Molly (T. Thompson), tras dos décadas intentando encontrar la agencia después de que no eliminasen su memoria de un incidente en el que estuvo en contacto con una raza extraterrestre, consigue colarse en las base central, y finalmente es reclutada por sus habilidades. A partir de ahí, su historia se entrelaza con la del agente H (Hemswoth), un miembro de los Hombres de negro que es conocido por salvar el planeta, aunque es muy arrogante, e incluso incompetente en sus trabajos. Los dos se ven involucrados en una trama que revela que podría haber un topo dentro de la agencia, y que les lleva a viajar por distintos lugares del globo. Más que nada creo que esto es una manera elaborada de poder añadirle un subtítulo a "MIB" y continuar la saga.

F. Gary Gray hace un trabajo decente, pero el guión deja mucho que desear en cuanto a originalidad por lo que el resultado final es poco destacable. Los personajes son más remarcables en su apariencia que en su personalidad, por lo que el atractivo es superficial. Resulta llamativo por ejemplo ver a Rebecca Ferguson con un aspecto tan extraño, alejado de los de sus papeles habituales. El final tampoco es lo suficientemente explosivo o imaginativo como para diferenciarse dentro de la masa indefinida de confrontaciones finales que habita la memoria del público moderno. Como era de esperar se el final se deja abierto a posibles secuelas, con un cambio en la situación profesional de ambos protagonista. Todo dependerá de la recaudación que se consiga, que por ahora no es demasiado buena, teniendo en consideración el presupuesto que sobrepasa los 100 millones de dólares.

La nota que le he decidido asignar incluso a mí me da la impresión al verla de ser excesiva, pero la película no tiene mucho que se le pueda reprochar realmente, a parte de los momentos de humor que no funcionan y la poca originalidad. Por ello, a pesar de ser correcta resulta bastante olvidable, sin importar la calidad general que pueda tener.

Debe ser extremadamente vigorizante ser el artifice de una estafa semejante. De otro modo, no entiendo como un artista podría tener la poca vergüenza de dar lugar a una broma tan falta de gracia como La montaña sagrada. Para los que les interese sentirse igualmente estimulados hay una fórmula que se puede seguir para alcanzar su objetivo: ser lo más extraño e innovador posible, esto es lo más importante, aunque no haya ningún sentido detrás ni se busque un mínimo de calidad, eso es algo que se puede omitir; meter simbolismo a través del uso frecuente de diversos animales, cuanto más exóticos mejor, y de imágenes religiosas; hacer referencia a obras del arte clásico y si se puede, crear algún paralelismo con aspectos de la mitología grecorromana. Con todos esos ingredientes, uno puede asegurarse una lluvia de elogios por parte de la crítica especializada en este tipo de cine. ¿Y cómo no van a hacerlo? Nadie quiere ser el único lerdo incapaz de entender y apreciar una obra de semejante calidad artística. No hay que preocuparse por los elementos inconexos porque serán los mismos críticos los que se encarguen de relacionarnos hasta llegar a la conclusión de que el creador posee un talento desmesurado.

Jodorowsky hace un uso asqueroso de los animales, empleándolos con frecuencia a lo largo de la película para el más absurdo de los propósitos. Es fácil saber cómo de civilizada es una persona según su comportamiento hacia los animales, y La montaña sagrada nos dice todo lo que debemos saber sobre su creador. La escena con las ranas y los camaleones es moralmente repulsiva. No es que la idea en sí fuese mala (pienso que era una manera interesante de representar y criticar el colonialismo), pero la brutalidad hacia los animales le quita toda calidad artística que hubiese podido tener la secuencia si se hubiese hecho de otro modo. La crueldad real, aquella que va más allá de una falsa recreación, me parece injustificable, por mucho que se lleve a cabo en el nombre del arte, y da igual si la película es basura pedante o Casablanca.

No son solo animales, los que el director usa para su divertimento particular; tampoco tiene ningún reparo en humillar a mujeres, minusválidos u obesos. Todo el mundo es carne de cañón para el anfetamínico mundo en el que se deleita, como un niño dictador al que le gusta tener control de todo y todos. Sinceramente, no entiendo como tantas personas pudieron acceder a ser humilladas así, porque si a la películas tiene algo que no le falte son extras. Tantas personas participaron en el proyecto que al verlo pensé que tuvo que desarrollarse en una realidad paralela. Las circunstancias de su creación me interesan más que la obra en sí, lo cual no habla demasiado bien de su capacidad de retener el interés del espectador.

Al llegar a la parte de la presentación de las personificaciones de los planetas del Sistema Solar, se vuelve a vislumbrar en la distancia algo que se asemeja a la calidad, pero de nuevo Jodorowsky decide optar por el camino poco decoroso de las bromas de instituto de excrementos y genitales, dando rienda suelta a su Pier Paolo interno. Hacer constantemente chistes sexuales parece ser el método elegido para intentar alcanzar el estatus de creador transgresor. Adicionalmente, se emplea un extraño doblaje, que a ratos hace que parezca un montaje de YouTube. Las peculiares voces y ruidos que se usan no resultan ni interesantes ni graciosas, y realmente no entiendo lo que se buscaba con ello o como pudo parecer una buena idea.

El propio Jodorowski aparece como actor en una parte considerable de la película, como una especie de brujo/maestro espiritual que entrena a los otros personajes, una vez que la obra se convierte en una versión de los Power Rangers, en la que el creador es un vagabundo esquizofrénico adicto al opio.
(...)

Corte por falta de espacio. Ver blog para la crítica completa.

La historia sigue a Charlotte (Allison Williams), una chica que fue una niña prodigio de la música, que tuvo que abandonar sus prácticas de violonchelo en una prestigiosa escuela de música para cuidar de su madre enferma. Años más tarde es invitada a Shanghai por motivo de un concurso de talentos. Ahí conoce a una de las nuevas promesas de la escuela, Lizzie (Logan Browning).

Al principio, la trama te engancha por la misteriosidad que rodea la situación de la protagonista, y las futuras tensiones que se pueden vislumbrar, y cuando parece que la trama va a tomar un camino apocalíptico uno no puede evitar sentir interés por donde puede discurrir la película. La manera en la que se engaña al espectador es bastante inteligente, siguiendo algunas pautas clave de las películas de catástrofes o epidemias, hasta el primer giro en el que se le da la vuelta a la historia. A pesar de que este primer punto de inflexión funciona bastante bien, uno de los problemas de la película es precisamente que se intentan meter demasiados giros, y especialmente al final parece que se intenta despistar al espectador por el mero hecho de hacer algo imprevisible. A parte de esto, hay demasiados detalles ilógicos, como en el comportamiento de los personajes. Se revela que, como otros alumnos de la escuela de música, las dos protagonistas fueron abusadas sexualmente por Anton, el director de la institución, interpretado por Steven Weber. Charlotte intenta salvar a Lizzie de la vida que le espera bajo las presiones del mundo de la música y los abusos de la escuela, cortándole la mano, o más bien haciendo que se la corte ella misma. Para ello Charlotte la droga, produciéndole halucinaciones, como los insectos que cree que le salen del brazo y que llevan a que se acabe cortando la mano. Todo este planteamiento es ridículo. Si lo que quería es salvarla de una mala vida, seguramente habría mejores maneras de hacerlo que cortándole la mano. La propia Lizzie le dice a Charlotte en un momento de la película que hizo falta que la mutilase para darse cuenta de los males de la escuela, pero la verdad es que eso suena más a algo que han incluido los guionistas para justificarse a ellos mismos algo tan ilógico. A parte de este, hay varios otros momentos que le quitan a la película la verosimilitud inicial. En definitiva, el cambio de tono de thriller psicológico a un final que se parece a una especie de slasher o película de serie B resulta algo decepcionante después de un comienzo tan sólido.

En cuanto a las actuaciones, en general están bastante bien. Allison Williams tiene algunos momentos puntuales que parecen un poco forzados, pero luego averiguamos que todo esto forma parte del gran engaño a Lizzie y los espectadores. En el tramo final Williams nos deleita con una poderosa actuación que destaca sobre el resto.

El final en sí es... Inesperado supongo. Hay un nivel de violencia y tantos cambios argumentales radicales que da la impresión de estar viendo una película completamente distinta. Parece que va a haber un final más o menos satisfactorio en cuanto a que las protagonistas van a conseguir la venganza contra el despiadado Anton, y por un momento parece que ha muerto. Entonces llega un plano tan perturbador que a mi sinceramente me pareció excesivo. Es sadismo puro, y resulta demasiado por muchas atrocidades que hubiese cometido. También hace que finalmente se pueda empatizar con las protagonistas porque lo que acaban de hacer es mucho peor que cualquier cosa que se haya mostrado o sugerido hasta ese momento. Además, supone la mayor divergencia de lo que habíamos visto durante toda la película. Hasta el final no parecía el tipo de película que se regocijase de tal manera en la ultraviolencia, aunque hubiese ciertos indicios de una intencionalidad más siniestra.

En general, es una película interesante, pero hay demasiadas inconsistencias que impiden que en mi mente quede como algo más memorable.

Dennis Hopper ha demostrado a lo largo de su carrera que es complemente capaz de interpretar toda una serie de personajes inquietantes y complejos. Su presencia en Blue Velvet fue uno de los factores que la convirtieron en una película fascinante, y en El amigo americano esto se vuelve a repetir. Tom Ripley es un personaje extremadamente atormentado, algo que Hopper captura a la perfección. Su dolor interno se manifiesta en varias escenas en las que el espectador puede vislumbrar, por un breve instante, cuál es la causa de su tormento. Quiere conocer, pero no puede. No es capaz de comprender el mundo que le rodea, las causas de todo. Es una falta de comprensión que llevan a uno a recorrer el mundo como un alma perdida, en una fútil búsqueda de sentido. Un cowboy anda suelto en Hamburgo, recorriendo los bajos fondos como un espectro a medio camino entre la vida y la muerte.

En contrapunto a Ripley, tenemos a Bruno Ganz como Zimmermann, un hombre de carácter tranquilo, cuya vida desciende en la inquietud al recibir noticias de que su enfermedad ha empeorado de manera drástica, a pesar de las afirmaciones de su médico, el cual le asegura que su salud no ha cambiado. A partir de ese momento Zimmermann entra en una especie de juego en el que nunca sabe con certeza qué información es verdad y cuál no. El espectador se encontrará en la misma situación de desconocimiento hasta el final de la película, lo que intensifica la atmósfera de misterio. Esto se relaciona con la experiencia de Ripley, una difícil búsqueda de sentido, en la que muchas veces la mejor alternativa es dar un paso atrás y contemplarlo todo desde la perspectiva más simple.

Hay dos escenas en las que Zimmermann deberá realizar un asesinato, a cambio de unos mejores análisis médicos, esta vez por parte de costosos especialistas que de otro modo no hubiese podido contratar. Las secuencias están rodadas magistralmente. La tensión estremece, haciendo que uno sienta ser el que esta realizando el encargo en vez de Zimmerman. Las situaciones y las atmósferas son enfermizas, como lo son muchos de los personajes que van apareciendo, pero uno no puede apartar los ojos ni por un segundo. En el segundo encargo, Ripley acaba viniendo al rescate de su amigo, por falta de una palabra mejor que describa la peculiar relación entre los dos personajes principales. Es en esta última parte de la cinta en la que Ripley cobra más importancia, ya que hasta ese momento su papel en la historia había sido poca mayor que el de un personaje creado meramente para el avance la trama.

La banda sonora es otro aspecto a destacar. Jürgen Knieper hace un trabajo excelente ambientando la obra con una piezas musicales, que mezclan el estilo de composiciones propias de películas de intriga clásicas con instrumentaciones de cuerda más modernas reminiscentes de artistas como Jeff Buckley (el tema más recurrente de la película me recuerda en particular al tema 'Grace'). Adicionalmente, aparecen canciones de artistas populares como The Kinks o Bob Dylan, de nuevo contribuyendo a la peculiar mezcla de registros por los que consigue pasar la película.

En resumidas cuentas, El amigo americano es una obra mayor de Wenders, que mezcla de manera inusual el estilo americano con el europeo, el clásico con el moderno, el artístico con el comercial. Por tanto, no será del gusto de todos los espectadores, pero lo que es seguro es que no dejará indiferente a nadie.

En esta versión de la clásica historia se da más importancia a los personajes que rodean a Dumbo, apostando por una versión en la que no hay animales parlantes, y la mayor carga narrativa recae sobre la familia Farrier (liderada por el veterano de guerra interpretado por Colin Farrell), que son solo algunos de los múltiple integrantes del circo Medici. Uno de los aspectos que me crea alguna duda es la existencia de dos hermanos en la familia Farrier, ya que el papel más importante lo desempeña la hermana, siendo el papel de su hermano menor algo redundante. Dumbo en sí tiene un papel importante dentro de la narración, como no podría ser de otro modo, pero principalmente avanza las historias personales de la familia, y solo parece tomar las riendas de su propia historia en el último tercio de la película. La historia entre Dumbo y su madre es una que solamente fracasará en llegar a personas sin alma.

El guión, sin llegar en ningún momento a resultar genial, tampoco peca de grandes fallos, ofreciendo una historia entretenida con personajes interesantes y varios guiños a la película original, como la mítica escena de las pompas con forma de elefantes (esta vez sin borrachera).

Realmente, el único aspecto que puedo criticar el excesivo aspecto digital de las imágenes. Obviamente no esperaba ver auténticos elefantes voladores; a lo que me refiero es a algunos elementos del decorado, como el tren y la estación en el montaje inicial o al campamento del circo Medici, cuya estética tan artificial me hacía echar en falta construcciones auténticas.

Por otro parte, esta versión tiene un mensaje importante relacionado al trato y la existencia de animales en los circos. La película acaba con la decisión por parte del circo Medici de que ya no tendrán animales cautivos, y que todos ellos deberían estar en libertad, como muestra la secuencia de Dumbo junto a su madre en una especie de santuario natural para elefantes. Esto es algo que me pilló desprevenido, ya que no esperaba encontrar un mensaje reivindicativo en una película de este tipo, pero fue una grata sorpresa que con suerte habrá calado en algunos de los espectadores más jóvenes. Alegra ver que Disney puede ser algo más que una máquina de hacer dinero.

Aún sin llegar a igualar la calidad de la versión de 1941, esta es una digna versión de la historia de Baby Jumbo, y probablemente guste a los aficionados de la película original.