Silencio, humanidad, austeridad, desarraigo y sinceridad… La película que han creado Llinás y Citarella se puede resumir en esas intrincadas palabras. Una obra que carece de ostentosidad narrativa y hace gala de la minuciosidad compasiva.

Una MUJER (Verónica Llinás) vive en las afueras de Buenos Aires con su leal jauría en medio de un bosquecito en el que ha construido una choza o cambuche, éste se reinventa cada vez que llega una nueva estación. Su vida, salvaje igual a la de sus animales, parece ir sin rumbo fijo mas que la sobrevivencia día a día a la que está sometida por gusto propio. O eso es lo que parece. Durante toda la película mi pregunta fue: ¿Cuál es el pasado de esta mujer? ¿Por qué está en aquella situación? ¿Qué la hizo llevar esta vida solitaria? Las respuestas fueron pocas y sólo atisbos de una vida pasada se hacían presentes ante mis ojos.

Lejos de cualquier estupor consumista, aquella MUJER parece no molestarse con tener que realizar tareas casi cavernícolas para conseguir los elementos necesarios de subsistencia para ella y sus perros. Su relación con el entorno en ciertos momentos parece idílica y se confunde con un efímero sueño (parece ser pasajero) que se hace realista cuando aparecen nuevos entes dentro de su cotidianidad. Se percibe sin objeción alguna la complicidad (en el mejor sentido de la palabra) que existe con el cine de Lisandro Alonso, sobretodo en su película La Libertad, en donde la contemplación hacia su protagonista y todos los recursos cinematográficos son y están puestos al servicio del mismo. Grande planos panorámicos, cierta distancia frente a sus necesidades y acompañamiento necesario para darnos cuenta de la austeridad en la que vive.

Una película que está llena de silencios, en donde las palabras sobran con justa razón y la gestualidad es capaz de armar un relato propio de una mujer que no le interesa establecer vínculos sentimentales-afectivos con nadie. Además, se hace evidente el dejar a esta MUJER sin voz. Hay escenas en las que bien podría hablar pero es obvio el rechazo que hay por parte de las realizadoras a que esto se dé. Un logrado acierto ya que construye aún más la incógnita y el misterio que habita en su protagonista.

La caridad para con sus perros es sincera, llena de humanidad, sin reclamos ni reproches. Cuida de ellos así como ellos cuidan de ella. Una relación altruista y desinteresada que es equiparable con el dicho popular “Entre más conozco a la gente, más quiero a mi perro”. Es su única forma de brindar cariño, que no es lo mismo que satisfacer sus deseos sexuales. La relación llega a un extremo tal que la MUJER se comporta de manera instintiva en buena parte del film, recurriendo a lo crudo y complicado que es el merodear por las canecas de basura buscando sobras de alimentos desechos y reaccionando a los insultos o cualquier forma de violencia de la misma manera.

Lejos de su entorno, en las afueras de ese bosque en el que ha vivido una buena cantidad de años, por lo que parece, hay un mundo hostil, un mundo que no le pertenece y por el que deambula sola, sin expectativas, ni objetivos. Como un fantasma que se deja percibir pero no asusta, sólo la presencia de sus perros la hacen visible. Sin embargo necesita algo de él, recordar su desgracia, su desarraigo al que por alguna razón llegó a ese estado de orfandad.

Una cinta que merece la pena ser vista, que dialoga con el espectador de forma genuina, que (des)escribe la nostalgia de su protagonista con sutil melancolía y usa la sensibilidad como bastión de aquel descompuesto y reconstruido mundo en el que habitamos.

Cuando uno cree que el terror, género que por más que trata de renacer, no lo dejan, aparecen cintas como ésta que devuelven la esperanza a las pocas cenizas que hacen lo posible por no irse con el viento de la desgracia y del dinero.

¿Qué pasa cuando crees tú mamá ya no es tú mamá? ELÍAS y LUKAS, un par de gemelos que reciben a su mamá luego de una cirugía estética, se preguntan lo mismo. Y es que la actitud, frialdad y distanciamiento que ha tomado ésta con los pequeños, es para pensar dos veces si esa es la misma persona que ha estado a su lado durante sus cortas vidas. Unos vendajes blancos que tapan prácticamente todo su rostro (imposible no acordarse de Darkman (1990) de Sam Raimi), una mirada que sólo inspira rabia y maldad dejando a la vista nada más que una especie de calavera diabólica y un rechazo creciente hacia los pequeños… Eso, es lo único que ha quedado de su madre.

Severin Fiala y Veronika Franz han construido una fascinante película de terror psicológico, un entramado estilístico sutil y refinado que va develando de a poco lo siniestro que se puede llegar a ser. No es sólo el ritmo con el que avanza el film, es también la construcción de personajes que a medida que transcurre el tiempo, van mostrando una transformación que desencadenará un cruce de personalidades propia de la psicología Hanekiana.

Retirados en esta casa de campo, propias de una sociedad burguesa, donde los padres tienden a sacrificar la crianza de sus hijos por ocupaciones laborales y de etiqueta, ELÍAS Y LUKAS pasean por los pasillos de la casa, de los alrededores, solos, sin vigilancia alguna, escapando a los extraños cuadros que adornan la casa, a su fría atmosfera. Es ésta última, precisamente, la que envuelve a todo el film en una extraña mezcla de silencios y perversidad.

La figura de la niñez como método para crear terror a lo largo de la historia (El resplandor, Los niños del maíz, Los malditos, La profecía, El exorcista, El aro… etc) ha sido utilizado cientos de veces, la cuestión está en saberlo utilizar y además, poder crear un aura de genuinidad que acrecenté el temor, haga más grande la epifanía. Hace poco, The Babadook (2014), nos interpelaba de frente con nuestros miedos, esos que escondemos y nos cuesta dominar. Goodnight mommy no se esfuerza en ocultarnos absolutamente nada, sabe dejarnos pistas y comprende que ese tono elegante e inquietante al que le apuesta hay que agregarle pequeñas y grotescas torturas que tras las paredes blancas, impolutas, sobrellevan gran parte de la carga dramática del film.

La música y la fotografía trabajan en conjunto para acrecentar la tensión que se vive en el hogar. La paleta de colores fríos que abundan en el hogar, se impone a un follaje cargado de texturas del vasto paisaje que se tiene alrededor, diciéndonos sin eufemismo alguno que algo raro ocurre y no nos hemos dado cuenta. La música, con sus notas en constante crescendo, permite que se consolide la idea de temor a la que estamos asistiendo.

Tal vez lo más bello de ver Goodnight mommy fue ir con la inocencia de un niño, verla sin prejuicios a los que ya estaba acostumbrado con este género, darle la oportunidad de que me arrancara un “¡oh mierda!” y lo ha conseguido. Lo más terrorífico, sin duda alguna, es la infinita imaginación a la que nos someten unos “angelicales” gemelos.

Aún tengo la desazón y la decepción intacta de aquel día en el que salí de la sala de cine, luego de la presentación en Cali de la película Los Hongos de Oscar Ruiz Navia. Recuerdo que me plantee hacer un blog de crítica y esta sería la primera cinta que reseñaría. Mucho tiempo después se ha hecho posible hablar de este film que es, para este servidor, un pequeño tropiezo dentro de la promisoria carrera de "Papeto".

Si de entrada estoy hablando así de este film es porque al final terminé sin entender de qué iban los poco más de 100 minutos de duración… una eternidad. En Los Hongos se habla de la amistad, de individuos creciendo y viviendo en ambientes poco reales dentro de una ciudad bastante estigmatizada, de los diferentes individuos que habitan en ella, de esa Cali "under" que es poco conocida, del grafiti, de las promesas y demagogias políticas, de la relación con esa primera gran institución que es la familia, de las decisiones impulsivas y contestatarias que tenemos cuando somos jóvenes... Pero ninguna termina por cerrar su diálogo con el espectador y acaban por convertirse en pequeños trozos sin vida, sin relación (aparente) verosímil de una cinta que pudo dar mucho más.

En su opera prima, El Vuelco del Cangrejo, Ruiz Navia termina construyendo un relato coherente, lleno de metáforas, de sugerencias, de ilusiones perdidas en las vidas de personajes solitarios que aún guardan una pequeña esperanza de mantener (CEREBRO) y de reconstruir (DANIEL) sus vidas; hay una mirada al eterno problema de tierras en Colombia y a la llegada de la modernidad como una idea de progreso. La unidad está. En Los Hongos no se alcanza a percibir un tema subyacente, no se vislumbra en ningún momento una problemática de la cual aferrarnos y podamos darle continuidad. Se expone, mas no se sugieren (idea expuesta por el propio director en medio de la presentación de su primer film), discursos mediáticos y culturales que terminan siendo cliché dentro de la totalidad de la película. Aquello no le da al espectador información nueva para poder seguir el discurso de lo que vemos, sino que genera un estancamiento frío, soso y aburridor que nos sitúa en un mundo distante, sin elementos atractivos a medida que avanzan los planos.

¿Por qué luego de El Vuelco del Cangrejo y su cortometraje Solecito, Los Hongos no ha estado a la altura de los mismos? Es importante notar que la herramienta de trabajo predilecta de Ruiz Navia es trabajar con actores naturales, sin que estos tengan muy claro cómo se va desarrollando el guión. La complicidad que hubo en Solecito entre este un par de adolescentes y la idea de combinar la ficción con la realidad, lo elevaron de la simpleza a la genialidad. Lo mismo ocurrió en El Vuelco… donde CEREBRO, LUCÍA y los demás personajes que eran habitantes de la zona, brindaban un aire genuino que encajaba perfectamente dentro de la historia. Así mismo los paisajes y su acabado final en postproducción. Los Hongos peca por llevar la locura, la avidez y lo anárquico, a un nivel carente de sensaciones. Sus personajes, actores naturales también, no reflejan ese sentimiento de libertad que propone por momentos la narración y pasan desapercibidos en sus interpretaciones.

Hace poco, el cortometraje Alén de Natalia Imery (en donde también participó Ruiz Navia), nos mostró con mayor audacia a esa Cali “under”, llena de personalidades eclécticas, sin rumbos fijos pero atentos a que inconscientemente ellos construían una nueva forma de vida. Esa atmosfera recreada tan fielmente a la realidad no se percibe en Los Hongos, en donde los retazos de aquellas vidas, suenan a montajes poco creíbles.

Alabo, y con vehemencia, que se quieran contar otro tipo de historias en ese país neófito, aún, en temas cinematográficos. Esa linda generación que empieza a producir cine de calidad y no de utilidad, (César Augusto Acevedo, William Vega, Ciro Guerra, Santiago Lozano, Franco Lolli, Simón Mesa, Jorge Forero y los que se me escapan en el momento) es la muestra fiel de que se pueden contar historias que hablan con sinceridad de nuestra realidad, con pasión y amor por esto llamado cine. Espero (y estoy seguro que así será), que el próximo film de “Papeto” nos va a llevar de nuevo al goce de lo sencillo, a disfrutar de lo diminuto y a sentir que vivimos por medio de una pantalla.

Seré breve.

1. Tal vez una de las peores actuaciones que he visto en mi vida.
2. (No lea si aún quiere perder su tiempo) Sigo sin entender por qué este tipo no salió de aquel lugar luego de haber pasado por cientos de pruebas, hambres, golpes... ¿No habría sido mejor que se quedara quietico descansando y rascándose las bolas ?
2.1 ¿Levedad del ser? Salió poeta y todo... (Por cierto, esa película: La insoportable levedad del ser es perversa... 2 horas de aburrimiento)
3. Noto un tufillo por hablar de concepciones religiosas... ¡ NO EXAGEREMOS ! Cuando el director vea Stalker de Tarkovsky, hablamos...
4. La inverosimilitud a la orden del día.
5. No la vean por favor !!! NOOOOOO...

6. Película recomendada (y el consejo es gratis): NUEVE REINAS de Fabian Bielinsky. Para pasar este mal sabor de cine...

No es mi costumbre realizar críticas de tan corta extensión pero me urge referirme a esta película con urgencia. Un guión que al principio parece una ofrecer sin fin de posibilidades no puede tener en sus lineas perros que hablan amaestrados por un man que lleva perdido no sé cuántos años... ES ILÓGICO !!! Lo que parecía una historia triste de un sueño no realizado termina por resolverse a las malas y de la peor manera posible. Sí, yo entiendo que con películas animadas se pueda jugar a que todas las posibilidades de i-rrealización desempeñen un papel importante de juego, de trama, de acciones imposibles... Pero por favor, hay un límite y hay que saber hasta donde transgedirlo... No lo niego, los primeros 11 minutos y medio de película me cautivaron, y mucho... Luego se hace una film largo, con escenas tediosas que no atraen ni motivan a seguir "videando"... Llega el final y sólo le puedo asegurar (a quien esté leyendo esta crítica) que no quedan ganas de verla por 2da ocasión. Una última anotación (sí, va a sonar raro) guarden recuerdos de las personas que aman... El tiempo se los agradecerá porque los recuerdos son eternos, tal vez esto último es lo que valga ese 5.