La propuesta de José María de Orbe según declaraciones en el festival de San Sebastián persigue una búsqueda casi personal: encontrar la identidad de la casa del propio director. Hay en Aita además de los pocos personajes que transitan con un diálogo casi espontáneo, verdaderos descansos ante el estado contemplativo, un personaje que se erige como protagonista absoluto: la casa. Es en ella dónde el director invierte todo su arte narrativo, en cada ángulo, en cada plano. Cada rayo de luz que irradia por los robustos ventanales parece querer enfocar un nuevo aspecto, intentando una conexión emocional difícil de lograr.

No hay nada espontáneo, todo resulta buscado, medido para encontrar un diálogo con un espectador que en ocasiones se muestra esquivo ante tanto esfuerzo. No es extraño que la propuesta estética haya tardado tres años en cristalizarse, pendiente de captar cada momento, traducido en una belleza estética patente desde cada toma, y en una lograda fotografía.

Sólo cabe cuestionar si compensa en el espectador el estado contemplativo requerido y si el personaje al que hemos optado por perseguir tiene el tirón suficiente para poder sostener su interés durante los minutos del metraje.

En mí opinión no. Es lo que tiene innovar con la selección del reparto...

Descarnada plasmación del dolor que supone el amor y el desamor y magnífica recreación de los efectos colaterales que conlleva en el entorno más próximo.

Con un sello fílmico fiel a Bergman, Liv Ullmann logra sumergirnos en el yo más íntimo de los personajes. La manera de adentrarnos consigue penetrar en lo más profundo de los sentimientos a través de un estilo que toma prestadas técnicas teatrales.

El juego del demiurgo que se conmueve por el dolor de sus criaturas, sirve de punto de partida para recrear la historia con un desgarro cercano y a la vez dramático. El espectador se convierte así en testigo de excepción de una confesión, que va desgranando sin ahorrar en detalles los más complejos impulsos de la naturaleza humana.

Creo que la disección resulta reveladora y muy efectiva. Magnífica película.

El director danés Bille August presentó a concurso en el 62 Festival de Cine de San Sebastián esta propuesta, Silent Heart.

Bille August vuelve al drama en una historia, con carpintería teatral, en la que una familia se reúne un fin de semana, tras aceptar que su madre ponga fin a su vida, antes que su estado de enferma terminal pueda impedirlo. Es un tema ya abordado por otros directores, aunque de su mano nos acercamos con verosimilitud al entramado de emociones que supone la aceptación de un hecho impactante y de difícil gestión. La evolución de las hijas, contradictoria y bien recreada, nos muestra el lado humano del drama, y nos hace cómplices de la defensa de la dignidad que hay detrás de un difícil consenso.

Cerrada ovación del público de San Sebastián conmovido por la recreación de la escena, unas buenas interpretaciones, y una historia que perdura tras el cierre del telón.

Presentada de la mano de su director Rodrigo García en San Sebastián, fuera de competición. En ella el director, acompañado nuevamente por Glenn Close, ya lo había hecho anteriormente en Cosas que diría con sólo mirarla y Nueve vidas, pretende recrear una historia centrada en la sociedad victoriana del siglo XIX. Su retrato de personajes muestra la profundidad a la que nos tiene acostumbrado el director, y concretamente la encarnación de Glenn Close como Albert Nobbs, una mujer que se hace pasar por hombre, resulta sorprendente y conmovedora. Sorprendente por la contención con la que es capaz de reencarnar su complejo y atormentado personaje. Conmovedora porque no deja de ser una historia de supervivencia, ante los imperativos de una sociedad que obliga a renunciar a lo más íntimo del ser humano: su identidad.

No podemos menos que alabar el talento de la actriz para conmovernos y hacernos cercano un personaje, que nos resulta lejano en el tiempo, pero que a la vez nos recuerda la historia de tantos otros seres, que hoy todavía dos siglos después permanecen invisibles y siguen soñando poder vivir su propia historia.

Con un prisma un tanto naturalista y con pinceladas de Begman, François Ozon nos sumerge en esta ocasión en la historia de una mujer y en un momento muy concreto de su vida: el embarazo.
El naturalismo del director parte en un inicio de una premisa que creía indispensable: escoger a una actriz embarazada en la vida real. Es así como Isabelle Carré afronta un papel complejo por el paralelismo que guarda con su propio momento vital.
Sin un compañero con quién compartir la experiencia y recurriendo a un tratamiento de metadona paralelo el embarazo se aleja de los tópicos. Es una maternidad no buscada y no entendida como obligado sacrificio con el binomio dolor/ alegría. Se acentúan al contrario otros aspectos como la sensualidad.
En el personaje habrá momentos de miedo, de soledad e incertidumbre. La figura de Paul logrará llevar al refugio un poco de luz y calidez. El contacto con otro ser humano afín les lleva a un cobijo emocional único. Esto le hará la espera más cálida y sobre todo comenzar a albergar esperanzas.
Se trata de sondear en una experiencia que como tantas puede teñirse de tantos matices como tiene la condición humana.