Querido lector, si todavía no has tenido la oportunidad de ver la película, te recomiendo que dejes de leer este comentario, continúes bajando y leas las demás opiniones de los compañeros porque lo que yo aquí, humildemente, propongo es una reflexión sobre el lirismo del color y de las imágenes, para lo que encuentro imprescindible tener en la cabeza las secuencias a las que me voy a referir. Por supuesto, una vez la hayas visto, estas invitadísimo a volver para adentrarte en esta reflexión.

Comenzamos, pues. Diré que me ha fascinado el trabajo de este cineasta que, lejos de contar una historia emotiva como cualquier otra, lleva a cabo un ejercicio cinematográfico que es merecedor de estudio. Concretamente me gustaría hacer una reflexión sobre el uso del color y su importancia en la historia. Me ha seducido como Lukas Dhont utiliza el color, no como recurso estético (aunque también), sino como recurso narrativo, resultando un film eminentemente poético. Para ello, hace uso de una triada de colores del círculo cromático que resultan ser los colores primarios, a saber, el rojo, el amarillo y el azul, que a grandes rasgos simbolizan, respectivamente, el amor o la ira, la alegría y la tristeza; los sentimientos primarios de todo ser humano y los tres pilares de esta película. Aunque ya te adelanto que es el rojo el que impera durante todo el filme. Fuera del círculo cromático encontramos también un importante uso del blanco como contraposición al anterior, que analizamos a continuación.

Por un lado, mediante el color del vestuario de nuestros protagonistas, el director nos describe sus personalidades y la relación entre ambos. En un primer momento, nos presenta a dos buenos amigos disfrutando del verano, felices y sin preocupaciones, en el cual los personajes están vestidos con varios y diferentes colores, ninguno en especial, lo que representaría la libertad de expresarse tal y como son. Sin embargo, hay un acontecimiento que cambia esto. La vuelta a clase. El director, de ahora en adelante, separa a sus personajes por colores. Nos presenta a Léo siempre de blanco mientras que a Rémi siempre de rojo. Vosotros mismos lo podéis comprobar en la portada de la película. Durante esta primera parte, estos colores se mantendrán en todo momento. Leo es blanco, tiene la necesidad de ser aceptado en su sociedad siendo este color muy asociado a lo neutro (sin personalidad que destaque), a la pureza, a esa necesidad de aparentar para tener la aprobación ajena. En definitiva, lo que lo mueve es lo que piensen los demás sobre él, lo que lo lleva a dejar de lado a su amigo. Cosa que condiciona a Rémi, que ahora lo vemos de rojo, lo que muestra que es totalmente pasional, el amor es lo que le mueve, la rabia, el disgusto, la ira. Es una persona de sensaciones intensas e incontrolables. A su vez este color representa peligro.

Además, no solo es importante el color de los personajes sino también el color que los envuelve y une. En este aspecto impera el amarillo. La casa de Rémi, donde Léo se queda muchas veces a dormir, es el refugio de estos dos amigos. Todas las paredes de la casa son amarillas, luminosas, transmiten alegría, juventud, inocencia, familiaridad, amistad, incluso podemos relacionarlo con los sueños y lo idílico. Toda la casa es amarilla, toda, menos la habitación de Rémi, que es completamente roja, como su personaje, donde ambos se resguardan. Ambos duermen en la misma cama. Es su asilo, su intimidad, la cual se tiñe de rojo. De nuevo, el color del amor, de la pasión (y del peligro) que une y rodea a ambos personajes.

Estos también se ven representados a través de las flores; en el campo hay flores blancas y flores rojas. Igual que nuestros personajes. A diferencia de lo que pueda parecer, este elemento de similitud no es baladí. Hay un momento en la película en el que se arrancan o desarraigan las flores de color rojo, momento que supone un punto de inflexión, pues desencadenará la tragedia que el propio color rojo (peligro) nos ha estado advirtiendo. Así pues, frente al hecho de que su mejor amigo le esté dando la espalda, los sentimientos pasionales de Rémi (rojo) se exteriorizan, dando como resultado una pelea entre los protagonistas. (Continua en spoiler)

La última película de Coixet ofrece una profunda reflexión acerca de la necesidad imperiosa y generalizada de buscar la felicidad en el exterior, en lugar de en el interior de uno mismo. (sigue en spoiler)

Seré breve, poco tengo que añadir realmente a lo que ya han comentado los compañeros de FilmAffinity, con lo que estoy muy de acuerdo.
Es una película sincera y desgarradora con una puesta en escena minimalista y eficaz, un ritmo adecuado, unos excelentes diálogos y unas actuaciones absolutamente soberbias que terminan por redondear una notable cinta que trata un tema tan real como complejo.

Creo que es muy importante visionar la película sabiendo lo menos posible y, creo que es lo que el director pretende informándonos de todo pero a su debido tiempo, enfrentarnos a ella desde un situación neutra de desconocimiento fomentando, así, la empatía y conseguir ponernos en la situación de ambas parejas.

No obstante, le encuentro un “pero” que a mi juicio la limita a ser una película notable cuando podía haber sido mucho más. Esta cinta tenía la oportunidad de trascender, de coger mucho más peso, creando un trasfondo mucho más reflexivo y dirigiendo una crítica más directa a la sociedad. Es cierto que en un momento dado se alude por ejemplo a la segunda enmienda (derecho a poseer armas) de la constitución de Estados Unidos pero de forma brevísima sin darle ningún tipo de importancia. Creo que la película es algo conservadora o por lo menos algo cobarde por omitir ciertos temas en aras de la corrección política. Del mismo modo, la película se siente muy católica ya desde su título (Misa), centrando la trama en una iglesia y además cuando el mensaje es de perdonar, redimir, etc. En cualquier caso, no estamos aquí para hablar de política o de religión y, como ya digo, me ha parecido una película notable, pero personalmente creo que un mensaje o trasfondo más crítico la hubiese elevado de forma considerable.

Una película que trata sustos de la cotidianidad. Algunos pequeños y otros más grandes. Son situaciones sorpresivas que asustan. Que te sobresaltan. Que te recuerdan que estás vivo. Eso es. Esta es una película que, sobre todo, te recuerda que estás vivo. Eso siempre es de agradecer.

Resumiendo (para aquellos impacientes), Matt Reeves nos atrapa y sumerge en su oscura y sórdida versión del hombre murciélago de forma pausada pero en ningún momento lenta que, a pesar de unas interpretaciones simplemente aceptables, se termina de redondear mediante una depurada fotografía y una gran banda sonora.

The Batman apuesta por un cine más de autor en la que Matt Reaves es el verdadero protagonista que sorprende con un registro espectacular y apabullante. Mediante una puesta en escena naturalista, sórdida y gótica, Reeves, nos presenta a su propio Bruce Wayne absolutamente roto, más de lo que lo habíamos visto hasta la fecha, que trata de reparar y salvar una ciudad que se encuentra igualmente rota. Una ciudad oscura y lluviosa que no es más que el reflejo de nuestro protagonista en su mayor estado de decadencia.

En suma, hay que destacar una fotografía impecable y una efectiva banda sonora que acompaña la película haciendo de esta un motor que dinamiza el cambio entre los diferentes géneros que dominan la cinta como el terror, el drama y la acción de forma brillante.

Solo he experimentado un inconveniente, solo uno. Y no, no es la evidente larga duración del filme que todo el mundo critica. Desde el primer momento, la película te atrapa y consigue que camines, corras o te pauses al mismo ritmo que lo hace ella, por lo que en ningún momento sé siente pesada.

Las actuaciones son lo único que me deja parcialmente insatisfecho ya que, a pesar de que Robert Pattinson, Paul Dano y Colin Farrel me parecen algunos de los mejores actores de la actualidad, ninguna consigue cargar con la película a sus espaldas, pero, afortunadamente, Matt Reeves se vale sobradamente por sí mismo. Personalmente Pattinson no me termina de convencer como Batman. Es una extraña sensación estar esperando a Bale debajo de esa máscara. Del mismo modo siento anhelo por Michael Caine, Morgan Freeman y Gary Oldman en sus respectivos personajes. Nolan me tiene muy pillado, lo sé. Además, la relación de los personajes de Robert y Zoe resulta ininteligible, absurda y mal desarrollada así como la actuación de Paul Dano que me parece exagerada, plúmbea y hasta molesta por momentos.

A pesar de esto, que como ya digo es el único inconveniente que he experimentado, la cinta es un acierto. De nuevo Batman y DC, esta vez de la mano de Matt Reeves, escapan de la tipicidad, del cine absolutamente comercial y apuestan por arriesgar ofreciéndonos un contenido más serio, adulto y atípico de lo que nos tiene acostumbrados Marvel. Es, en mi opinión, la mejor película de "superhéroes" desde Nolan, con absoluto respeto a Zack Snyder 's Justice League.