Por lo poco habitual, resulta refrescante encontrarse con un film francés de corte fantástico y que, además, se defienda tan bien en cuanto a efectos especiales y caracterización. La metamorfosis de las criaturas resulta enigmática a la par que convincente dentro de la fantasía, dando como resultado un trabajo visual que se goza mucho. Chapó.

El trabajo de guion, por desgracia, es harina de otro costal. La historia resulta previsible, naíf y falta de caracteres secundarios con algo de profundidad.

Previsible, porque poco tiene Le Règne Animal que ofrecer de nuevo al eterno conflicto paternofilial del hijo que busca su propio destino. Absolutamente ninguna decisión argumental me ha sorprendido. Su estructura resulta de lo más convencional.

Naíf, porque el retrato que de la naturaleza se hace es profundamente romántico, asumiendo que la coexistencia pacífica entre el ser humano y el resto de seres es posible si los primeros cuentan con la “voluntad política” necesaria (textualmente). Esta película me recuerda al trascendentalismo estadounidense y su fe en la bondad como cualidad inherente del ser humano y la naturaleza, pero sin la envergadura espiritual de estos. Es una pena, pero lo que podría haberse convertido en un diálogo apasionante sobre los límites y conflictos de una hibridez animal-humano hacia la que quizás nos encaminamos como sociedad (a partir de nociones como la de las familias interespecie) termina siendo un cuento domesticado e infantilizante sobre lo buenos que son los animales y lo malos que somos los seres humanos.

Entre los caracteres secundarios planos destaca especialmente el personaje de Adèle Exarchopoulos, el peor papel de esta actriz que he visto hasta la fecha. A nivel interpretativo no está a la altura de la mayoría de sus películas, lo que, no obstante, resulta comprensible considerando que su personaje es absolutamente prescindible. En nada afectaría a la trama si la sacásemos de cuajo del guion. Por supuesto, sus comentarios feministas aquí y allá podrían haber sido interesantes de haber tenido alguna relevancia, la más mínima, en la trama, pero se quedan en líneas sueltas sin ton ni son y sin desarrollo alguno. Muy a mi pesar, su única función parece ser el de representar el contrapunto femenino al personaje de Romain Duris.

Por último, lo que más me preocupa de esta película es que, a pesar de su más que clara lectura en clave política, apenas plantea preguntas sino fundamentalmente respuestas. Malos y buenos están claramente definidos; la temática ofrece argumento y ambientación, pero no problematización. No hay dilemas. [Continúo en la zona de spoiler.]

En resumen, esta película me ha dejado una sensación parecida a la que me provocó la visualización de Avatar 2 hará un año. Una historia muy emotiva, personajes tiernos, rodeados de una ambientación preciosa con criaturas enigmáticas y bellísimas, en un bosque frondoso y pleno de vida. No obstante, no es una lectura poética o estética la que este film pretende ofrecernos. Es más que evidente su intención política [continúo en spoiler], pero para ello es necesario que se expongan ideas, y en esta película solo hay emociones.

Contada con gran ternura y emoción, esta historia de la periferia barcelonesa de los años 50-70 podría ser uno de tantos cuentos fundacionales de la Barcelona contemporánea, en este caso subrayando el origen inmigrante, humilde, obrero y vecinal que fue indispensable para su desarrollo económico en aquellas décadas. La película ofrece un mensaje social claro, sin dobleces, con el que se pueden identificar tanto catalanes nietos de charnegos como andaluces o extremeños sobrinos de los que allá se fueron.

Así, Marcel Barrena propone recuperar una memoria en cierto modo perdida haciéndola compartida, y de ahí la apuesta lingüística planteada por el maravilloso Eduard Fernández. Su personaje es sin duda el que más matices ofrece, de su enorme arraigo a Torre Baró a la inextinguible contienda con el guardia civil sevillano, una sombra de los señoritos y terratenientes de los que huyó cuando su padre fue fusilado, durante la Guerra Civil. No estoy de acuerdo con otras críticas cuando exponen que este es el peaje progre necesario para sacar adelante una película en España. Olvidan que esta es una historia real, que el padre de Manolo Vital fue efectivamente fusilado por los sublevados. Más allá de nuestros posicionamientos ideológicos, la razón de su muerte es un aspecto ineludible en una película tejida fundamentalmente por la memoria.

Con respecto al resto de los personajes, se muestran mucho más esquemáticos, cayendo a veces en lo maniqueo (el guardia civil sevillano, y a pesar de su valor simbólico es, por desgracia, uno de ellos). Varias críticas mencionan la oportunidad perdida de ahondar en el personaje de Joana, la hija, y los posibles conflictos generacionales entre Vital, viejo comunista extremeño bastante asimilado en Cataluña, y ella, bilingüe y cuya juventud y aspiraciones se desarrollarán en democracia. El personaje de Clara Segura, su madre, sí que me ha gustado mucho, pues sobre todo en ella habita el dilema entre lealtad y arraigo frente a los anhelos de una vida mejor. También nos recuerda la figura de aquellos religiosos combativos que estaban al lado del obrero, como los de “Roma, Città aperta” o “On the Waterfront”.

El retrato de la lucha vecinal es muy emotivo, especialmente conmovedora la secuencia de la construcción antes del amanecer, pero creo que se cuelan un poco con la ambientación histórica y la fotografía, cuyas transiciones entre imagen contemporánea y de archivo son muy evidentes. El resultado queda algo impostado. También he notado algunos fallos de guion y de racord, al igual que ciertos momentos excesivamente dramáticos que, en mi opinión, llegan a resultar efectistas, particularmente el final (las dos lagrimitas cayeron, por supuesto, que una no es de goma).

Con Salva Reina tengo sentimientos encontrados. Como paisano, sigo su trabajo desde hace muchos años e intento ver todo lo que hace. En esta película, creo que podría haber trabajado un poco más el acento, ya que su jejeo me parece un poco forzado. Por otro, me alegra ver que es el prodigio de siempre cuando engancha chistecitos a media voz. En eso es insuperable y se convierte en la pizca de sal de un film mayormente dramático.

En definitiva, me parece una película irregular en lo cinematográfico pero dotada de una gran historia, muy significativa como crónica de un capítulo de la historia de Barcelona y de sus habitantes, catalanes, extremeños, andaluces y tantos otros, cuyas memorias, las nuestras, estarán por siempre entretejidas por lazos de sangre.

De la obra de Coralie Fargeat hay que alabar su osadía al proponer un body horror comercial, una propuesta estética desagradable en este mundo nuestro diseñado para el placer.
La pulcritud y simetría de sus planos son el contrapunto perfecto a la progresiva suciedad de la que va llenándose la película: son el acompañante doloroso hacia la degeneración, la mutación, la catársis final. Como aquella bellísima prosa de Wilde narrando la corrupción moral de su protagonista.
Además, siendo una película de interiores, es fantástica la alusión al sueño californiano a través de los contrapicados de las palmeras y el cielo de las estrellas, de los sueños.
Demi Moore está inmensa y ofrece cada centímetro de su piel para la narración de lo grotesco.

No obstante, la experiencia del body horror que propone, inmersiva en lo visual y lo sonoro (y que me recuerda a Gaspar Noé), puede ser apabullante, hasta insoportable en casos como el de la abundancia de primeros planos del culo de Sue. Me preocupa la excesiva explotación de estímulos que dejan al espectador continuamente abrumado, y que, sin embargo, no son acompañados de una construcción de personajes a la altura, lo que puede vacíar de verdadero contenido a la obra, convertir una premisa interesante en algo pretencioso.

En este film, Fargeat propone una alegoría sobre la relación de amor/odio que tenemos hoy día con nuestros cuerpos, sobre cómo, en tiempos de ozempic y pinchacitos aquí y allá a partir de los 30, una autoimagen deformada puede devorarnos por dentro. Como decía Henar Álvarez, The Substance denuncia un mundo en el que no se nos permite envejecer, sobre todo a las mujeres, aunque a los hombres cada vez más también (¿por qué dejarlos sin exprimir con la de cremas y chismes de skincare/haircare/blablacare que podrían comprar?).
El crepúsculo ya no es solo de los dioses, sino de toda carne que un día fue bella y joven. Las redes sociales son nuestro particular Sunset Boulevard.

Las comunicaciones con la empresa son asímismo geniales, una crítica feroz al sistema capitalista que fabrica necesidades que no teníamos, y que, cuando nos quejamos, nos dice que siempre está en nuestra mano acabar con el proceso (mientras nos bombardea para que no lo hagamos). Esos que al final se lamentan de que la experiencia no haya sido satisfactoria. Solo les hubiera faltado pedir feedback sobre en qué mejorar.

Y SIN EMBARGO
Todo este contenido social está expuesto de forma demasiado explícita, bien masticadita, en una película cuyo único personaje verdaderamente construido es el de Demi Moore. El de Sue es planísimo y los masculinos son absolutamente rídiculos. Todo está subrayado hasta la saciedad, tanto como el culo de Sue. (Continúo en spoiler)

Le oía decir a Rodrigo Cortés hace unos días que lo peor que podrían decir de su nueva película, “Escape”, es que fuese “necesaria”. Y justamente este adjetivo y otros similares parecen justificar la existencia de The Substance en las reseñas que he ido encontrando.
La denuncia termina caducando. Solo la exploración de lo fieramente humano perdura.

En definitiva, vete al cine a verla, sin duda. Gózala. Pero no te dejes cegar por la instantánea identificación con el mensaje y una infinita catarata de estímulos visuales y sonoros. Es una película con muchos problemas. No te dejes engañar.

Me sumerjo en esta atmosférica Granada de los 90 con ilusión, esperando una recreación de Los Planetas, de su música y su historia, de su legado, con cariño aunque distancia. Y me atrapa el magnífico trabajo de fotografía, ese ambiente vampírico de días sin horas. Yo también deseo cobijarme en esas húmedas, y cálidas, guaridas del Albaicín.

Pero empiezo a darme cuenta de una cosa: no hay guion. Los diálogos son un desastre, poco articulados y llenos de lugares comunes, y peor que eso: apenas llego a conocer a los personajes, y por eso no me emocionan. Nunca llega a importarme lo que les pase. Sus actos, por muy brutos que sean, no tienen consecuencias. Se mueven en círculos sin llegar a ninguna parte.

Es ahí cuando el juego de planos e iluminación, que antes podía estimularme, se me aparece como una impostura que en realidad oculta la enorme falta de alma en esta película. Los experimentos formales tienen valor por sí mismos, pero, por muy andaluza que yo sea y por mucho que me guste la música de Los Planetas, dudo que Segundo Premio se merezca haber sido la candidata de España para los Óscar.

De factura independiente, con pocas localizaciones y mucho diálogo, esta película ambientada en el Chicago del día a día nos cuenta la historia de un obrero cuya educación emocional (represión, explosión o huida) ya no le vale más cuando ha de enfrentarse a algo terrible, lo más terrible.
Muchos son los caminos que podría haber tomado su trauma: la violencia, el alcoholismo, el divorcio... Y sin embargo, en su camino aparece el TEATRO. Pero no un teatro de pompa y relumbre, sino uno cutre, de barrio, con gente trabajadora que solo puede reunirse las noches y fines de semana, robándole unas gotitas de energía a nuestra extenuante forma de vida.
Nuestro protagonista va con tiento y mucha duda explorando lugares nunca hollados, conformando un viaje que le va quitando capa tras capa hasta encontrar su lado más tierno.
Es una película pequeña, de acuerdo, sin grandes giros y con cambios nunca dramáticos sino graduales, pero por ello sincera, y también inspiradora, ya que nos recuerda que todo ser humano es creador, como decía Beoys, y que el arte puede ser lugar de encuentro y fuente fundamental para dotar de sentido a nuestras vidas.