Segundo largometraje del realizador neoyorquino Darren Aronofsky (Brooklyn, NY, 1969) (“Cisne negro”, 2010). Adapta la novela “Réquiem for a Dream” (1978), de Hubert Selby (1928-2004), según guión escrito por el mismo Selby y por Aronofsky. Se rueda en escenarios reales de Coney Island (Brooklyn) y en estudio, con un presupuesto estimado (IMDb) de solo 4,5 millones de USD. Obtiene sendas nominaciones a los Oscar (actriz) y Globos de oro (actriz). Nominado a 5 Independent Spirit Awards, gana 2 (fotografía y actriz). Producido por Eric Watson y Palmer West, se proyecta por primera vez en público el 14-V-2000 en el Festival de Cannes (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Coney Island (Brooklyn y camino de Florida, en un momento pretendidamente indeterminado, a lo largo de unos dos años. La acción se centra en cuatro personajes principales: Sara Goldfarb (Burstyn), que hace el papel de madre, el hijo Harry Goldfarb (Leto), su pareja Marion Silver (Connelly) y su amigo de siempre Tyron C. Love (Wayans). El personaje de la madre, viuda, solitaria, atormentada y adicta a la TV, es el que se presenta mejor trabajado. Marion es una chica de familia acomodada, retraída, indolente e inadaptada, que se deja llevar. Harry carece de formación y de oficio, es ambicioso e idealista y arrastra un gravoso pasado de carencias afectivas. Tyron, afroamericano, acostumbrado a encontrar apoyo y cariño en los brazos protectores de la madre, carece de habilidades para abrirse camino en la vida y se siente cómodo a la sombra del liderazgo de Harry. La interpretación de Ellen Burstyn es magnífica y constituye uno de los grandes valores del film. Los otros tres protagonistas entregan trabajos meritorios y dignos.

El guión es sencillo y asequible. Narra una historia más bien conocida, que divide en dos líneas argumentales, que avanzan en paralelo y se potencian mutuamente mediante contrastes, contraposiciones y suma de efectos complementarios. La narración es intensa, cruda, rotunda y perturbadora. Contiene pasajes sobrecogedores, dispuestos en un crescendo que en la última parte del film alcanza una intensidad y fuerza demoledoras. La descripción del descenso al infierno de la droga, la autodestrucción y la desesperación, compone un cuadro terrible y escalofriante.

El relato se construye desde el punto de vista subjetivo de los personajes, dejando de lado estudios objetivos y análisis empíricos. Lo que interesa al autor es la experiencia subjetiva del consumo de drogas en situaciones avanzadas de descontrol. Expone con trazos amargos la escasa, nula o negativa, capacidad de respuesta del sistema sanitario ante enfermos drogodependientes. Lo ilustra con el uso del electroshock, abandonado en los años 70. Añade referencias a las relaciones entre consumo abusivo de drogas, sexo, exhibicionismo y prostitución. La cinta incorpora numerosas citas cinéfilas y guiños de simpatía que el realizador dedica a Kubrick, Coppola, Dany Boyle, Spike Lee y otros.

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