Esta película me recuerda a la de Elia Kazan del mismo año, “Wild River”. Al igual que aquella, “The Young One” fue un fracaso taquillero, pero de la misma manera que Kazan, Buñuel la consideró una de sus mejores obras.

En el ambiente de claustrofobia sofocante que crea la isla y la naturaleza salvaje Buñuel analiza, sin tomar parte, aspectos de la situación social norteamericana (recuerdos de “Diario de una camarera”).

Miller, a pesar de su racismo aparente, y de la manera en la que trata y se aprovecha de Evalyn, no es más que un reflejo de la sociedad en la que vive, y demuestra cierta autonomía al demostrar comportamientos honorables tanto en su interacción con Traver como en sus intenciones finales para con Evalyn. Estos son contrastados con los de Jackson, el redneck por excelencia.

Por una vez en Buñuel el cura es una persona ecuánime que va por delante de los prejuicios de la sociedad y ayuda a resolver los problemas en la medida que puede. No condena a Miller, si no que intenta hacerle ver como contrastan sus comportamientos con los de Traver, acusado injustamente de violar a una mujer blanca adinerada.

Traver es un personaje casi mitológico, que llega a una isla desierta, donde vivirá su aventura y pasará una serie de pruebas.

Con la joven inocente Buñuel demuestra primero que no es posible vivir en sociedad sin el desarrollo personal de un esquema moral, pero que este será necesariamente un compromiso con los tiempos en que se vive. Tanto Miller como Traver, Jackson y el Reverendo tienen actitudes criticables pero comprensibles, y hasta cierto punto necesarias. Por que aquí no hay buenos ni malos absolutos, sólo un reflejo y una exposición imparcial de la sociedad, y esto no debió gustar a Hollywood.

El ciervo atado, los conejos cazados, el mapache que se come a la gallina en el gallinero mientras las otras se agrupan y miran, la araña aplastada por Evalyn, las abejas, son elementos típicos del director, en una película que es por lo general tremendamente realista.

Como en Tristana, Buñuel toma una obra de finales del siglo XIX, en este caso de Mirbeau, y la traslada a la década de 1920. Mantiene la feroz crítica de la burguesía y de las clases inferiores, y la refuerza con un ataque a los movimientos políticos totalitarios del siglo XX.

No veo yo mucho surrealismo en esta cinta, si no un simbolismo que enmarca una sociedad inmovilista. Así, los burgueses están encarcelados en sus propias casas, con numerosas tomas a través de las verjas, murallas o cancelas que guardan sus terrenos, y no tienen prácticamente movilidad, siempre encerrado en sus habitaciones, jugando al solitario, limpiando ornamentos, o mirando álbumes de fotos, en un ambiente claustrofóbico. Quizá el único toque surrealista sea la aparición de distintos animales durante la película: un jabalí, un conejo, hormigas, el ganso que mata Joseph, los caballos, los caracoles, y la mariposa a la que dispara Monsieur Rabour.

A pesar de la feroz crítica de la sociedad, Buñuel muestra cierta compasión hacia los personajes burgueses. Rabour es quizá el más simpático de ellos, con su fetichismo (botas). El Capitán Mauger también suscita cierta simpatía, a pesar de su desprecio hacía la mujer de clase inferior que utiliza para que sacie sus deseos básicos (sexo y comida). Madame Monteil, aunque reprimida y desagradable, también tiene momentos de bondad con los sirvientes, y Buñuel nos muestra en parte las causas de su represión en la conversación que mantiene con el cura, que le aconseje contra cualquier placer sexual. Monteil (Piccoli) es realmente asqueroso, con sus deseos sexuales incontrolados, que le llevan a abordar a la camarera mayor cuando es rechazado por Celestine, pero a pesar de todo uno lo compadece por la situación que vive con su mujer. En resumen, parece como si Buñuel nos estuviera demostrando que ellos son también prisioneros de la sociedad. Además el personaje realmente desagradable es Joseph con su extremismo político, prejuicios antisemíticos, y seguridad en sus creencias fascistas (orden, religión, sistema de clases sociales, ejercito).

Entre todos estos personajes definidos de la burguesía y de la servidumbre rural ambula la ambivalente Celestine. Cuando llega en el tren en las largas tomas iniciales observa este mundo desde fuera, luego se sumerge en el. No sabemos muy bien por que ha llegado hasta allí ni cuales son sus motivaciones. Hace halagos de una maestría, una confianza, al eludir los avances de todos los personajes masculinos, y se muestra como una persona individual y capaz de sobreponerse a la atosigante sociedad que le rodea.

Magnífico trabajo de Jeanne Moureau, grandísima y bellísima fotografía en blanco y negro, un filme realmente espectacular.

Al igual que en Viridiana y Tristana, Fernando Rey protagoniza un estudio sobre la utilización del poder en las relaciones íntimas. El truco de utilizar dos actrices para el mismo papel, enfatiza la dualidad de la personalidad que Mathieu percibe, aunque no es una relación directa, por que tanto una como otra actriz participan en el tira y afloja permanente que enmarca la relación de Conchita con Mathieu.

Mathieu es un hombre acostumbrado a poseer a las mujeres, especialmente las de clase inferior, y no tiene ningún reparo en abordar a Conchita en cuanto la conoce. Normalmente esta relación tendría un principio y un fin predeterminado, la seducción y el abandono. Mathieu se siente confortable en este juego por la manera en la que pide un Chartreuse y se dispone a seducir a Conchita. Sin embargo Mathieu no abandona como de costumbre a su presa simplemente por que ella no deja que él la posea del todo. Sabe, quizás por intuición, que si se entrega sin más su destino es que la dejen tirada

Los atentados terroristas no tienen una explicación, representan la manía persecutoria de Mathieu, o la sociedad en la que él todavía puede actuar como agente explotador esta amenazada.

Cuando no prospera la relación, Mathieu utiliza el dinero. Ella ha demostrado que el dinero no es lo más importante para ella cuando devuelve el que le ha robado el "Morenito" a Mathieu en un parque en Lausanne.

Me gustan los westerns buenos, al estilo John Ford y Howard Hawks, pero a esta película no la salva ni los dos grandes protagonistas, Peck y Cotten. Lo único que me pareció interesante fue admirar la versatilidad de Gregory Peck en el papel de malo. Por lo demás, guión predecible, dirección melodramática, película aburrida, fotografía exagerada: al atardecer le ponen un filtro rojo de gradación alta a toda la imagen y se creen que han producido un efecto memorable. Intenta capturar el ambiente de "Lo que el viento se llevó", que a pesar de ser un folletín tuvo momentos memorables, pero fracasa lamentablemente. Esto es un "soap opera" al peor estilo USA.

Bellísima fantasía sobre la vida y la muerte. El enunciado inicial, que nos cuenta que la acción transcurre en un pueblo perdido en el tiempo, nos indica que es una alegoría. La historia mantiene un tempo acelerado manteniendo en todo momento la atención del espectador. La fuerza de las imágenes son impresionantes tanto por su influencia sobre el cine futuro como por su impacto en el espectador actual. La caracterización de los personajes del poblado en unas breves imágenes es excelente. Hitchcock la citaba como la película que más le influenció de joven.