El calificativo “interesante”, para el caso, expresa algo más específico que una posición de “media tabla” en la nota del film.
Efectivamente, a esta película resulta difícil calificarla, pues por varias razones deberíamos decir que es francamente mala. Empezando por la actuación de casi todos los protagonistas, con la honrosa excepción de Juan Carlos Altavista. Los diálogos son increíblemente directos en el mal sentido del término y la edición resulta grosera y narrativamente redundante.
Sin embargo; el espíritu provocativo del film es, precisamente, “interesante”. La provocación no sólo tiene que ver con la arrolladora sexualidad de Isabel Sarli, sino con una búsqueda de reivindicaciones sociales y de clase, que sin dejar de ser ingenuas, resultan extrañas en el cine por su sinceridad y llanura, reivindicaciones que hasta pasan por una rústica mirada a la condición de género.
Y todo esto en medio de una paradoja, pues no sería descabellado decir que la amplísima mayoría de los espectadores que “Carne” pudo tener fueron atraídos por muchas de las cosas que la película critica, principalmente el “sexismo”. Tampoco sería descabellado añadir que esos espectadores encontraron lo que buscaban sin necesidad de pensar demasiado en otras implicancias que la película pudiera tener.
Pero lo curioso es que Bo me logra “convencer” de que no fue hipócrita y que “Carne” tiene una búsqueda nada habitual, por la forma en que se aborda, que resulta, lo repito: interesante. Creo que esta mirada es posible y vale la pena.

Se ha dicho muchas veces, incluso lo afirma el propio Caetano, que “Un oso rojo” es un western. Esto resulta un poco extraño en principio, pero por muchas razones es una descripción acertada.
El héroe tiene la marca. Un pasado turbio y un presente del que no puede escapar aunque quiera, precisamente condicionado por su trajín de delincuencia.
Su postura antisistémica es ya avanzada, amargamente encuentra que “hacer el bien” no necesariamente es atenerse a las leyes. Pese a este descubrimiento, no se siente aún más allá del bien y del mal, en todo caso entiende que debe pagar sus deudas. El devenir lo va a posicionar donde no hubiera querido, pero donde “debe” hacerlo.
Entiendo que esta descripción del personaje principal, “El Oso” (Julio Chávez), coincide con la que una y otra vez encontramos en los westerns. Al igual que en este género, en “Un oso rojo” lo bárbaro del entorno impone al protagonista un cierto destino, pero la diferencia entre un ejemplo prototípico de western y el film de Caetano es el origen de la barbarie. Mientras en el primer caso ésta deviene de la civilización que aún no llega, de las leyes aún no escritas, en “Un oso rojo” es producto de la decadencia y la impunidad, es producto de que la civilización ya hizo su trabajo. Esto inevitablemente da un toque de crítica social a la película; pues el ambiente en que se desarrolla es bastante “realista”, más allá de que la anécdota pueda necesitar de su sentido artístico para ser verosímil (lográndolo totalmente).
La narración está sublimada, puesta a la altura de un fin en si mismo. La música es excelente, no por que pueda ser del agrado del espectador medio del film, sino por su adaptación al entorno, acompañando conceptual y rítmicamente la edición.
Muy buen producto de un cine latinoamericano que avanza en la construcción de una mirada propia y crítica de la sociedad en que se enmarca, pero abandonando la sobrecarga de “realismo mágico” de otras etapas, muy válida y hasta necesaria en su momento, pero que se ciñe como una sombra sobre las expresiones artísticas de esta parte del mundo.

El film tiene algunas peculiaridades iniciales que es preciso aclarar: se trata de la remake de una película que la precede en menos de cinco años y una de las protagonistas “repite” el papel. Además, Alejandro Amenábar, director de “Abre los ojos” (la obra original) dio el visto bueno y colaboró con “Vanilla sky” muy estrechamente.
Estos datos deben ser tomados en cuenta especialmente, pues aportan a la obra estadounidense una mirada particular. No podemos decir que estamos ante una remake como hay muchas, los puntos de contacto nos hablan de la intención explícita de traducir, más que copiar, una obra europea e independiente al lenguaje comercial. ¿Esto era “necesario”? Pues no... pero no se trata de necesidades.
Visto desde el otro lado del mostrador, como decimos por acá, “Vanilla sky” significa una importante ganancia. Tiene la virtud de ser bastante fiel a la obra referencial, por lo que hace llegar al gran público un tema interesante y una original forma de abordarlo. Crowe es un director interesante, con una actitud muy pop, que para el caso se nota en cierto apaciguamiento del tono general de la obra, más oscura en el original. Pienso que fue adecuado como traductor.
Las actuaciones son de nivel medio, bastante acordes a lo que se podía esperar, aunque a mi entender Jason Lee realiza una interpretación algo superior a la de sus compañeros de elenco, más allá de que su papel sea secundario.
En definitiva, “Vanilla Sky” es un buen producto comercial de un director más que competente para ese ámbito, en el que ha sabido imponer cierta marca, muy vinculada a la mirada pop (“Casi famosos” es paradigmática en ese sentido).

El hecho de ser una serie de televisión aumenta la idea de que “Tumberos” es “excelente”. Es que esta obra lucha con dignidad inusitada, por su lugar de exhibición, contra la decadencia de la televisión y su búsqueda de resolver la ecuación precio-calidad desatendiendo su segundo componente para achicar por el primero.
La serie cuenta la historia de Ulises Parodi, abogado condenado injustamente a prisión. Una vez preso el protagonista, la obra se centra en la descripción de la vida carcelaria y desarrolla su anécdota principalmente en este mundo. La potencia narrativa de Caetano logra superar la simple descripción, la llana denuncia, para, por momentos, convertir la historia en una alegoría. A la vez, en el exterior también se desarrolla la investigación y la búsqueda de la verdad sobre el crimen del que se acusa a Parodi, la que tiene conexiones con jerarcas políticos.
En su devenir, la serie empieza a abandonar a su suerte a los protagonistas, que poco a poco se van dando cuenta de que forjar otro destino poco tiene que ver con la aceptación de las instituciones, representadas todas por la cárcel. La narración deja de anticipar en base al conocimiento más o menos cultural que tenemos de la realidad que describe y sube al escalón de narrar en base a lo que la serie ya nos aportó. Es decir: los personajes están a la altura de hacer creíble su avatar más allá del parecido que puedan tener con personajes “reales”.
La música acompaña muy lúdicamente la historia, que se permite momentos cómicos, tiernos o incluso “lindos”, más allá del tono recio en que se enmarca.
Las actuaciones son, en general, muy buenas, sobre todo la de los actores que representan personajes secundarios.
Encontrarse con “Tumberos” mirando la tele brinda un poco de esperanza en cuanto al arte y algo de desazón en cuanto a la vida.

Los ochenta se han empezado a revalorizar estéticamente. Una revalorización es simplemente “retro” y otra, quizá a partir de la primera, busca ciertas claves para comprender el período histórico. Dentro de esa compleja trama de cosas que nos permiten valorar una época, el cine brinda su aporte sustancial.
En ese marco “Colors” resulta un muy buen ejemplo de cine representativo y dirige la mirada al contexto en que se inscribe dentro en la Historia del Arte. Así, la música, el lenguaje y la fotografía son típicamente de su época, en la que el cine de Hollywood vivió una apertura a veces difícil de sopesar.
El lenguaje cinematográfico se volvió, bastante a menudo, hacia temas no tan tratados por el gran cine (más allá de los ejemplos que seguramente a cada uno se le pueden ocurrir, lo digo como movimiento) y en busca de un tratamiento más frontal, que se acompaña desde la fotografía, claramente más “lavada” que antes y que después, pero sin renunciar a la ficción. Esto último a veces atenta contra la verosimilitud y representa, en el nivel cinematográfico, eso que en los comerciales se usa para reírse de “los ochenta” y se simboliza en un cerquillo algo ondeado y “parado” del corte de las mujeres.
“Colors” acompaña el movimiento y su importancia se da en el marco general, casi desde una perspectiva “arqueológica”. Creo que el interés del film está casi restringido a este encuadre (donde resulta muy interesante) y dificulta su valoración atemporal. Allí tendríamos que decir que a veces es poco hilvanado o se detiene mucho en detalles que no aportan ni a su mirada social ni a la trama. Las actuaciones son correctas pero a veces sufren de excesos histriónicos, que parecen venir del propio Hopper, en busca de un toque de extrañamiento no siempre a tono con lo que venimos viendo (en este sentido, el personaje de Mª Conchita Alonso es paradigmático). Todas estas cosas, a mi entender, en los ochenta están más permitidas, pues el tono general del cine hollywoodense vivió un cierto vuelco experimental (naturalmente que dentro de los parámetros que la producción comercial está dispuesta a soportar).