarse llevar por el corazón, pues deriva en una coyuntura inverosímil.

No obstante, este film personal, que desprende devoción por las cámaras y sus seres queridos, cuenta con una fotografía fascinante y unas magníficas interpretaciones que permiten deleitarse durante un buen rato.

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La directora iraní Marjane Satrapi, que abordó cuestiones difíciles sobre la mujer en la singular Persepolis, ofrece ahora un biopic en femenino con alguna singularidad.

La más significativa es que el guion de Jack Thorne (Mejor otro día, Wonder, El jardín secreto) parte del cómic de Lauren Redniss. Se trata de una escritora y artista que elaboró en 2010 una particular visión gráfica y escrita de la historia de Marie y Pierre.

Sin embargo, Thorne organiza el tiempo narrativo en un largo flashback que prioriza varios elementos de la vida de esta mujer: el retrato de su carácter fuerte y poco hábil para las relaciones y complacencias sociales; la fuerza y genialidad de su intenso trabajo, así como los grandes logros obtenidos; y su luctuosa y, luego, agitada vida personal que afectó a la consideración pública de su profesionalidad.

Al mismo tiempo, la película, en su didactismo científico-histórico, introduce algunas expediciones. Por un lado, están las animaciones y gráficos que muestran el valor y dinamismo de los átomos y elementos. Y, por otro, se presentan las futuras aplicaciones (tanto buenas como malas) de los descubrimientos del matrimonio Curie.

Esta mezcla de extravangancia y la anterior convencionalidad narrativa dejan al espectador con una confusa experiencia emocional, donde lo que se valora más es, de nuevo, el repaso a una biografía convulsa pero generosa en resultados para la humanidad.

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