Avatar (2009) es una película escrita, producida y dirigida por James Cameron. Éste nuevo largometraje del realizador canadiense, ha traído consigo un gran revuelo no sólo en el apartado técnico sino en el medio de la publicidad y el marketing.

Cameron vuelve a la carga, con un film armado y recargado de todo artificio técnico-visual, como lo demuestra un fuerte background: Terminator I (1984), Aliens (1986), Abyss (1989), Terminator 2: Judment day (1991), Titanic (1997) En que la eterna batalla entre el bien y el mal se pone de manifiesto. Por medio de dos razas; en donde la hostilidad y la poca discrepancia ponen en juego la supervivencia, no sólo la de una especie en particular; también la de un ecosistema rico en colores y formas.

La trama parece aglomerarse como una bola de nieve que desciende y que va aumentando su densidad con una voraz velocidad. Pero el “arma visual” con que cuenta ésta súper-producción con un costo estimado a los 237 millones de dólares se la devora. La trama poco original flaquea a un ritmo constante, se le notan las costuras y no está bien entramada. El montaje en el que también participa el propio realizador no ayuda a que la historia amalgame correctamente, perdiendo así interés con cada avance de su ya extenso metraje de 161 minutos de duración.

El director canadiense se esfuerza en darnos un mundo completo, lleno de una diversidad tanto de fauna como de flora y no escatima en pasearnos por aquellos paisajes oníricos que en muchos planos generales, cenitales, picados y contra-picados nos describen a los inquilinos de Pandora. Los travellings aéreos nos trasladan a lugares maravillosos. La dotada fotografía de Mauro Fiore (Training Day, 2001) en vuelve la pantalla de colores vivos y reales que realzan la muy lograda dirección artística elaborada por Rick Carter, Robert Stromberg y Kim Sinclair quienes supieron aprovechar al máximo los dotes de Adobe con programas como: PhotoShop, After effects, PhotoShop Lightroom, Premier Pro, In Desingn, Acrobat Connect Pro y AIR.
¡continuo en spoiler sin develar nada de la película!

Después de haber esperado un receso de 2 años desde aquella obra documental (Shine a Light) el gran Scorsese ahora nos deleita con su más reciente trabajo: Shutter Island, un Thriller psicológico bien cargado con todo esa pila de trucos y revueltas tan característico en este genero del suspense.

Enhorabuena para los seguidores del realizador, que con esta obra repleta de suspicacia, serán meramente recompensado. Sin esperar una historia impactante la cinta logra su acometido, manteniéndonos en vilo durante sus más de dos horas, pero eso si, sin llegar a emocionarnos en nuestras butacas. De hecho la trama (Basada en la novela homónima) no se aleja de su leitmotiv, aunque peca de poco original: por tratar una temática ya muy vista en producciones hollywoodenses; dejandonos en franco poder de su lento y parco montaje, que “ojo” de todas formas no permite que la historia se convierta en algo cutre.
Las actuaciones se dejan colar, sin ser sorprendentes se acogen a las exigencias, con cierta sobreactuación de: Leonardo Di Caprio seguido de un Mark Ruffalo y Ben Kingsley ¡Pero Venga! lo que si hay que resaltar es su fantástica banda sonora que nos mantendrá con la mirada pegada a la pantalla, cumpliendo muy bien su objetivo. Pues bien si quiere encontrar una obra maravillosa de Martín Scorsese tendrá que visualizar aquel remake El cabo de Miedo o la magnifica Taxi Driver, pero si les apetece alejarse de ese “Cine 3D” y contemplar una sala que no esté llena de eufóricos chavales con gafas; esta pieza fílmica será de su agrado. Un trabajo interesante pero no trascendental en el background de este genial director.

Dogville (2003) es un film escrito y dirigido por el cineasta danés Lars Von Trier, uno de los artífices del movimiento Dogma 95 basado en el uso técnico mínimo, donde la acción transcurre en un pueblo sin paredes ni objetos que distraigan la contemplación cruda y directa de la realidad.

En este film Von Trier se encarga de reproducir una imagen social desvastadora, como es característico en trabajos anteriores Bailando en la Oscuridad (2000). Donde la crueldad y la hipocresía se mezclan como un solo elemento que sirve de chispa, dando origen al detonante que mueve la historia, aportando una fluidez que va ascendiendo durante sus casi tres horas de metraje.
El realizador danés se las ingenia para crear una interacción con el espectador, nos adentra a la historia, cautivándonos desde el principio con una interesante narración en off, de un maestro como es John Hurt que durante 9 capítulos y un prologo nos pasea por las escalofriantes calles de Dogville, bañadas con una iluminación de aire expresionista, de unos contraste que van desde lo más blanco, representando el día hasta llegar al más puro negro, como es la noche. Una novedosa técnica que muestra la transición del tiempo, a veces adornada con matices rojizos que se dispersan elegantemente por todo el cuadro. La cámara no es inerte, se despliega como un intruso por cada recoveco, produciendo en uno esa sensación de complicidad, aunado a un montaje de ritmo rápido con cambios de ángulos y cortes de ejes que le otorgan un estilo documental.

La composición del cuadro es de resaltar, desde primerísimos primeros planos hasta planos generales compuestos, que muestran las acciones cotidianas de cada uno de los habitantes dentro de las secuencias. Una puesta en escena arriesgada pero bien elaborada, recreada en forma teatral. Apoyada por una escenografía simplista pero eficaz

Dogville, es un film polémico, desde su estreno en el Festival de Cannes. Produciendo opiniones divididas dentro de la crítica especializada. Siendo etiquetada como una obra anti-americana. Debido a que en la época en que fue proyectada, EE.UU. arremetía contra Irak en una guerra desigual.
Esta es una de esas películas que no deja indiferente a nadie, Una obra para ser disfrutada por todo cinéfilo, podrás ódiala o apreciarla todo dependerá del punto de vista con que mires la historia.

Para un realizador, su primer trabajo fílmico siempre es un gran reto, pero tras esto, siempre hay una gran satisfacción en debutar como director de un largometraje.
Marcel Rasquin, no es la excepción a esta regla y tras múltiples esfuerzos logra crear su opera prima titulada: Hermano (2010). Cinta que ha tenido una gran acogida no sólo en su lugar de origen Venezuela, sino en varias latitudes del globo terráqueo en donde de hecho ya ha cosechado varios palmares en su haber.

Tras el furor causado por una audiencia que ha aceptado a esta película como una “oda” a la realidad contemporánea que, esquiva de manera ligera la corriente cinematográfica que ha imperado en las producciones venezolanas, siempre criticadas por soslayar una imagen de miseria muy arraigada a esas sociedades marginales
En este film el joven Rasquin se aplica en retratar a esa comunidad sub-urbana por medio de una familia compuesta de una madre y dos hermanos que deben lidiar con los problemas asiduos a un nivel de vida precario (violencia, anarquía, incultura) típico de una barriada caraqueña, sin embargo en ese ambiente inestable surge un ápice de superación, una vía alterna a ese oscurantismo palpable en la atmósfera, vejada por una colectividad sin ley. La historia nos mese y languidece durante sus 96 minutos de duración, nos hace testigo y participes de esa afinidad que se erige por medio de una actividad afín, y el lazo que dos personas con afectos diferentes pueden formar alrededor de este.
Analizado hasta aquí, la temática se entrelaza con holgura, no obstante el novel cineasta peca a la hora de plasmar esa emotividad que expelen los personajes y como ésta se asimila en la memoria del espectador, ya que su pulso narrativo se funde en terrenos que franquean más hacia los delirios edulcorados por una nostalgia sensiblera y efectista que nubla los confines del raciocinio y que enardecen más los intereses del corazón, desbordando así un apego inconciente de lagrimas porosas, semejantes a las que cualquier fresco de Bouguereau pudiera transmitir y producir con sus suaves y deleitantes colores.

La obra a partir de ahí se mueve más con los planteamientos del Realismo Ruso, hace un gran uso de la descripción, creando una reproducción fiel y exacta de la realidad aunque se desvirtúe en una de sus características, no rechaza el sentimentalismo. La cinta empieza a ser un mero bosquejo de la idea original, la intención se va disolviendo en emociones efímeras que transgreden las almas de estos dos hermanos, y la ruta de escape se convierte en una puerta tosca e insustancial por donde viajan canales de: ira, temor, amor, sexo, desquite y adrenalina.

Continuo crítica en Spoiler sin develar nada de la trama