Lo primero que debemos saber antes de ver la película es que más que una pelicula, valga la redundancia, es una fábula o cuento infantil sobre princesas y príncipes. Así lo ha dicho la propia directora, ella quería hacer una historia como las que le hubiera gustado leer de niña; es por ello que nos encontramos una película que aunque se ubique en el futuro - por alguna pantalla pantalla futurista o por algún coche que vuela - la historia nos transmite la sensación de que podría haber ocurrido en fechas lejanas o incluso haber leído algo similar cuando éramos pequeños.

Con la ópera prima de esta directora encontramos un producto más efectista que eficaz, se lo juega todo a una carta -la imagen y la estética- y encontramos un producto elaborado por una parte pero, desangelado y débil por otra distinta.

LO BUENO:
-LA FOTOGRAFÍA, AMBIENTACIÓN Y VESTUARIO:
Es sin lugar a dudas lo mejor de la película, lo que hará que te quedes embobado viéndola y no será por otras cosas créeme... No se por cual de las tres empezar... lo haré con la fotografía que es la primera que he escrito.

En este aspecto encontramos planos lejanos de la isla que intenta producirnos esa 'asfixia' que siente la protagonista en aquella isla, también utiliza planos largos con recorridos de cámara que son sin duda de gran calidad. Además se utilizan colores rosas, morados, blancos impolutos, se destaca esos setos verdes y esa perfección a simple vista, como he comentado antes nos teletransporta a cuentos clásicos y relatos fantásticos eso sí no es demasiado original... luego diré el porque.
La ambientación también brilla, el 90% de la película transcurre en esa bella e idílica isla que se coloca como uno de los puntales de Paradise Hills; eso sí, no solo hablamos de la isla sino de las habitaciones interiores, los pasillos con vegetaciones y esas construcciones que parecen escaleras de Escher. Mezcla el estilo barroco y victoriano con los que nos lleva al pasado.
Y por último el vestuario, destacando sobre todo los vestidos blancos barrocos que llevan las 'madames' -como dicen los moñas de los trabajadores de la isla- que intentan dar la imagen de virginidad y pulcritud. Pero sería un error quedarse solo con eso, cabe destacar los vestidos que se encuentran en la primera toma (la boda de Uma) sobre todo el suyo, el pomposo y artesonado vestido que lleva una especie de máscara de alambre y también los trajes que luce la duquesa en la isla, todos decorados con flores y colores pastel.
Allice Waddington toma referencias sobre todo en el vestuario en la película La celda (2000) de Tarsem Singh, destacando el vestido de boda. Como se ha comentado antes muy currado este apartado (se agradece) pero esto no puede marcar toda la película

-LAS ACTUACIONES
Parece mentira que con un presupuesto ajustado -cercano a los 10M$- hayan podido formar un reparto principal tan impactante. Por un lado Emma Roberts una actriz que a mi me encanta y pienso que se le deberían dar mejores papeles, parece mentira que sea hija de Eric Roberts con lo bien que lo hace esta chica y por otro lado, Mila Jovovich que aquí no hace de mujer fuerte mata zombis demostrado que tiene vida detrás de Resident Evil, que es buena actriz y ya de paso que también esta desaprovechada. La primera plasmará muy bien la idea de chica rebelde que quiere romper con lo establecido y bastante inteligente; la segunda dará ese toque malo y perverso que se espera de ella (aunque luego hay una escena que le lastrará el papel pese que no sea culpa suya, tranquilos lo diré después) aunque quizás esperará mayor presencia de la ucraniana.
El resto del reparto cumple bien pero cabe destacar a Eiza González que se marca una actuación seductora y sensual, no la conocía y me la apunto para otras películas.
En el lado malo de la balanza tal vez destacaría a el tal Jeremy Irvine que pone una cara de no enterarse de que va la película, aunque tampoco molesta el chaval.

-EL GUIÓN
En una película no es todo purpurina ni 'brilli-brilli' y este es el principal problema de Paradise Hills, han preparado un envoltorio muy bonito pero el regalo que hay dentro no es nada del otro mundo (siendo benévolo). El guion esta escrito en gran parte por el conocido Nacho Vigalondo que parece que no tuvo su mejor día. La historia es predecible aunque es cierto que el final tiene un pequeño giro interesante pero el resto es prácticamente lo que se esperaría, durante la película tendrás en mente dos posibles desarrollos (ambos con consecuencias similares) y uno de ellos es el que eligió la directora. Me ha recordado en este aspecto a Fractura (2019) de Netflix - no por el tema que no tiene que ver pero si por las formas- aunque he de decir que la que hoy nos ocupa tiene mejores condiciones: la factura técnica y el reparto.
La película se centra mucho en la relación romántica de la protagonista -no me refiero lo que ocurre con el personaje de Eiza, sino con el supuesto enamorado de la Uma- que siendo sincero no es que aburra pero si que hace que dejes de prestar toda la atención necesaria a la trama (SPOILER 1)

-LA LAMENTABLE ESCENA: (SPOILER 2)

Paradise Hills es una película que tiene una buena idea pero que no funciona como debería, la lastran un guion que no está bien cocinado y algunos otros errores como los efectos -el CGI- pero que tiene bastante a su favor: fotografía, efectos, sonido... El primer intento de Alice Waddington no es para nada perfecto pero se avista una gran directora o por lo menos una que tiene las ideas claras. Tiene que aprender de sus errores y mantener las fortalezas y si lo consigue podemos estar ante una de las mejores. Así que a la pregunta de qué hacemos con ella.... dejar que crezca en el mundo de cine y madure, su próxima película es Scarlet que debe salir en este año (aunque como estamos ahora nunca se sabe) y tendré ganas de verla siempre que me atraiga la idea.

¡CRÍTICA COMPLETA EN MI BLOG!... y muchas críticas más....

David Cronenberg es uno de esos directores que sabe darle un toque único a todos sus productos, y que sabes que cuando le das una oportunidad a alguna película suya seguramente te sorprenderá y te dará lo que esperas de ella.
La Mosca es realmente una adaptación o remake de una cinta original del mismo nombre de finales de los años cincuenta, pero aquella cinta era un producto de serie-B de los de aquella época, contaba con muy pocos recursos y con un estilo totalmente desfasado hoy en día ya en los años donde surgió la que hoy nos ocupa. El director de Inseparables decidió darle una vuelta al producto original, así pues el maestro del terror corporal proporcionó un toque macabro, bizarro y chocante a una base más conservadora.

El inicio del filme será rápido y conciso, el canadiense no se anda con rodeos y ya nos presenta al científico conociendo a la joven periodista, que será invitada a su extraña casa-taller de experimentos a modo de cita pero a su vez para al fin poder descubrir el pastel a alguien. A partir de este encuentro veremos está unión amorosa acaparando prácticamente la totalidad de los minutos de pantalla.

Todo parecerá ir sobre ruedas hasta el momento clave, donde Seth alocado por los celos y la ira se introducirá en el teletransportador con la adorable compañía de una mosca. Esto en principio no debería ser un problema, pero producirá una fusión celular entre él y el pequeño animal, siendo pues una macabra cobaya de pruebas de como alterar el ADN no es una gran idea...
De este modo seremos partícipes de una metamorfosis en la propia piel y mente de Seth Brundle, el científico pasará a convertirse en un híbrido genético entre un ser humano y una mosca común, este ser se llamará 'Brundle-mosca'.
En primer lugar Seth se sentirá más fuerte, ágil y decidido que nunca, esto lo convertirá desde el primer segundo en una persona diferente; de retraído y algo extraño a ser decidido muy echado para alante y demasiado arrogante. Posteriormente lo veremos pasar por una especie de fases del duelo, desde el drama y la ira hasta la aceptación y por fin reconocimiento de que ya no hay vuelta a tras; esta transformación lo convierte en un nuevo ser totalmente alejado de la mente de un humano real.

Todo esto será más sencillo gracias a un trabajo sobresaliente de Jeff Goldblum, el actor de Pensilvania nos entregará sin duda una de las mejores interpretaciones (si no la mejor) de su carrera. El entonces joven actor conseguirá ejecutar de forma casi perfecta la evolución del personaje, ya solo verlo abandonar el segundo teletransportador con una imagen muy diferente al científico que entró en la primera es síntoma de la seriedad que supo darle al papel. Es cierto que ayuda mucho la excelente caracterización de la mutación pero es de alabar el trabajo del actor de Jurassic Park.
Aparte del protagonista encontramos a una joven Gena Davis, por entonces una actriz muy poco reconocida que había audicionado al papel al ser pareja de Goldblum, que despegaría tras la participación en esta cinta. Su trabajo no será ni de lejos tan sensacional como el del doctor Seth, pero mostrará una muy buena actuación como pareja atormentada por la evolución de su nuevo amante.
De este modo contamos con John Getz para el papel de su ex, representación muy fiel a lo que entonces se llamaba ser un 'yupie', un joven con dinero que tenía un buen puesto y tenía una actitud decidida y atrevida. Si bies es cierto que el actor de Sangre Fácil no tuvo una gran carrera consigue aquí un trabajo bastante sobrio; es curioso como al comienzo del filme lo vemos como un personaje detestable y acaba siendo una persona bastante digna y comprometida, caso contrario al cada vez menos humano Seth Brundle. El resto del reparto lo conformarán no muchos actores dejando en un puñado de secundarios sin demasiada participación, algo similar a los escenarios utilizados.

La mayoría de la película trascurrirá en el laboratorio-casa de Seth, será una especie de edifico de ladrillos ubicado en el exterior de la ciudad de aspecto bastante apagado y oscuro, tendrá un toque frio e impersonal viéndose pues como un lugar centrado en el trabajo en vez de ser una vivienda como la de Verónica. El resto de escenarios son limitados a restaurantes, clínicas, alguna escena exterior y el edifico donde trabajan la joven y su editor. Este tendrá una estética muy retrofuturista, con grandes ventanales y ángulos agresivos, dando una imagen a la típica morada donde encontramos al personaje antagonista en multitud de películas y series.

Acerca de la fotografía encontramos un notable trabajo -como es muy habitual en las cintas de Cronenberg- de Mark Irwin sabiendo sobre todo teñir de diferente manera las escenas según el momento de la película. Veremos colores más cálidos y neutros al inicio pero en cuanto va avanzado la mutación de Seth-mosca se volverá más frío y oscuro todo, de igual manera los exteriores de la vivienda del científico se verán siempre muy apagados y diferenciados del resto de estancias queriendo distinguir este lugar como si fuese otro mundo aparte de la realidad del mundo. Realmente el terror y el drama tan solo existente a penas para los tres personajes principales lejos del resto de población.

SIGUE EN SPOILERS POR FALTA DE ESPACIO...

-VALORACIÓN FINAL:

Obra culmen del llamado body-horror del cual sin duda David Cronenberg su máximo exponente, es una de las cintas más reseñables de los ochenta y un ejemplo de como hacer una remake de una cinta anterior mejorando lo existente. Aparte del talento del realizador canadiense destaca la actuación de Jeff Goldblum pasando de un joven científico a un ser abominable, de igual modo la factura técnica es sensacional con un gran detalle de las estancias escogidas. La Mosca es un espectáculo bizarro y llamativo pero que sabe abrirse a diferentes públicos no quedándose solo en el camino de cine independiente, no cabe duda que ahora no veremos las moscas de la misma manera...

Cuesta mucho encontrarnos hoy en día productos tan completos y que sepan destacar en todas las áreas como lo hace la serie que hoy nos ocupa. Carnivàle es un drama pero que a su vez contiene muchos géneros y subgéneros diferentes.

Encontramos sin duda una gran base fantástica, una road-movie incluso toques importantes de western y de terror. Sin lugar a dudas si tuviera que catalogar la producción de HBO de alguna manera sería de realismo mágico. Si, suena extraño, realismo mágico como las novelas de Isabel Allende (por ejemplo) pero es que la serie sabe entremezclar la deprimente y patética época de la Gran Represión con la magia, representada como una batalla entre el bien y el mal. Daniel Knauf consigue transportar una historia épica casi cien años atrás, transportándonos a un circo ambulante que servirá como pretexto para observar el desarrollo del joven Ben Hopkins. Así pues no estamos ante una serie que trate de forma principal la vida circense en los años 20's, sino que utiliza esta situación para enlazar las diferentes tramas de los personajes.

*PERSONAJES:

Me costaría mucho pensar en una película o serie que cuente con un reparto tan numeroso y que consiga un excelente nivel como hace la que hoy nos ocupa, es muy difícil encontrar un personaje poco reseñable o un actor que realice un mal trabajo. Evidentemente las dos mejores trabajos serán los dos protagonistas -pese que sea una serie muy coral- Nick Stahl (Ben Hopkins) como joven con poderes de sanación que representa el lado positivo; y por otro lado a Clancy Brown como el Hermano Justin, un cura que en medio de una crisis de fe descubrirá al diablo y encarnará al lado negativo de la historia.
El joven texano volverá a demostrar su increíble talento, es un actor muy infravalorado que durante su ya extensa carrera a sabido interpretar tanto papeles de chico bueno (In the Beedrom) como de monstruo sin escrúpulos (Bully).
Clacy Brown por su parte gracias al porte y a su mirada turbia sabrá captar a la perfección a ese papel
tan oscuro, de todos modos ya estaba acostumbrado a interpretar a personajes de este mismo perfil.

Me es imposible hablar de todo el resto del reparto pero a continuación detallaré los más relevantes.
Como director del circo tenemos al enano Michael J. Anderson realizando un notable trabajo fuera de clichés de las personas enanas en el mundo del cine, sólida también sin duda el trabajo de la más reconocida Clea duVall (excelente actriz que sabe dotar de misticismo sus apariciones en pantalla), muy bien de igual manera Tim DeKay como segundo a bordo que ganará peso con el paso de la serie, Patrick Bauchau como medium con un carácter tétrico y oscuro, y bueno por último como olvidar a la familia Dreifuss con trabajos encomiables de Toby Huss, Cynthia Ettinger y de Carla Gallo (recordada también por ejemplo por su papel en Bones).
Aparte detallar posiblemente al personaje más sorpréndete de todo el reparto, Amy Madigan como hermana Aliss, genial trabajo que sabe mostrar la intimidación, el terror y la verdadera psicopatía como hermana del padre Justin.

*FOTOGRAFÍA Y AMBIENTACIÓN:

De igual manera también debo alabar la parte más artística de la serie. En cuanto a la ambientación realizaremos un viaje a través de los Estados Unidos, un viaje a las partes más deprimidas y miserables del país que vivía una inmensa crisis que afectaba sobre todo a las clases más bajas. Nos cansaremos de ver a agricultores, pastores, pequeños empresarios de pueblos y demás gente empobrecida. Aunque la producción se rodará tan solo en el estado de California (sino me equivoco) parecerá un viaje por Texas, Colorado, Nuevo México y Iowa; en este viaje podremos observar esos desiertos secos y áridos detallados por una fotografía con mucho grano que destaca los colores marrones, rojizos y grisáceos. Es hasta hipnotizante recorrer estos paramos donde a veces aparecen tormentas de arena muy frecuentes en aquellos años conocidas como Dust Bowl. Por otra parte también vemos muy bien representados estas pequeñas ciudades de condado y estas ciudades de la California más rural donde el padre Justin busca los adeptos más fieles.

En lo que respecta a la fotografía, aparte de los tonos amarronados utilizados en los escenarios desérticos se unen una paleta de colores muy variada. Los tonos claros nos transportan a un mundo onírico mientras que los tonos oscuros son presentes en esas pesadillas -o visiones- sufridas por el personaje de Ben.
Carnivàle posee un estilo muy a lo David Lynch, un toque muy onírico e irreal que choca brutalmente con una historia que pretende ser realista, es por ello que hablo de realismo mágico en la serie que hoy nos ocupa. Una perfecta conjunción entre un casi-documental junto a algunas escenas con un potente surrealismo.

Finalmente destacar también los vestuarios utilizados en la producción, attrezzo y cartelería. . Y bueno por terminar este punto no quiero dejar atrás la maravillosa banda sonora que nos acompañará en esta road-movie a lo largo de la América Profunda.


(SIGUE CRÍTICA EN SPOILERS)

-VALORACIÓN FINAL:

Posiblemente una de las mejores series que he visto, sensacional obra que sabe entremezclar el drama con la fantasía e incluso con una pizca de terror. Un guion muy sólido de Daniel Knauf que nos transporta a las zonas más rurales en la época de la gran depresión. La serie contará con uno de los mejores repartos corales que he visto nunca, destacando a Nick Stahl, Clacy Brown o Clea DuVall entre otros, a su vez una fotografía y ambientación sumamente cuidadas colocan a Carnivàle como una de las mejores series sin duda de HBO. Lamentablemente el final no le hace justicia, ya que fue cancelada antes de tiempo, pero de todos modos es una serie muy recomendable que conseguirá sorprender a la mayoría del público.

Cuando consigues que en proyecto aparezcan grandes nombres de la industria y además les das libertad creativa suelen crearse grandes productos; hoy estamos ante uno de estos casos, y es que contamos con grandes maestros que consiguieron crear una de las mejores películas del siglo pasado.

En el guion contábamos con un poco experimentado -en aquel momento- Andrew Niccol que llevaba dándole vueltas a un guion para poder adaptarlo al cine varios años a la espera de encontrar un director idóneo, ya que Paramount pensaba que era demasiado novato para asumir la silla de director. Entonces tras proponer nombres muy potentes como De Palma, Spielberg e incluso a Cronenberg, optaron por Peter Weir. Aunque me hubiese encantado ver lo que podrían haber, el realizador australiano supo darle un toque muy diferencial y adaptó la obra creada por Niccol para que no fuese tan oscura como estaba planteada.
Por otro lado contamos con la presencia de Jim Carrey como protagonista, actor que también dio ideas a guionistas y director sobre su personaje y por el cual Paramount esperó a realizar el film ya que tenía compromisos previos.

Hay que tener en cuenta que a finales de los noventa los reality shows no estaban tan de moda como lo estuvieron a principios de este nuevo siglo, Gran Hermano surgió en el año 2000 y junto a él Supervivientes, Las Kardashian y toda esta caterva de programas (de para muchos entre los que me incluyo yo de telebasura). Es cierto que antes del estreno de esta película ya se estrenaron realitys pero el boom llegó después. Por otro lado últimamente se ha abandonado ya la TV tradicional y han ido apareciendo los streams en por ejemplo Twitch, donde puedes ver a personas en directo durante muchas horas al días, es cierto que es mucho menos radical a lo mostrado en la cinta.

Uno de los puntos principales que tiene El Show de Truman es la habilidad que tiene para generar debates acerca de su visionado ya sean estos psicológicos, filosóficos, políticos o hasta morales. Y es que durante 100 minutos nos meteremos en la vida de Truman, vemos como sus amigos y familiares le mienten a menudo y de como el protagonista sigue feliz sin conocer la realidad. Lo observaremos trabajando, estudiando, disfrutando de la vida, de una vida de cartón piedra donde la gente que lo rodea lo hace por un contrato y no por cariño. Todo parece ir de seda para Christof y los productores del programa hasta que un foco (perteneciente a una de las falsas estrellas) se cae. Esto será irónicamente la bombilla encendida para Truman que a partir de aquí irá viviendo y recodando momentos que le harán querer escapar de Seahaven.

Uno de los pilares que consiguen que nos traguemos lo visto en la película es sin duda Jim Carrey. Conseguirá crear el perfecto equilibrio entre comediante y actor dramático, aquí nos alejamos de Dos Tontos Muy Tontos y similares, Carrey demuestra que es un excelente actor. Su trabajo funcionará a las mil maravillas, parecerá más un personaje de sitcom de los ochenta o noventa -humor blanco para toda la familia- que evidentemente se refleja en el titulo de la cinta
En el otro bando Ed Harris como comentaba realizará un trabajo excelente como director de cine con muy poca ética y con un enorme ego, se me viene a la mente gente como Lars Von Trier. Lo veremos muy cínico y frio importándole muy poco la vida del verdadero Truman engañándolo y falseando su vida y forzándolo a seguir dentro de la cúpula de Seahaven. Muy interesante ese nombre de Christoff, referencia a Dios (Cristo) y ese off que recuerda a una voz en off o alguien que esta fuera controlando todo lo que sucede

Por otro lado encontramos también a una siempre competente Laura Linney como entregada esposa del protagonista, la veremos como una típica mujer de revista de publicidad, todo se sentirá forzado, falso y preparado. Estaremos ante un notable trabajo ya que ella misma interpretará a una actriz actuando como esposa real de Truman, la veremos sobreactuar y colocar productos del hogar como si fueran anuncios del Lidl.
El resto del reparto lo conforman rostros como Holland Taylor -mítica Evelyn Harper en Dos Hombres y Medio-, el secundario de lujo Paul Giamatti, el mejor 'amigo' del prota Noah Emmerich y la verdadera amante de Truman Natascha McElhone.

El escenario funcionará como un personaje más, la isla de Seaheaven será el único hogar para el protagonista. La decoración se basará en el sueño americano de los años cincuenta y sesenta, las viviendas serán típicos chalets con césped perfectamente cuidado y se respirará una calma insuperable. El resto de la ciudad contará con el mismo tono y la misma falsedad, todo se verá como un decorado para televisión como un lugar muy impersonal.

En lo que respecta a la fotografía destacan en general los colores claros y pastel, utilizando una iluminación bastante clara. Se dará fuerza a los colores chillones y llamativos del vestuario sobre todo del de Truman.
Por otro lado la banda sonora también consigue generar una calma infinita hasta el momento del estallido, la conforman diferentes melodías de música clásica sobre todo con sonidos de piano. Funcionará más como una especie de hilo musical que acompaña a la emisión de un programa de TV.

CONTINUA EN SPOILERS POR FALTA DE ESPACIO...

-VALORACIÓN FINAL:

Obra maestra de los noventa que consigue mezclar un mensaje fuerte y crítico con un espectáculo muy divertido, si no me falla la memoria fue la primera película que demostró que Jim Carrey no es solo un payaso para comedias. Peter Weir supo adelantarse a lo que vendría unos años después dejando un producto muy original que es muy difícil de repetir en tiempos actuales donde cada vez vemos filmes más básicos y repetitivos; genial también la fotografía, ambientación y un excelente guion de Andrew Niccol, sin olvidar las actuaciones de entre otros a Ed Harris. Ojala más cine como este que ha conseguido quedarse en la cultura popular.

CRÍTICA TAMBIÉN EN MI WEB

El género del terror en España hasta el inicio de este siglo era algo bastante desconocido, tuvieron que llegar Amenabar con Los Otros y compañía, venir de Hollywood Guillermo del Toro y aparecer Jaume Balagueró y el que hoy nos ocupa Paco Plaza para elevar el nivel de este género.
La abuela es una cinta que pertenece a ese grupo de cine de terror costumbrista, que además viene con un mensaje muy claro, utiliza un terror más psicológico que de sustitos y efectos de cámara cosa que se agradece y bueno también busca generar una atmósfera malsana. Así pues aunque no funcionen ninguna de estas dos máximas a las mil maravillas, se ha intentado hacer algo diferente a la mayoría de cine de terror actual.

-LO BUENO:
*La factura técnica:
Cuando estamos ante una producción de bajo presupuesto, la de la cinta de hoy se ha estimado en solo 5 millones, es muy importante apoyarte en la fotografía, ambientación, sonido etc. para darle un toque distintivo y de calidad a tu producto. En La Abuela encontraremos justo esto, una muy buena fotografía, una gran BSO y una más que correcta ambientación.
La cinta se ubica en gran medida en el apartamento de la anciana, donde la protagonista vivirá su infierno personal. El hogar estará decorado de forma tradicional, como podría ser cualquier vivienda de una persona de esa edad y aunque es un buen trabajo se podrá haber intentado ir un poco más allá como por ejemplo haber utilizado colores más vivos como si se tratase de un giallo, que en cierta medida toma ciertas cosas de ese subgénero.
En lo que respecta a la fotografía se utilizan muchos planos fijos y algún que otro plano secuencia, pero es más en la forma en la que se centra en determinados objetos como en el papel pintado, la matrioska o los espejos, todos ellos con su simbolismo. También hay que alabar que aunque a menudo se utilicen tonos oscuros y se esté en plena oscuridad esta no haga que no se pueda visualizar bien la película, parece una tontería pero últimamente esto pasa bastante y al menos a mi no me gusta nada...
Finalmente destacar la BSO, con unas melodías y canciones populares que siempre dotan de ese toque macabro o malrollero, pese a que realmente lo que más me ha llamado la atención es lo bien que esta ensamblado el sonido.

*El mensaje:
No hay que buscarle los tres pies al gato, este mensaje será muy claro. En la producción española se hace constantemente referencia al paso de la edad y como afecta a las personas, no tanto en la anciana sino más en la protagonista que es modelo, en ese submundo la edad no es solo un número es en muchas veces la fecha de caducidad -por así decirlo- de la gente. Paco Plaza consigue realizar una crítica muy sólida al mundo de las pasarelas, hay una escena que lo ejemplifica muy bien, cuando vemos a la prota delante de una marquesina de publicidad donde la vemos mucho más joven y arreglada de lo que realmente aparenta en la vida real.
De igual manera podemos encontrar una crítica al trato que reciben las personas mayores, que son apartadas por la sociedad y olvidadas muchas veces por sus propias familias. De todas formas este segundo mensaje no consigue funcionar por culpa del desarrollo del filme (poco más puedo decir de esto sin hacer spoilers, aunque supongo que si la has visto sabrás a que me refiero).

*El terror utilizado:
Harto del típico terror basado en sustitutos (jumpscares), subidas de volumen y demás recursos baratos que tanto se pueden ver en estos últimos años, la cinta española consigue salirse de esa vía e intentar algo diferente. Encontraremos un terror psicológico más típico de Polanski (evitaremos hacer comentarios de su persona), Stephen King, Ari Aster etc. que es de agradecer, eso si salvando claramente las distancias. Se intentará generar claustrofobia e incomodidad de estar dentro de esas cuatro paredes, cosa que funcionará en parte y dependiendo de la parte que estemos del filme.
Sin embargo le faltará ir más allá y regalarnos con escenas más sorprendentes que podamos llegar a recordar, destaco los sueños de la nieta que si consiguen inquietar al menos a mí.
Desgraciadamente no conseguirá ser una película terrorífica aunque no se si esto será más culpa del director valenciano o del señor guionista Carlos Vermut, que lamento decir que no estuvo demasiado acertado aunque como digo no se si cargarle el muerto de la falta de terror por el ritmo tan leeento... De esto hablaremos ahora mas adelante tranquilos...

-LO MALO:
*Predecible (SPOILERS)

*El ritmo:
Creo que en alguna de las últimas críticas que he hecho comentaba algo muy parecido que se puede extrapolar a la película de hoy, parece ser que ahora las cintas tienen que durar 2 horas o al menos acercarse a ese número sino ya baja la calidad; y en realidad muchas veces es al revés.
La Abuela tiene muchas pausas alargadas y un ritmo demasiado lento que lo hace bastante aburrido, más si cabe si como he dicho antes es todo bastante predecible. Es cierto que en ocasiones con estas pausas se busca mantener una atmosfera o darle un aire 'importante' al producto pero en la película española esto no ocurre y se convierte algo (tampoco mucho) desesperante.

*Almudena Amor:
Según he podido ver en algunas críticas este punto negativo no se comparte demasiado pero es que a mi la actriz escogida para el papel principal no me transmite nada, la veo demasiado sosa, desconozco como es ella como actriz. Otro problema que encuentro es la dicción en los diálogos, suena algo 'vago' al hablar y poco entendible, espero que a lo largo de su carrera vaya mejorando. Pienso en cualquier actriz media -no digo ni siquiera muy buena- en su mismo papel y veo que su trabajo sería mucho mejor, por ejemplo Katie Holmes, Kate Hudson o (inserte nombre de actriz de gama media)...
La otra cara de la moneda es Vera Valdez que estará esplendida será la estrella de la película.

SIGUE EN APARTADO SPOILERS: