Eloy de la Iglesia siempre tuvo mano para retratar los ambientes urbanos más sórdidos y oscuros de las grandes ciudades españolas, de eso no hay duda. En esta ”La Semana del Asesino” lo vuelve a demostrar otra vez contando la historia de Marcos, un carnicero que por circunstancias de la vida se transforma en un asesino en serie. Un primer asesinato un tanto fortuito es seguido por una cadena de homicidios a cuál más bárbaro y sangriento. Básicamente este es el argumento de un film que poco más aporta en un guión más simple que el mecanismo de un sonajero.

Sin embargo, es en la ambientación, en los detalles, donde de la Iglesia consigue hacer de su película una muestra muy importante de su dilatada filmografía. La puesta en escena, los continuos cambios de música, la oscuridad que envuelve la casa de Marcos (donde se producen los asesinatos) en contraste a su presencia entre los grandes edificios de apartamentos de las afueras de Madrid, la aparición del perro como animal carnívoro (y lo que ello supone) o simplemente la perfecta actuación de Vicente Parra, convierten la película del cineasta vasco en un buen retrato de thriller español de los setenta.

La presencia siempre perturbadora de Poncela y algunos detalles cachondos para la época (el perro de Poncela se llama Trotsky, recordar que es 1972) también le dan un toque más de interés a esta película del género “kinki” y subgénero “cutre” pero que se ríe de las mil y unas patochadas que se estrenan cada año en este país. Y es que antes, incluso en aquellos complicados tiempos, había un estilo; por lo menos Eloy lo tenía y lo ejercía.

Que un tipo como Errol Flynn fuera capaz de interpretar a otro como Wade Hatton habla de la desfachatez y la poca vergüenza del personaje. De Errol, claro. Me gustaría saber cómo fue la propuesta de Curtiz y de la Warner: “oye Errol ¿quieres interpretar a un vaquero que se mete a sheriff y que acaba con el alcohol, el juego y las mujeres de una ciudad pionera del far west?”. Supongo que Errol pensaría que mientras no se lo exigieran en la vida real pues él encantado. Así podría seguir “golpeando el piano” y siendo el rey de las noches hollywoodienses.

Porque luego Errol era un gran actor. De los carismáticos. Y si tenía a su “niña” Olivia al lado pues mejor. Ambos, juntos, brillaban como muy pocos. Muchísima química y compenetración la de dos actores que con su sola presencia llenaban la pantalla. Y eso que no hacía demasiada falta porque estamos ante una film colosal, que no ahorra en medios de producción, ni en vestuario, ni en escenarios, ni en extras…ni en nada que minimice en un ápice el estilo del director, de los estudios y de la época. Además, está adornada con la espectacularidad del Technicolor para darle al film una dimensión pictórica inigualable y para regalar estampas de esas que no se olvidan.

Y es que esos colores…hacen de las puestas de sol, de las siluetas, de las infinitas praderas, de las peleas de salón, de los interminables rebaños o de un simple riachuelo donde Olivia recoge agua, algo espectacular, vivo, lleno de pasión y que respira cine por todos sus poros. Luego está la idealización y demás tópicos wensterianos (que a mí me encantan, claro) que indudablemente hacen su aparición. Pero es que esto es Curtiz, Errol y Olivia. Cine de después de comer, para ver con una sonrisa en la boca y para imaginar disfrutándola en un sala de cine con una súper pantalla, con la música de Steiner atronando, y pensar: ¡qué grande es el cine!

El guionista, productor y director televisivo David Hollander debuta en la gran pantalla con una cinta que se caracteriza principalmente por la cantidad de temas de difícil tratamiento que plantea y que pone en juego. Lo hace además alrededor de dos actores de muy diferentes generaciones cosa que en algún momento de la cinta, sobre todo al principio, suscita alguna que otra duda.

La venganza, la adapatación a la sociedad de chicos con dificultades físicas y mentales y con una infancia complicada, las relaciones entre personas de muy diferente edad, la validez de ciertos mecanismos de funcionamiento del sistema jurídico, la superación de pérdidas irreparables de una forma violenta, la presencia de las armas de fuego en la vida diaria de los americanos...todas estas disyuntivas, y alguna más, pululan alrededor del encuentro de Linda y Walter. Sin embargo todo empìeza a funcionar cuando una excelente Pfeiffer y un notable Kutcher se combinan. En este momento Hollander centra su cámara, sus sonidos en una relación que personalmente creo que deprende un halo de encanto y que alcanza su cima cuando Linda toma las riendas del asunto momento para el cual, de una manera u otra, todos queremos ser Walter.

Así que superado ese momento inicial denso de la cinta donde Hollander prentende ahondar en tanto y además al mismo tiempo, la película se ve bastante bien y se termina disfrutando del encuentro de esas dos personas tan marcadas por unos acontecimientos fatales y que juntas consiguen superar esa fragilidad e inseguridad en la que se habían establecido sus vidas. Lo mejor: el final y los siempre increibles ojos azules de Michelle Pfeiffer.

Intensísima representación de la locura y la maldad humana la que nos regala el director alemán Curtis Bernhardt a través principalmente de una maravillosa representación de la siempre increible Joan Crawford. Con un estilo marcadísimo, unas sombras que hablan por sí solas y un guión bastante sólido estamos ante una cinta que causará bastante sorpresa a aquellos que la disfruten por primera vez.

Con un comienzo tan espectacular como enigmático, tan inolvidable como desconcertante, Louise Howell (Joan Crawford) aparece en la pantalla deambulando por unas vacías calles de Los Ángeles y apoderada de una locura a la que dará explicación en un tremendo flashback. Repito. Los primeros quince minutos son memorables y creo que solo con eso Joan Crawford se ganó una nominación a los Oscars. A partir de aquí da comienzo el relato de los hechos donde un muy notable Van Helfin, como siempre, da vida a el ingeniero David Sutton por cuyo amor Louise Howell pierde completamente la razón. Personalmente no encuentro una gran química entre los dos pero no hace falta ya que, sin duda, es compensado por la gran clase de ambos actores.

La película cuenta con unas cuantas licencias narrativas bastante interesantes, no muy abundantes en la época y que acercan por momentos la trama al miedo, a la tensión psicológica y porque no al terror. En el spoiler me referiré a ellos por el hecho diferencial que representa con otro cine contemporáneo como el de Tourner, Lang o Siodmak. Por otra parte, la música acompaña con tremendo acierto y tampoco olvidar una gran caracterización de Crawford además de una maravillosa puesta en escena durante toda la cinta.

Con un gran tramo final estamos ante una de las mejores representaciones de la locura y enajenación mental hecha hasta la fecha en Hollywood con una Joan Crawford estelar. Para mi gusto y junto a "Una Vida Robada" (sus dos primeros largometrajes en América) las dos mejores obras de Curtis Bernhard. Ésta para no perdérsela.

Primera aventura americana de la directora danesa Susanne Bier con una película que rebosa drama por todos sus poros. Bien contada y con un buen ritmo narrativo, recurre en el comienzo de la cinta a flashbacks para introducir al espectador en la historia. Protagonistas golpeados duramente por la vida y reflexiones sobre la superación de momentos difíciles completan un guión en cierto modo atractivo.

Pero la película es Benicio del Toro. Superior a todo el resto de aspectos del film Benicio se arriesga con un papel que, y a estas alturas de su carrera, no deja de ser un reto artístico. Y es un reto porque el traslado ante la cámara del comportamiento y sensaciones de un heroinómano no es nada fácil. Y no siempre sale bien. Hay muchos ejemplos. Sin embargo para Benicio supone otra afirmación más a lo gran actor que es. Su interpretación es magnífica. Su caractarización también. Sus pausas en sus palabras, la profundidad de su mirada, sus gestos faciales y corporales reflejan exactamante el papel que desempeña. Mientras Halle Berry se limita a casi repetir sus actuación en Monster Ball quedando muy por debajo de su compañero en cada instante. Nada nuevo.

Drama, esperanza, recaida, aceptación y recuperación, por este orden, se suceden en en una historia dura, por momentos sensiblera y con una Benicio del Toro que destaca por encima de cualquier cosa. Bravo Benicio.