Una de las sorpresas más gratificantes dentro de un año sinceramente emocionante en el cine español. Eso es Loreak, una película dirigida por José María Goenaga y Jon Garaño, distribuida felizmente en Euskera (el idioma en que fue rodada y pensada) y que ha cosechado alabanzas allí por donde ha pasado.

Loreak cuanta la historia de tres mujeres unidas por algo tan, en apariencia inofensivo, como las flores. La primera es una mujer casada que recibe semanalmente un ramo de flores de un remitente anónimo. Las dos restantes entrarán en contacto con la primera también por un misterio floral, una persona desconocida deja todas las semanas un bello ramo en el trágico lugar del fallecimiento de un ser querido.

La película se podría definir como un discurso sobre las emociones y su contención, sobre los sentimientos y la curiosa forma de relacionarse con las personas. Todo ello en medio de una historia, a priori simple y corriente, aderezada con grandes toques de thriller emocional que convierten a la película, además de en algo muy estimulante, en un producto francamente entretenido para todo público.

A través de esta trama, de un suceso probablemente cotidiano, la película examina a sus personajes y juega con el misterio y la imaginación del espectador de forma tan estimulante y alimenticia como también consigue Carlos Vermut en su Magical Girl, aunque está vez de forma menos turbia.

La película vasca, además de ser original y entretenida, está perfectamente interpretada y goza de una gran belleza destacando tanto la dirección artística como fotográfica. Hechos técnicos que dan valor a un cine nacional de bajo presupuesto que ya no se excusa en la producción para justificar la cutrez, tan típica durante muchos años, del cine independiente nacional.

Por supuesto, no es perfecta. Su banda sonora, a pesar de ser muy atractiva, es utilizada a veces de forma desmedida y podría ser acusada de, en exceso, manipuladora. También se podría decir que en algunos momentos el ritmo es irregular y, a veces, el tono parece desubicarse entre hermetismo sentimental y melodrama pero siempre se mantiene disfrutable.

Loreak merece ser vista y escuchada (en Euskera), merece ser disfrutada y valorada, esperemos que los Goya, premios de ínfimo prestigio pero de gran repercusión social sirvan a la causa.

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La película, situada en un futuro no muy lejano, narra la historia de Hiro, un superdotado que al verse envuelto en una trama criminal querrá trasformar al robot de atención médica de su hermano y sus amigos en superhéroes capaces de enfrentarse al enemigo.

Situándonos siempre en el terreno de una película infantil, Disney vuelve a demostrar la grandeza de su nombre, haciendo gala de su recientemente adquirida modernidad junto con sus habilidades clásicas. Una historia que pone de manifiesto valores como la amistad, la unión y la superación personal en una historia divertida y, gracias al comic de la Marvel, con más acción y chispa de lo acostumbrado en los relatos del Disney clásico.

La película, además, nos presenta un personaje, el del robot de atención médica Baymax, un androide mullido, gigantón, bondadoso y achuchable, que llena de ternura y diversión todas las escenas de la película.

Además del acierto con los personajes y el divertido ritmo de la película, el apartado técnico de la animación también es sobresaliente. Cierto es que no se puede esperar menos de un nombre como Disney, pero la perfección del movimiento, la belleza de los colores, las texturas y la fluidez de todas las acciones no son sino la principal razón por la que la película resulta tan atractiva, fresca y brillante para todas las edades.

Si tienen un hijo, un sobrino o un hermano pequeño, ya saben, utilícenlo como excusa para a ver Big Hero 6.

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The Imtation Game, de Morten Tyldum es un biopic merecidísimamente dedicado al matemático Alan Turing. Posiblemente, el mayor héroe del siglo XX tanto por sus méritos como por su silencio, ya que su historia fue un secreto hasta hace poco más de una década.

La película, con 8 nominaciones a los Oscars, se trata de un biopic correcto, de ritmo regular, muy poco arriesgado y nada original, que confía todo su valor a dos cosas. La primera es contar una de las historias reales más apasionantes que quedaban por contar. La otra es la de contar, como es habitual en las películas inglesas, con un notable reparto. Dentro de este apartado destaca, superando, como era de esperar, a la propia película que lo contiene, la interpretación de un Benedict Cumberbatch en estado de gracia dando vida a la complicada mente del matemático ingles.

Además de mostrar una fuerte candidatura a Mejor actor, la película, al servicio del lucimiento de su protagonista, nos regala ciertas lecciones sobre la diferencia personal, la imaginación, el arte o el esfuerzo que, aunque predecibles, merece la pena escuchar. No tan simples y más interesantes son las partes en las que la película de Tyldum trata el tema de los secretos y como es vivir con ellos. En una película dedicada a un hombre que intenta resolver el enigma más importante de su tiempo, resulta muy interesante y revelador que ese mismo hombre haya de ir guardando cada vez más secretos en su vida, como si cada verdad acarrearse dos mentiras.

The imitation game es una película correcta que no merece especialmente la pena debido a su forma excesivamente convencional pero que, además de un disfrutable entretenimiento, conforma un notable alegato en forma de reivindicación a un hombre que no mereció el trato, fruto de la ignorancia, que su país y el mundo le dio.

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Como todos los años llega el momento de hacer la crítica a la película ineludible para todo aficionado al cine que se precie, la ganadora de la última Palma de Oro en el Festival de Cannes. Este año le ha tocado el turno a Sueño de invierno (Winter Sleep), de Nuri bilge Ceylan, un director de dilatada trayectoria en el festival al que solo le faltaba ganar el gran premio. Como ejemplo de su obra anterior podemos citar su anterior largometraje, Érase una vez en Anatolia, que ganó el Gran Premio del Jurado en el prestigioso Festival francés.

La película del realizador turco narra la historia de un triangulo de personajes compuesto por el dueño de un hotel en Anatolia, su joven mujer y la hermana de éste. Dentro de ese hotel, casi vacío por el frío en la estepa turca, la trama se desarrolla mediante un cúmulo de larguísimas conversaciones que exponen la humanidad de los personajes al público en pequeñas y continuas dosis, como la nieve que no para de cubrir el desolado paisaje.

La utilidad en la vida, la soledad, el cinismo, el amor o la compasión quedarán desmenuzados en esta inteligentísimo film, bellamente fotografiado y claro deudor del mundo de Ingmar Bergman, para crear un escaparate de los recovecos ocultos del ser humano en la vida corriente.

Lamentablemente, sus 195 minutos de duración, sus larguísimas escenas y sus extenuantes conversaciones lastran a un film interesante pero difícil, y de ritmo muy lento, que tendrá efectos somníferos para gran parte del público.

En definitiva, un film que confirma internacionalmente a uno de los directores más reconocidos del panorama internacional en el que merece la pena adentrase, eso sí, solo si se tiene tiempo, predisposición hacia este tipo de cine y muchas ganas.

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Ganadora del Premio Especial del Jurado en la sección "Un Certain Regard" de pasado Festival de Cannes, La sal de la tierra de Wim Wenders es, junto con La imagen perdida, el mejor documental del pasado año.

La película es una impresionante oda visual, a modo de homenaje al fotógrafo Sebastião Salgado. El artista brasileño repasa sus fotografías demostrando una impresionante representación de la humanidad y una gran conciencia sobre el mundo.

El veterano realizar alemán, Wim Wenders, intercala grabaciones de Salgado trabajando, testimonios suyos a modo de busto parlante y sus impresionantes fotografías, siempre en blanco y negro, para regalar un espectacular documental lleno de verdad y humanidad por parte de un ser humano sabio y con una vida increíble, que ha visto de todo y lo ha capturado con la cámara.

Salgado, retratista de personas, especializado en catástrofes y grandes movimientos de población, un día no pudo más, perdió la fe en el mundo y volvió a Brasil con el corazón vacío de retratar durante décadas la crueldad del mundo. Después de diez años de reflexión, el fotógrafo solo pudo volver a retratar la naturaleza, cambiando totalmente de registro.

Sin duda, una enseñanza de vida, pura y verdadera, de un ser humano que demuestra que en el arte el sentimiento está muy por encima de la técnica. Salgado y Wenders nos regalan esta joya documental cuyas imágenes asombran al verse y asustan tanto como asustaban a su autor cuando las tomaba.

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