Hacía tiempo que no me aburría tanto en una peli. Osea, SOS.

Veo que tiene el mejor premio de animación en los EFA. No sé. Debe ser que es una peli de animación cuyo público objetivo son lxs niñxs y yo no sé adaptarme a sus lógicas. Ya me pasó con Up o con películas de Miyazaki como el Castillo ambulante...

Lo cierto es que las escenas que abren tienen un contenido existencialista importante. Versan sobre la soledad. Ellas parecen más bien un pórtico hacia una animación de lectura también adulta, pero la película poco a poco avanza hacia la insignificancia. Meras escenas anecdóticas que no tienen mayor sentido que una pequeña comicidad cada vez más tediosa o un supuesto encanto que yo no termino de ver. El duelo ante la separación de los protagonistas se alarga hasta el tedio más absoluto. Así hasta el final -LOL- donde la película huye desenlace facilón y sorprende con una lección sobre el amor. Querer a alguien también significa aprender a dejarle ir.

En resumen, en él se atisba una hondura sobre la soledad en la contemporaneidad y el sentido del amor y las relaciones, marcado tanto en su inicio y en su final, que se evapora en todo el resto del film. Aún con todo, la película exhibe diferentes experimentaciones en la imagen que son muy apreciables e imaginativas. Por ejemplo, juega con los límites del plano en el cambio de escena de la playa hacia las lógicas del Mago de Oz o manipula el espacio en una pantalla partida donde los personajes crean un espacio metafórico unificado de las conjunción de dos espacios físicos diferentes.

“La señorita Julia” es la sexta obra de la filmografía de Liv Ullmann, tras catorce años de asueto. Se trata de una adaptación de la pieza de teatro del mismo nombre, creada por August Strindberg en 1888.
“Miss Julie” es una obra dramática muy compleja en temática: trata el determinismo de las clases sociales, encarnizada en el amorío de sus dos protagonistas, y una lucha de amor, deseo y poder, que también está condicionada por una guerra de sexos.

La directora sueca decide eliminar varios personajes y centrarse en los dos protagonistas Miss Julie (Jessica Chastain), John (Colin Farrell) y Kathleen (Samantha Morton). La supresión de la escena inicial de la obra de Strindberg –una fiesta de los criados en la que Miss Julie seduce a John– creo que perjudica la digestión de la película. El baile inicial es una parte muy agradable, sosegada y placentera que serviría para introducir mejor la historia. Sin embargo, Liv Ullmann prescinde de ella y envuelve la película en un guión estático que redunda en exceso y encasquilla la película en su tramo final (sobra media hora de metraje).

Los diálogos merecen otra vuelta de tuerca; debemos empatizar con los actores Jessica Chastain, Colin Farrell y Samantha Morton. El guión es puro teatro, con abundantes cambios de humor y melodramatismo, a veces exagerado. Estos ingredientes dificultan tremendamente el trabajo de los tres protagonistas, cuyo mayor reto es salvar el papel. A mi modo de ver, meta superada, aunque ninguno de los tres destaca por su brillantez.

El desarrollo de los personajes es el punto más fuerte de la película, así como su ambientación, pero no consiguen maquillar un film irregular y descendente.

NOTA: 5,5.

Adaptación libre de Dalton Trumbo y Stanley Kubrick sobre la historia de Espartaco.
Ciento ochenta y cuatro minutos llenos de aventuras, emoción y gran ritmo narrativo. Se utilizaron pasajes más livianos en los diálogos, para manejar las escenas de batallas, que se caracterizaban por su tensión y emoción elevada. El desarrollo de la trama me parece muy acertado, así como el argumento y posterior desenlace.

Existen tramos, la mayoría, con diálogos muy interesantes; llenos de reflexiones acerca del poder y los valores humanos como el honor, la justicia y el tesón. Sin embargo, en otros tramos, como la escena del combate final, los diálogos son excesivamente melodramáticos. Muy peliculeros, poco creíbles.
Quizás, tener detrás una productora tan grande como Universal Pictures, con único fin lucrativo, obligó a Dalton Trumbo a incluir conversaciones más forzadas al final, buscando la conmoción del público. Por último, en lo que a guión acontece, la gran variedad de personajes, su desarrollo y su profundidad, me parecen muy adecuados. Muy bien dibujados.

En cuánto a la dirección técnica… es impecable. La elección de los planos es extraordinaria y refuerza la historia en todo momento. La dirección de los actores es buena. Brillan Charles Laughton y en menor medida, Peter Ustinov. Los protagonistas principales, Kirk Douglas, Laurence Olivier y Jean Simmons no destacan. En especial esta última realiza una actuación bastante mediocre.
Por tanto, no podemos hablar de pésima actuación general, pero es cierto que Stanley no consiguió direccionar con excelencia, en esta ocasión.

El vestuario, la fotografía, el decorado y la ambientación son notabilísimos.

Espartaco es una película que guarda varios mensajes; los hombres mueren pero sus obras no perecen jamás, es el legado principal que deja esta historia. Un canto a la fraternidad, lealtad, honor y rebeldía, disfrazado de cine épico, que corona en una muy buena película que entretiene y forma, a partes iguales.

Nota: 8,3

Bastien, un adolescente parisino, pasa las vacaciones con su familia en una cabaña junto a un lago de Quebec. Allí se encontrará con Chloé. A pesar de la diferencia de edad y de los miedos de Bastien, desarrollarán un vínculo especial. Bastien tendrá que enfrentarse a sus miedos para conseguir un lugar en el corazón de Chloé, mientras exploran su sexualidad y la inquietante leyenda del fantasma del lago.

Dividiría la película en dos partes: la esotérica (fantástica y fantasiosa) y la mundana. Por supuesto, ambas tienen simbologías comunes que se comunican. Principiamos tratándolas por separado para más comodidad.

En lo que atañe a la esotérica, Charlotte Le Bon añade la leyenda del fantasma del lago a la novela gráfica de Bastian Vives. Recordemos que fantasma proviene del griego "phonein", que significa "brillar", "aparecerse", "mostrarse" y "hacerse visible". Esta significación conecta con la luminosidad que desprenden determinados objetos en la película y que finalmente termina por afectar a Bastien. La razón es muy sencilla: supone la aparición de los miedos en el paso de la niñez a la adolescencia.

Alumbremos ahora, al inicio del film, el movimiento con el que Bastien en el coche de sus padres se pone los cascos de música. Ahí se activa la ambientación de la película en el trailer. Esa ambientación mistérica y terrorífica que inunda el lago de Quebec y de manera resultante también su nueva realidad. Bastian con los cascos se embadurna de esta nueva realidad: el fantasma, algo que brilla, aparece y se muestra visible una vez entra en el ecosistema del lago -sus miedos-.

Como vemos, teóricamente, la ambientación terrorífica está muy fundamentada, pero no funciona de igual manera en la práctica. Quizá la la alternancia entre escenas interiores, exentas de esta ambientación, y las exteriores donde sí lo hacen, desacompasa el dispositivo de terror y termina por desorientar al espectador. Este aspecto queda pendiente de revisar en un tercer visionado porque nuevamente tiene sentido en la teoría - la casa es un espacio de seguridad donde Chloé y Bastien se pueden entrelazar más en la intimidad - y los exteriores los enfrentan a la incertidumbre de los desconocido. Tiene sentido. Como también lo tiene ridiculizar al fantasma -ridiculizar a los miedos para superarlos-, pero no sabemos por qué razón -quizá por su inconstancia- no termina de funcionar. Es como si el cuento de terror funcionara en los exteriores, pero en los interiores se olvidase o aboliese, convirtiéndose en dos películas diferentes.

En cuanto a la parte mundana, es donde surgen todos los hallazgos de la película sin paliativos. Muy llamativo resulta el intercambio de roles: es la chica la mayor dentro de la relación. Se cuestiona el imperativo femenino que cantaba Becky G "a mí me gustan mayores" y Charlotte Le Bon bucea en la amistad como base para desarrollar una confianza sexual y afectiva. Otro lugar común desafiado. Resultan geniales el erotismo y complicidad que se desarrolla en torno al baño o el cabello, donde se ejemplifica que la sexualidad está más en el pequeño gesto cómplice, que en la sexualidad más consumista y explícita.

Por último, muy coherente el final de la película que se cierra en el quiebre. Justo en la escena en la que Bastien presumiblemente tomaría la palabra, asumiría decisiones y con ello daría paso a nuevas responsabilidades. Posiblemente, a otra película diferente y sucesiva.

En definitiva, interesantísimo debut de Charlotte Le Bon que destaca en la construcción intimista de planos/contraplanos y contrapicados que ejemplifican la relación de Bastien y Chloé. Queda por ver si es capaz de atinar con la ambientación en su siguiente cinta porque su poética resulta cuanto menos prometedora.

Christopher Nolan plantea una idea de partida interesante: la vida en la Tierra se termina. Existe un problema de desertización progresiva que afecta a nuestro planeta. En unos años no habrá cultivo. De momento, las infecciones respiratorias, a causa del polvo, se multiplican. Los muertos no tardarán en llegar. Por eso, la NASA envía a un piloto y a una científica a solucionar este entuerto y alumbrar un futuro humano que se apaga. Hasta ahí, todo perfecto.

Observamos Interstellar. A priori, parece el regalo soñado. Una estética notable embriaga tus sentidos. Perdón, ¿he dicho embriaga? Me he equivocado, quería gritar ENGAÑA. Probemos otra vez: abrimos Interstellar y nos damos cuenta que el bonito envoltorio es efectista: no hay nada en el interior. Bueno, eso es lo que quisiera Nolan; la realidad es mucho peor. El regalo que nos encontramos es el único que no queríamos: la mentira. Un guión insostenible preside este film y provoca que sea una de las decepciones más sonadas de los últimos tiempos. Los conectores de la trama se deshilachan con facilidad pasmosa; los diálogos incapaces de imprimir tensión, así como las interpretaciones... –Ningún problema, siempre podremos utilizar fogonazos de música - pensó el director norteamericano. No cuela, majo.
Seguimos desangrando los diálogos: son mentirosos. Christopher intenta vendernos una profundidad discursiva comprada en el Primark. Fracasa. Resulta muy, muy forzada y brusca. La mayoría de las conversaciones buscan el efecto o un melodrama exagerado; -Es un chute de cine comercial, no os asustéis, amigos- reflexiona Nolan con gran maestría.

Las actuaciones, antes nombradas de puntillas, son muy mejorables. Se salva Matthew McConaughey. Anne Hathaway ni siquiera aprueba, su inexpresividad la delata.

Película con notable estética que naufraga en la gran ola de la mediocridad. Lo mejor de todo es que, tras las pestes vertidas, no me aburrí en las casi tres horas de metraje. Al menos tiene buen ritmo. Menos es nada.

NOTA: 5,5