Tomates verdes fritos (1991), dirigida por Jon Avnet, es una joya cinematográfica que se destaca por su encanto atemporal, su profunda humanidad y una realización que roza la perfección. La fotografía de Geoffrey Simpson es, sin duda, uno de los puntos más altos de la película. Simpson utiliza una paleta visual cálida y envolvente que transporta al espectador directamente a los años 30 del sur de Estados Unidos, con paisajes bucólicos y un diseño de luces que acompaña las emociones de la trama. Cada plano parece impregnado de nostalgia y vida.

El apartado musical, a cargo de Thomas Newman, enriquece enormemente la experiencia emocional. Su composición es sutil pero poderosa, reforzando cada momento clave con melodías que capturan a la perfección tanto la ternura como los conflictos presentes en la historia. Es un ejemplo de cómo una banda sonora puede convertirse en un personaje más de la narrativa.

El reparto, liderado por Kathy Bates, Jessica Tandy, Mary Stuart Masterson y Mary-Louise Parker, es un espectáculo en sí mismo. Cada actor brilla con interpretaciones matizadas y sinceras que dan vida a personajes inolvidables. En especial, la relación entre Idgie y Ruth, aunque tratada con sensibilidad en la película, es menos explícita que en la novela de Fannie Flagg. Este vínculo, cargado de complicidad y amor, ofrece una ventana hacia un tipo de relación que desafiaba las convenciones sociales de la época. En el libro, dicha relación es más explícita, lo que resalta aún más la valentía de su conexión en un entorno de prejuicios y represión.

El racismo sureño, otro tema crucial, está abordado con una mirada crítica, mostrando las tensiones raciales y la brutalidad de la segregación de aquel entonces. Este telón de fondo añade capas de complejidad a la narrativa, confrontando al espectador con las injusticias sistemáticas de la época.

El vestuario, diseñado con exquisito detalle, merece una mención aparte. Ruth, especialmente al principio de sus apariciones, luce atuendos que no solo son magníficos y románticos, sino que también reflejan su fragilidad y su fortaleza interna. Cada prenda parece cuidadosamente seleccionada para acentuar el carácter de los personajes y el entorno temporal.

En definitiva, *Tomates verdes fritos* es un ejemplo de una era dorada del cine, cuando las historias se contaban con corazón y oficio. Ya no se hacen películas como esta, que combinan de manera tan impecable una narrativa conmovedora, un diseño visual impresionante y un mensaje social poderoso. Es una obra para revisitar, disfrutar y reflexionar, una y otra vez.

La he visto como 10 veces y no me canso de verla. Pertenece a esas obras que tienen esa magia atemporal que, incluso conociendo cada diálogo y escena, siguen emocionándonos o haciéndonos reír como si fuera la primera vez. Billy Wilder tenía una habilidad única para crear historias que conectan profundamente con la audiencia, y La tentación vive arriba definitivamente tiene ese encanto irresistible.

La interpretación de Marilyn Monroe fue fundamental para consolidarla como una de las figuras más legendarias del cine. La famosa escena sobre la rejilla del metro no solo es un símbolo cultural, sino también un momento cinematográfico legendario que ha trascendido generaciones. La interpretación de Marilyn Monroe es una de las más emblemáticas de su carrera. Su actuación capturó un balance único entre inocencia y seducción, lo que la convirtió no solo en el símbolo de deseo que la película retrata, sino también en una figura llena de encanto y humor.

Marilyn logró dotar a su personaje, conocido simplemente como "La Chica", de una naturalidad y frescura que la hicieron inolvidable. Su carisma, su lenguaje corporal y su habilidad para transmitir emociones con miradas y gestos sutiles fueron clave para darle profundidad a un papel que podría haberse quedado en lo superficial. Su entrega hizo que cada escena en la que aparecía brillara, destacando especialmente su sentido del humor y esa chispa juguetona que cautivó tanto al personaje de Richard Sherman interpretado por Tom Ewell.

Wilder logró capturar las complejidades de la comedia romántica con un toque de ironía y sátira sobre las relaciones y la tentación, que resonó con el público de su época y sigue siendo relevante. Su habilidad para equilibrar el humor, el drama y la crítica social es destacable. Wilder fusionó la comedia ligera con reflexiones más profundas sobre la moral y la psicología del deseo.

Es conocido que Billy Wilder expresó cierto descontento con La tentación vive arriba (The Seven Year Itch) debido a las limitaciones que enfrentó durante su realización. La película, basada en una obra teatral de George Axelrod, fue producida por 20th Century Fox, y Wilder tuvo que lidiar con restricciones impuestas por el Código Hays, que regulaba los contenidos en Hollywood en esa época. Esto limitó su capacidad para explorar temas más profundos o abordar el humor con la audacia que caracterizaba su estilo.

Además, Wilder no estaba completamente satisfecho con el resultado final, ya que sentía que la película se centraba demasiado en la imagen de Marilyn Monroe como símbolo sexual, eclipsando otros aspectos narrativos y artísticos que él valoraba. A pesar de esto, la película se convirtió en un clásico, especialmente por la icónica escena de Monroe sobre la rejilla del metro.

El apartado humorístico es uno de sus elementos más memorables y efectivos, gracias a la escritura aguda y los diálogos ingeniosos que capturan la ironía y la absurdidad de las situaciones. Wilder, con su característica visión satírica, utiliza el humor para explorar temas de deseo, matrimonio y moralidad, siempre con un toque ligero pero incisivo.

Los diálogos están llenos de dobles sentidos y bromas inteligentes que mantienen a la audiencia entretenida mientras transmiten un comentario sutil sobre las dinámicas humanas. Por ejemplo, las interacciones entre Richard Sherman, el personaje atrapado en la rutina de su vida de casado, y "La Chica", el símbolo de tentación y espontaneidad, son un campo fértil para la comedia. Los contrastes entre su nerviosismo y sus intentos de parecer encantador generan momentos hilarantes.

En el apartado estético, la película hace uso de un diseño artístico y cinematográfico impecable, incluyendo vestuario y fotografía que realzan el carisma de los personajes y el ambiente de la historia.

Esta película se convirtió por méritos propios en un fenómeno cultural, influyendo en la moda, el cine y la percepción de Marilyn Monroe como ícono de la cultura popular.

A pesar de contradecir la opinión del propio Billy Wilder, considero que esta película es, sin lugar a dudas, una obra maestra del cine de humor. Su capacidad para combinar ingeniosos diálogos, situaciones hilarantes y una dirección magistral la convierte en un referente indiscutible del género. Más allá de cualquier limitación o crítica que pudiera haber recibido, esta obra logra perdurar en el tiempo como un símbolo del ingenio y el talento cinematográfico que Wilder y su equipo supieron plasmar con maestría.

La película "El 47" me ha captado la atención por su ambientación histórica, así como por su intento de modernizar y diversificar los relatos históricos. Sin embargo, al analizarla desde el prisma de la rigurosidad histórica y los posibles fallos propagandísticos en cuanto a la inclusión social, se pueden extraer conclusiones mixtas.

Por un lado, 'El 47' ofrece una recreación visual impresionante, caracterizada por un meticuloso cuidado en los escenarios y el vestuario, complementados ocasionalmente con imágenes de archivo y detalles que logran sumergir al espectador en la época retratada. Sin embargo, los eventos históricos clave y las dinámicas sociales representadas a menudo caen en simplificaciones o alteraciones significativas para acomodar el guion. Esto ha llevado a críticas sobre la falta de profundidad en la representación de algunos personajes históricos, quienes son reducidos a meros arquetipos, sacrificando así la complejidad que requiere una narrativa históricamente precisa.

Además, se han señalado errores cronológicos y anacronismos que, aunque menores, pueden romper la inmersión de los espectadores más exigentes al contexto histórico. Esto lleva a cuestionar si la película, en su afán de conectar emocionalmente con una audiencia contemporánea, traiciona en parte su compromiso con los hechos históricos.

"El 47" apuesta por una representación diversa en su elenco y en las historias que aborda, algo que podría ser visto como un intento legítimo de actualizar el lenguaje audiovisual y hacerlo más inclusivo para la audiencia moderna. Sin embargo, esta misma inclusión ha sido criticada por algunos como una estrategia propagandística, ya que, en ciertos momentos, la diversidad parece insertada de manera forzada dentro del marco histórico.

El deseo de transmitir un mensaje inclusivo podría percibirse como algo encomiable en sí mismo, pero se corre el riesgo de desviar la atención de la autenticidad histórica en favor de la ideología. En consecuencia, esto genera un debate sobre si es válido sacrificar la precisión histórica en aras de un mensaje más contemporáneo.

En alguna critica he visto que hay quien opina que es falso que se aceptara la migración andaluza y extremeña en Cataluña acusando de xenófobos a los catalanes, cosa que no es cierta.

Es cierto que hubo grandes olas de migración de Andalucía, Extremadura y otras regiones hacia Cataluña, especialmente durante la segunda mitad del siglo XX, en busca de mejores oportunidades laborales y una vida más próspera. En su mayoría, estas migraciones fueron aceptadas y formaron parte integral del crecimiento económico e industrial de Cataluña.

Si bien es innegable que pudo haber tensiones sociales específicas (algo común en cualquier fenómeno migratorio masivo), generalizar y catalogar a los catalanes como xenófobos ignora la complejidad y diversidad de las experiencias de esa época. Además, muchos migrantes se integraron plenamente en la sociedad catalana, y sus descendientes forman hoy una parte esencial de la cultura y la identidad catalana.

Lamentablemente, las críticas como las que he mencionado suelen simplificar o distorsionar hechos históricos para alimentar narrativas divisivas. Es importante abordar estos temas desde una perspectiva documentada y contextual para evitar caer en clichés que no reflejan la realidad.

"El 47" es, sin duda, una película ambiciosa que busca equilibrar la representación histórica con las sensibilidades modernas, aunque su ejecución puede dividir opiniones. Si bien es valiosa por generar conversaciones sobre inclusión y diversidad en el cine histórico, su falta de rigurosidad y la percepción de propaganda pueden restarle impacto entre ciertos sectores del público.

No puedo concluir esta crítica sin destacar el extraordinario trabajo de Eduard Fernández, cuya sobresaliente interpretación eleva significativamente el nivel de esta película.

Hablaré del valor estético de esta película, dejando de lado su guion y argumento, que, según he leído en algunas críticas, parecen incomodar a ciertas personas que han publicado sus opiniones.

La película *Pobres criaturas* es una obra que desafía las convenciones cinematográficas tradicionales y se posiciona como un lienzo en movimiento. Su director ha tejido una narrativa donde cada encuadre parece haber sido meticulosamente compuesto como si fuera un cuadro de museo, logrando transformar la pantalla en una galería de arte visual.

El valor estético de la película radica en su atrevida paleta de colores, los contrastes dramáticos de luz y sombra, y las texturas visuales que casi pueden sentirse a través de la pantalla. Cada escena está cargada de simbolismo, donde los elementos en el encuadre no están ahí por casualidad; cada uno tiene un propósito narrativo o emocional. La forma en que se enmarcan los personajes dentro de sus entornos evoca las obras de maestros como Caravaggio o Vermeer, con un uso magistral de la composición y el espacio negativo. Este enfoque convierte la película en un deleite para los ojos de quienes aprecian los detalles y la belleza visual.

Frente a las críticas que descalifican a *Pobres criaturas* como "una basura", vale la pena señalar que esta película no busca satisfacer las expectativas convencionales del espectador promedio. Su intención no es acomodarse a lo fácil o lo obvio, sino empujar los límites del cine como forma de arte. Si bien puede ser provocativa y desafiante en ciertos aspectos, es precisamente esta valentía la que define su trascendencia. Aquellos que desestiman su propuesta estética tal vez no logran conectar con su intención artística, lo cual no resta mérito a una obra que claramente prioriza la expresión visual y conceptual sobre los cánones establecidos.

En conclusión, *Pobres criaturas* no es simplemente una película, sino una experiencia visual y emocional. Es un recordatorio de que el cine también puede ser arte en su forma más pura, una declaración audaz para quienes saben ver más allá de lo superficial.

"Mi novia es una extraterrestre" es una película que no pretende ser más que un vehículo de entretenimiento ligero, y en ese sentido cumple su cometido. Está claramente diseñada para destacar a Kim Basinger en su mejor momento, y lo logra con creces. Su actuación como una extraterrestre ingenua sorprende gratamente en el ámbito de la comedia, mostrando que tiene talento para este género.

El vestuario de Basinger merece una mención especial: elegante y cuidadosamente diseñado para resaltar su atractivo sin caer en lo excesivo ni lo provocador. Es un deleite visual que complementa su presencia en pantalla y refuerza su carisma.

Sin embargo, el guion deja mucho que desear, con una trama que reduce a los personajes masculinos a motivaciones simplistas y un final que podría haberse omitido por completo. A pesar de estos defectos, la película logra entretener y es especialmente recomendable para los fans de Kim Basinger, quienes podrán admirarla en todo su esplendor.

Para concluir diré que "Mi novia es una extraterrestre", aprueba por su capacidad de divertir y por la destacada actuación de Basinger. Una opción ligera para pasar el rato.