*Secretos familiares

El debut cinematográfico de Carlos Marbán viene marcado por su género predilecto, el terror. El realizador cuenta con experiencia en este ámbito, gracias a su trabajo como cortometrajista. Con Herederas va un paso más allá, pero siendo consciente de las limitaciones presupuestarias con las que cuenta, por lo que desarrolla una historia que logra evolucionar sin problemas. De esta manera, hace de la cotidianidad su principal escenario para revolverlo y explotar esa vertiente de horror en un ambiente que puede resultar conocido para el espectador. Las mejores partes de la película son las que aprovechan al máximo el suspense, convirtiéndose en una carrera contrarreloj para una de sus protagonistas. Asimismo, el misterio que deja ver en los secretos de la familia, podría haberse desarrollado algo más, dado que es uno de los principales intereses para el espectador, al igual que la trama de Eduardo.

La relación materno-filial evoluciona con naturalidad, desembocando en un factor de cercanía que sirve como contraparte de la resolución de la cinta. Sin embargo, esa atmósfera costumbrista se expande demasiado en otros personajes que pueden ser más prescindibles, como Rosa. Aun así, también ha sabido introducir tramas que son un perfecto vehículo de oxígeno, como son las dos amigas de Elena. Incluso, en la secuencia de la cena, se respira esa frescura, siendo un perfecto contraste con lo que se desarrolla en la casa de las protagonistas. Por lo cual, se puede ver en la labor de Marbán un potencial interesante, en especial, porque el género de terror no suele estar muy desarrollado en España, por lo que se agradecen nuevos aires para la industria. Con lo cual, esta primera piedra para el director puede ser el inicio de algo todavía superior en próximas producciones.

*Ellas toman el poder

Anna Coll Miller y Alma J. Cerezo son las dos principales actrices de Herederas. Para comenzar, Coll Miller demuestra tener una forma de interpretar muy natural, al mismo tiempo que va cincelando el personaje a su favor para hacerlo suyo. Por lo cual, lo que, inicialmente, podría haber sido un riesgo, el ser madre, finalmente, logra darle verosimilitud. Además, está fantástica en su rol de Scream Queen, dando poderío a esa vorágine de violencia. Incluso, se puede decir perfectamente que su mayor fuerte se halla en estas secuencias. Por su lado, J. Cerezo todavía tiene una madurez interpretativa pendiente de explotar, por lo que no llega a entregarse totalmente a la película. A pesar de sus buenas intenciones, hay partes en las que se queda a medio gas. Aun así, se valora que para su edad haya sabido manejar la tensión y el peso dramático que le exige el personaje.

No son pocos los actores de reparto que forman parte de la película, aunque destacan, por su importancia en el film, varios nombres concretos. El primero es el de Jordi Rubio Bonet, el cual da vida al padre de esta peculiar familia. En lo poco que se puede ver en la cinta, se aprecia una naturalidad jovial tierno, aunque no le permite ir más allá de esta primera impresión. Después, Chema Coloma se mete en la piel de Eduardo, mejor amigo y compañero del padre. En sus escenas hay esa atmósfera de misterio, aunque pronto se alumbra con la esencia agradable que desprende el actor. Sin embargo, desde el guion, podría haberse desarrollado más su personaje, el cual se queda algo inacabado. Por último, Patricia Fuertes e Irene López están estupendas, jugando con su rol y disfrutando de él en todo momento.

*El low-cost no es un impedimento

Siempre que se habla de producciones cinematográficas se tiende a pensar en los grandes presupuestos que maneja la industria. No obstante, Herederas muestra la posibilidad de sacar partido a una inversión más reducida y no por ello deslucir su resultado visual. En primer lugar, aplaudir la dirección de fotografía, que no se descuida en ningún momento, elevando su buen hacer ante la cámara. Los encuadres, la calidad de la imagen y la estructura del enfoque encumbran el resultado de la película. Por lo cual, ha logrado un acabado espléndido, teniendo en cuenta las limitaciones técnicas con las que cuenta. Es inspirador ver que realizadores nuevos son capaces de mantener una calidad de imagen óptima con un despliegue más limitado. Lo mismo sucede con la dirección de arte, que ha sabido escoger los espacios. Una composición y distribución agradables.

No obstante, uno de los apartados que se merece un gran aplauso son el maquillaje y efectos especiales. La razón no es otra que el terror exige una construcción artística más compleja que otros géneros, y en este film se cumplen las intenciones. Además, hay varias escenas que son completamente incómodas y dan escalofríos por la crudeza visual que se presenta en la pantalla. Después, el montaje de la película es notable, hay transiciones que se atragantan un poco y planos que terminan por comerse al anterior, no siendo una estructura totalmente fluida. A pesar de ello, a nivel general, mantiene un buen ritmo y se conserva la atmósfera hasta el final. Por lo cual, llega a su meta, lo que exhibe el trabajo elaborado del equipo técnico, en su conjunto, al mismo tiempo que el del elenco actoral.

*Conclusión

Herederas muestra el potencial de Carlos Marbán en el género del terror, colocando las primeras piedras de un estilo propio. De esta forma, elabora una historia en la que se ven pinceladas de cierta complejidad del horror, pero se mueve en una cotidianidad acorde a los límites presupuestarios que se permiten. Por lo cual, se echa en falta mayor profundidad en algunas tramas secundarias, que hubieran elevado más la construcción de la narrativa del guion. Aun así, se hace un buen uso del misterio.

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Escrito por Diego Da Costa

*El reality

Tamara Falcó: La marquesa busca presentar una etapa de la vida de Tamara Falcó, quien se presenta a sí misma como influencer. Esta etapa transcurre desde la fiesta por su cuarenta cumpleaños, hasta la "apertura" de un restaurante pop up en la propiedad heredada de su padre.

La primera fortaleza de Tamara Falcó: La marquesa es la forma del reality. La fotografía (cuyos colores están más suavizados), así como los planos y la edición, están bien cuidados y presentados. Las imágenes grabadas del día a día (en donde se muestra también al equipo, para dar esa "sensación de espontaneidad") se mezclan con videos caseros así como fotografías familiares. La intención es involucrarte a este espacio íntimo de Tamara.

Aparte de la protagonista, también participan amigos, familiares, los delegados de las marcas y de la gastronomía españolas. Entre las personalidades destacan Mario Vargas Llosa, Isabel Presley, Carolina Herrera e hija Carolina Adriana Herrera, Boris Izaguirre, Juan Avellaneda, Iñigo Onieva, Martin Berasategui, Luis Centenera, Isabelle D'Ornano y el Papa Francisco. Todos ellos se presentan con tanta naturalidad ante las cámaras que no solo llama la atención sino que es la segunda fortaleza.

Hay que aclarar que este es el segundo reality de Tamara Falcó. Antes de Tamara Falcó: La marquesa, grabó uno para Cosmopolitan llamado We Love Tamara en el 2013, solo que este fue un fracaso según la crítica. Tamara Falcó también participó en Soy Noticia (2016), Mi casa la tuya y Volverte a ver (2018 ambos), ganó Masterchef Celebrity en el 2019, Mi cocina con Peña y Tamara (2020), y El Desafío (2021). Además, es comentadora en el programa El Hormiguero.

Según ha trascendido a la prensa para la promoción del reality, fueron los productores de esta casa de estudios quienes le ofrecieron a Falcó la oportunidad de hacer este reality. Solo se conoce que entre sus exigencias está que ella quería un enfoque distinto y nada maligno. De ahí, quizás, lo más interesante de Tamara Falcó: La marquesa sea esto: la narración.

*El cuento de hadas

Tamara Falcó: La marquesa presenta el viaje del héroe de Tamara, es decir, a partir de su cumpleaños tiene la idea de abrir su restaurante. Entonces, ella enfrenta un sin fin de situaciones, desde las dificultades (el estado de El Rincón, el palacete heredado), pasando por la antagonista (la madre, quien no entendía y cuestionaba la idea), pasando por los aliados (el novio y el amigo Juan Avellaneda), hasta conseguir presentar ante su familia y amigos el concepto de su restaurante ChezTami.

Este viaje del héroe es la construcción de la narración que se emplea para contar el tema principal del reality. Es, de hecho, la tercera fortaleza de Tamara Falcó: La marquesa. Hay otros subtemas se que menciona como el lujo, el poder, la prensa y los cuestionados límites ante la invasión de la privacidad, las tradiciones familiares, el romance, la relación madre-hija, la cocina, la moda, las indirectas de matrimonio, la rutina, la fe y los viajes.

Resalta otro subtema que es el motor de la idea del restaurante: el amor de Tamara por su padre. Pese a no estar presente físicamente, Carlos Falcó permanece en todo el momento gracias a la hija, quien recalca una y otra vez que todo lo hace por él. Esto es una muestra de una parte de su personalidad íntima de la protagonista hacia la audiencia, aunque es bien comedida. ¿Por qué? No hay mayores gestos de emoción, posiblemente porque Tamara cuida mucho su imagen ante la prensa. Y el reality forma parte de su imagen.

También hay comedia y la intención del director Juan Pablo Cofré es transmitir el carisma de Falcó, quien se caracteriza por ser alegre y amable. Al menos este aspecto está presente en Tamara Falcó: La marquesa.

*La debilidad

Si bien la estructura del viaje del héroe es interesante y es un aporte para el reality (y para el conocimiento del espectador que ya todo lo sabe sobre Tamara), también sobre este punto recae la primera debilidad. Más que un viaje del héroe, es un cuento de hadas. En Tamara Falcó: La marquesa está muy edulcorado el trayecto de la idea a la ejecución del restaurante.

Pocos son los problemas que atraviesa la protagonista así como poco se percibe la vulnerabilidad sea con respecto a su padre, por conseguir las recetas o el estrés de la remodelación. La Tamara chef, esa que ella misma define como su actual pasión, poco se observa en la pantalla más allá de unas breves escenas esparcidas en tres episodios. En el último episodio, poco se la ve cocinando y al mando de la cocina.

La segunda debilidad de Tamara Falcó: La marquesa es el episodio final. La idea de un restaurante efímero con varias estaciones y que sea una experiencia para el comensal no llega a apreciarse en pantalla. ¿Por qué? Por mala planificación de la producción. Como espectador notarás que no puedes entender la diferencia entre comer en una sala u otra, más allá del salón comedor porque se ha perdido la meta del restaurante.

En su lugar, este espacio y el momento de la cocina es sustituido por otros subtemas que tomaron más relevancia como las indirectas hacia una propuesta de matrimonio, o la opinión de Isabel Presley sobre el restaurante. Esto es una debilidad si tomas en cuenta que has construido el reality como un viaje del héroe, cuya meta es el restaurante. Este, que ha sido el motor y acción de la protagonista, pasa desapercibido. Tampoco hay una conclusión de parte de Tamara sobre su idea, de sus aciertos y fracasos que pueda inspirar a la audiencia que atraviesa por una situación similar (un negocio propio).

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Escrito por Ana Carolina De Jesus Dos Ramos

*El miedo a envejecer

¿El miedo a hacerse mayor o el miedo que dan las personas mayores? Personalmente, concibo una diferencia entre ambas cuestiones aunque puedan resultar esencialmente similares.

Mientras que la primera consiste en un terror hacia la visión del fin de la vida, la segunda se constituye en base a una mitología social en la que influyen nuestros referentes culturales. Del mismo modo que se nos ha enseñado que, por ejemplo, hablar con extraños puede ser peligroso, la vejez en la tradición popular ha estado compuesta por un elemento misterioso y maligno. Desde Blancanieves y los siete enanitos donde la malvada reina quiere seguir siendo la más bella, pasando por Hansel y Gretel donde la antagonista es una vieja bruja come niños e incluso llegando a la tradición oral a través de menciones a rituales sectarios con reminiscencias vampíricas donde la ingesta de sangre consigue rejuvenecer a aquellos quienes la toman.

De este modo, es sencillo relacionar la vejez con un componente siniestro. Y no hacen falta grandes artificios para que los mayores en la película se presuman tétricos y misteriosos. De hecho, parece que Cerezo y González conocen a la perfección el imaginario que viene de la mano de la vejez. Hacen hincapié en la cotidianidad, en la normalidad y en el realismo para crear atmósferas inquietantes. El hecho de que un hogar que podría ser perfectamente normal se sienta pesado, con una fuerte carga negativa, es un increíble acierto. Y que estas sensaciones traspasen la pantalla denotan un muy buen trabajo tras las cámaras.

*Cuando el terror se eleva solo

Viejos es terror puro y duro. Sin revestimientos ni disfraces, la película ofrece lo que promete.

La reflexión sobre el papel que se le otorga a los ancianos a nivel social, relegándoles prácticamente al olvido, es una de las cuestiones que se plantean en el filme. Asimismo, también es posible vislumbrar una preocupación, intencionada o no, por el tan presente cambio climático.

Estos elementos, que bien podrían conformar una película dramática, son integrados a la perfección dentro de una cinta donde la tensión es palpable y los sustos son bien recibidos. Viejos no deja nada en el tintero y va a por todas, y aunque algunos de estos sustos son más efectivos que otros, siempre es coherente con la intensidad y la turbación que se presenta en el ambiente.

Desde los murmullos, las miradas y los silencios hasta los comportamientos más erráticos. Y, sobre todo, la constante mención a "ellos", a esas cosas que susurran y parecen estar envenenando a los mayores. Viejos se encarga de hacer uso de todos los elementos que tiene a su disposición para crear una consistente película de terror.

*La técnica y el detalle

Con la premisa tan cañera con la que parte la película, no se podía esperar menos que un trabajo técnico tan cuidado como el que se ha conseguido.

El uso del color en tonos anaranjados, rojizos y marrones que va predominando la escena conforme los ancianos van tomando fuerza. La excelente realización y dominio de la cámara. Y, sobre todo, la exquisita labor en cuanto a la escenografía. Ya se ha mencionado anteriormente los conceptos de cotidianidad y realismo, a los que añado un componente costumbrista de lo más español que prevalece en cada escena.

La casa de Manuel es suya, porque lo sabemos y nos lo han dicho, pero perfectamente podría ser la de cualquier anciano medio de este país. Los mismos pasillos largos y estrechos, los muebles de madera maciza, la iconografía religiosa, la radio... incluso la tendencia a acumular, en el caso de la película, pilas. Porque sí, porque sabe que en algún momento las va a necesitar. La atmósfera está tan cargada que acaba convirtiendo la ambientación en otro personaje más, y también tiene mucho que decir.

*Las actuaciones

Teniendo en cuenta lo complicado que puede llegar a ser encontrar un actor español, anciano, que pueda enfrentarse tanto mental como físicamente a todo aquello que una película de terror requiere; haber podido contar con Zorion Eguileor ha sido todo un acierto.

Como Manuel, Eguileor está estupendo. Tan taciturno como misterioso, se desnuda —literalmente— ante la cámara para dejarnos ver a un yayo lúgubre, solitario y tenebroso. Es cierto que quizá hubiese estado bien ver desde antes un carácter más agresivo. Mas no es necesario tirar de la provocación y la fiereza para conseguir transmitir lo que se pretende.

Por otra parte, Mario (Gustavo Salmerón) es el eterno hijo ausente. En su papel de hombre de mediana edad es creíble. También Lena (Irene Anula), su mujer, presenta una madrastra que rehúye de la vejez mientras carga en su vientre la más joven de las vidas. Aunque en un inicio sus quejas puedan parecer un tanto artificiales, infundadas, conforme avanza la trama se acaba convirtiendo en el personaje que parece más sensato teniendo en cuenta el clima de terror en el que viven.

Asimismo, cambiando de generación, Paula Gallego hace de Naia una adolescente bastante atemporal. Pese a su dura coraza, guarda hueco para un incondicional amor hacia sus abuelos. Puede que el hecho de sentirse una adolescente incomprendida la haga mucho más afín a Manuel que su padre, quien tiene demasiados frentes abiertos de los que ocuparse.

*Conclusión

Los directores nos sirven una ración de terror cocinado a fuego lento que culmina con una explosión de sabores. Con un Zorion Eguileor que sin duda ha sido creado para el terror, Viejos pone un especial énfasis en la ambientación y la técnica para obligarnos a reflexionar sobre el trato que le damos a los ancianos.

Algunos de los sustos son más efectivos que otros y se hubiese agradecido un poco más de exaltación desde el principio en el personaje de Manuel. Aún así, esta intensa y caliente visión de futuro que nos ruega que cambiemos las cosas antes de que sea demasiado tarde es disfrutable y entretenida, y tiene un final que es una locura. Sin duda, ofrece lo que promete.

Escrito por Ana Aliaga Díaz

*Un guion frenético, pero emotivo

Dicho de una forma muy simple: Sagrada Familia es una miniserie tremendamente entretenida. No es solo una buena historia, si no que elige un tema tan universal y poderoso como “la maternidad” y lo retuerce hasta exprimir las distintas caras que nos puede ofrecer. Manolo Caro ha escrito un guion delirante, retorcido y emotivo, sin dejarse nada atrás. Un drama con tintes de thriller, la serie nos mete de lleno en el sino de una tragedia familiar; una familia perseguida por los fantasmas del pasado, incapaz de soltarlos.

El guion nos habla del amor de una madre por un hijo, pero también de la obsesión y crueldad en la que puede explotar ese sentimiento. La serie está compuesta por distintos personajes, y sus historias están perfectamente hiladas al tema y al mensaje. Sagrada Familia te mantiene enganchado a cada una de sus tramas, ya sea por la peculiaridad de sus personajes o por la sensibilidad detrás de sus historias. Los diálogos no son complicados, incluso puede que un tanto melodramáticos a veces, pero saben jugar con la simpleza y la naturalidad sin ningún problema.

Sagrada Familia explora sin profundizar demasiado, esos tabúes que rodean a la maternidad. Como la presión sobre la mujer para quedarse embarazada o las madres perfectas que no conocen a sus hijos, e incluso las madres que podrían haber sido, pero su situación no lo ha permitido. Porque la familia es sagrada, pero la sangre no siempre lo es todo, y no tiene por qué convertirte en nada.

*Dualidad en los personajes

Sagrada Familia no es una serie extensa en personajes, y por eso mismo la hace más íntima, más familiar. El reparto es fantástico, cada uno de ellos encarna su papel de forma compleja y honesta. Los personajes de esta producción no son lo que parecen, todos se esconden tras una mentira que cala cada vez más hondo. Pero hay dos interpretaciones que destacan por encima de las demás, y esas son las fieras de Najwa Nimri y Alba Flores.

Najwa Nimri interpreta a Gloria, una mujer que intenta desesperadamente proteger a sus hijos y esconder un secreto que puede costarle todo. Gloria es un personaje obsesivo y dolido, al que la actriz interpreta con una honestidad desgarradora. El personaje se encuentra atrapado en una vida que no es la suya, mentira tras mentira lo va perdiendo todo, incluso a sí misma. Las dimensiones de la protagonista la convierten en un personaje siniestro y a la vez afligido. Y es que, ¿en qué consiste ser madre?

Por otro lado, tenemos a Alba Flores, que brilla a más no poder con su personaje Caterina. Cada escena con ella es icónica y divertida. La actriz hace un papelazo, y es que Caterina es uno de esos personajes retorcidos que es imposible de odiar. Desde su acento, que me ha tenido obsesionada toda la serie, hasta su extravagante, aunque desdichada personalidad. Alba consigue interpretar a una mujer de armas tomar, de las que aprietan el catillo sin pestañear, pero que esconde un lado sensible ocultado bajo capas de infortunio.

*Producción muy cuidada

Manolo Caro ya ha demostrado anteriormente su manejo con historias de familia, de secretos, de humanos complejos. Series de éxito como La Casa de Las Flores dejan ver a un cineasta con una visión muy personal, y un entendimiento de las personas que nos lleva hasta sus entrañas. Esta vez nos deleita con Sagrada Familia, una enredada trama de secretos familiares y una visión de las madres que va mucho más allá del grupo del AMPA.

La dirección de fotografía de esta serie me parece maravillosa, los colores vibrantes, el uso de la luz y el de las sombras, atrapan la historia en una espiral de misterio y calidez igual de dimensional que sus personajes. La producción está muy cuidada, desde los sonidos del vitral siendo rasgado que aceleran la tensión, hasta la música elegida en los momentos más dramáticos. Aitana (Carla Campra) tocando el piano sin ningún piano, es una escena que se queda conmigo ya para siempre.

Por último, me gustaría comentar un simbolismo de lo más curioso. No sé del todo bien la intención del director para añadir un pavo real a lo largo de toda la serie. Siempre está ahí, de fondo, pasando desapercibido para los personajes. Pero me parece curioso que, en el cristianismo, el pavo real esté relacionado con la Virgen María, con el bautismo y la eternidad del alma. Puede que sea un detalle insignificante, pero está ahí y me parece exquisito.

*Conclusión

“Parir no te convierte en madre...” Sagrada Familia nos habla de amor, de obsesión, de luto y de las paradojas humanas. Un drama con tintes de thriller ambientado a finales de los 90. Personajes imperfectos y una fotografía preciosa se juntan con unas interpretaciones excepcionales y una historia cruel pero honesta. Manolo Caro ha conseguido capturar lo complicadas que pueden ser las relaciones de familia, y más si hay secretos de por medio. Un día estamos unidos, y al siguiente nos rompemos. ¿Se pueden perdonar los errores de una madre? ¿Y los de un hijo?

Escrito por Gemma Rubio Massó

*Más allá del legado de Ragnar

Vikingos fue una de las series más populares de la última década, con lo que Vikingos: Valhalla no tenía una tarea fácil. Ragnar, Lagertha, Bjorn, Ivar… son personajes que han pasado al imaginario colectivo.

La mejor noticia es que a la serie de Netflix no le lleva mucho tiempo conseguir su propia identidad. Y, si bien contiene similitudes con su antecesora, presenta una historia fresca y dinámica, con los suficientes elementos para justificar su existencia. Los personajes principales funcionan y se siente que, a pesar de estar en Kattegat o Inglaterra, estamos en una nueva época en la que Ragnar y compañía son más leyendas que otra cosa. De hecho, no es estrictamente necesario haber visto Vikingos para disfrutar de esta nueva aventura.

La serie aún no goza del presupuesto de Vikingos, pero aún así las dos grandes batallas de la temporada aprueban con nota. Destaca el asedio vikingo del cuarto episodio, seguramente el mejor momento de esta primera tanda de capítulos de Vikingos: Valhalla.

*Nuevos héroes

Los protagonistas de Vikingos: Valhalla, Freydis, Harald y Leif, son los héroes de esta historia. Y resultan personajes que acaban por ganarse un hueco en el corazón del espectador. En especial lo hace Freydis, una guerrera de la que Lagertha estaría orgullosa. Además, la interpretación de Frida Gustavsson es la más destacada del trío protagonista, con lo que la aúpa aún más al personaje.

Lo bueno de la serie es que no se queda en su elenco principal y da un buen reparto de secundarios. El más destacado es el Rey Canuto, monarca de Dinamarca. Me sorprendió gratamente tanto la actuación de Bradley Freegard como las decisiones y el arco del personaje. También destaca la Reina Emma de Normandía, lo mejor de la trama inglesa de la serie.

Sin embargo no es todo de color de rosa, porque los dos villanos de esta primera temporada no acaban de convencer tanto. Muy predecibles en todo lo que hacen y no generan sensación de peligro en ningún momento. Veremos si esto mejora de cara a los próximos episodios.

*La religión como motor

Uno de los grandes aciertos de Vikingos: Valhalla es que el tema principal sea el conflicto religioso. En la época que transcurre la serie, el principio del final de la Era Vikinga, un gran número de vikingos se convirtieron al cristianismo. Esto provoca un conflicto entre los creyentes de las antiguas costumbres y estos nuevos seguidores de Cristo.

La serie muestra este enfrentamiento con personajes como el malvado Kare, pero también enseña las dudas de algunos vikingos en su fe. Es el caso de Leif, un groenlandés al que los supuestos milagros del cristianismo le hacen cuestionar su religión.

No deja de resultar interesante ver cómo un pueblo como el vikingo fue perdiendo sus costumbres a lo largo de los años, hasta que los mitos y dioses escandinavos fueron perdiéndose en la memoria de los guerreros del norte de Europa.

*Conclusión

Vikingos: Valhalla es una más que decente continuación de Vikingos. La serie de Netflix no tarda en conseguir su identidad propia, sobre todo por la buena colección de personajes que presenta. Goza de buenas batallas, un gran diseño de producción y un conflicto interesante entre el cristianismo y las creencias nórdicas.

Escrito por Víctor Pérez Cañete