A un territorio que está siendo disputado por diferentes facciones sin que, al momento, ninguno logre controlarlo, se le conoce en términos de guerra como ‘tierra de nadie’… aunque haya moradores que puedan probar con títulos y registros que dicha tierra les pertenece. A partir de la I Guerra Mundial, el concepto ‘tierra de nadie’ (no man's land en inglés) comenzó a usarse para señalar el terreno ubicado entre dos trincheras enemigas al que ninguno se atreve a acceder porque sabe que se convertirá en blanco de sus contrincantes.

Durante la guerra Croata-Serbia (1992-1994), en la que la república de Bosnia y Herzegovina se oponía a la secesión de la comunidad croata de Herzeg-Bosnia, entrando en el juego las comunidades de etnia serbia y croata, un soldado serbio identificado como Nino, termina en manos del bosnio Čiki, cuando, junto a un compañero, es enviado a cruzar la ‘tierra de nadie’ para verificar si hay sobrevivientes tras el fuerte y mortal ataque que su ejército acaba de realizar contra una patrulla bosnia. Antes de la captura, el compañero de Nino ha conseguido colocar lo que creía un cadáver, sobre una terrible bomba que explotará con sólo que alguien mueva el cuerpo… y lo que sigue, es una corrosiva metáfora de la guerra, donde se verán las “razones” por las que los soldados combaten… el particular papel que juegan, a veces, los organismos internacionales… la singular participación de los medios de comunicación… y los hechos que llevan a que un ser humano quiera matar a otro, que, con demasiada frecuencia lindan con la irracionalidad.

Así, <<EN TIERRA DE NADIE>>, surge con un lúcido panorama sobre otra de las interminables y absurdas guerras que, cada vez, dan cuenta de lo lejos que todavía estamos de la ya eternamente esperada Unicidad. Cada que hablamos de división, separación, secesión o como quiera llamarse en la rebuznante retórica de la clase política, nos alejamos de los magnánimos propósitos del universo y nos adentramos en la caverna del egoísmo y de los muy necios afanes de poder. ¡¿Cuándo entenderemos que todo lo que poseamos nos será quitado y que, todo lo que demos, lo conservaremos para siempre?!

El director bosnio, Danis Tanović, quien estuviera unido al equipo de filmación que siguiera al ejército de Bosnia y Herzegovina en toda suerte de misiones, y quien tiene aquí su primer largometraje, consigue demostrar una gran capacidad narrativa y su filme brilla con ese despliegue de hechos muy precisos donde, todo lo que va sucediendo, está claramente centrado en dar cuenta exacta de los abundantes y muy comunes absurdos humanos.

Sin embargo y paradójicamente, su filme, antes que lucir pesimista, luce como una esperanza cuando vemos las pequeñas puertas que se abren para facilitar la comunión entre los hombres, sólo que, en ésta historia, en la que aflora un palpitante y oxigenante toque de humor negro, el Fatum pareciera querer dejar sentado que, en definitiva, en ninguna guerra hay verdaderos triunfadores porque la humanidad siempre pierde.

Branco Djuric (Čiki), Rene Botojarac (Nino) y Filip Sovajovic (Cera), cumplen a cabalidad con la tarea encomendada, y sus personajes se graban en nuestra retina llevando hasta la memoria el recuerdo de un trío de soldados que ejemplarizan, a la perfección, lo que un día tendrá que ser, pero aún no logra ser, porque seguimos priorizando lo que debe hacerse contra lo que el Universo espera que hagamos.

¿Y quién empezó la guerra? ¡El hombre! ¿Y quién la terminará? Sólo el hombre podrá terminarla… ¡algún día!

Título para Latinoamérica: EL ÚLTIMO DÍA

Ya lo había dicho, Martin Luther King. “La tragedia final no es la opresión y la crueldad de la gente mala, sino el silencio que guarda la gente buena”. La indiferencia, la apatía, el guardar silencio ante la maldad que vemos a diario, nos convierte en cómplices indirectos y vergonzosos de aquellos que dañan a otros, y con sus acciones, causan desgracia y sufrimiento a seres inocentes y honrados.

¿Cómo vamos a callar ante un grave abuso? ¿Cómo podemos seguir de largo cuando vemos a una persona maltratar a un niño, a una mujer, un anciano o un animal? ¿Cómo decir que, “no es asunto nuestro”, cuando vemos asesinar a líderes sociales, a campesinos inermes o a indígenas inocentes? Como bien dijera el Premio Nobel de la Paz, Desmond Tutu, “Si eres neutral en situaciones de injusticia, estás del lado del opresor”.

Henry Carpenter, no es solo un niño prodigio con un alto nivel intelectual, también es capaz de manejarle las finanzas a su madre y tener claridad sobre muchas cosas que ni siquiera muchos adultos alcanzan a ver… pero además, Henry tiene un enorme corazón que lo hace muy sensible ante las injusticias que se cometen en el mundo, y sobre todo, frente al maltrato a la mujer. Huérfano de padre, éste chico de 11 años, vive con su madre, Susan, y su hermanito Peter; y en la casa contigua tiene de vecina a Christina, una adolescente cuyo semblante y retraimiento comienza a revelar que está siendo víctima de un abuso. El ojo avizor de Henry, le permite advertir tal situación… y desde entonces hará suya ésta causa, porque no quiere ser uno más de los que viven en la apatía ante el dolor ajeno.

Así comienza ésta dramática historia que nos tocará puntos muy sensibles de nuestra alma, invitándonos a reflexionar sobre nuestro verdadero lugar en la existencia; sobre nuestro rol como padres; y también acerca del reconocimiento que se merecen los jóvenes, cuando son más sensibles y comprometidos frente a la realidad que los afecta, no solo a ellos, sino a la gente del común.

Vivimos ya en un tiempo en que, ante el ilimitado acceso que tienen los jóvenes al conocimiento, son ellos los que, en muchos casos, se ven abocados a educar a sus progenitores… y si dejamos nuestra obstinación y nuestra soberbia, estoy convencido -porque también tengo hijos-, de lo mucho que tienen para darnos. El mundo es cambiante, las generaciones son cada vez más evolucionadas y quien no se compromete a contribuir a un mejor vivir ¡para todos!, tendrá que dar un paso al costado.

Con un emotivo guion de, John Hurwitz, el director Colin Trevorrow, consigue sacar avante una emocionante historia que está muy bien interpretada por la veterana, Naomi Watts, como la madre que tiene harto que aprender de sus hijos; Jaeden Lieberher (ahora, Martell, el apellido de su madre), impecable como, Henry, el brillante chico de efímera, pero, inolvidable existencia; Jacob Tremblay, encantador como el pequeño Peter, leal a su familia y con aires de inventor… y, Maddie Siegler, preciosa y conmovedora como la joven bailarina (en la vida real ha tenido muchos logros en ésta labor), y prístino ejemplo de aquella suerte de seres que urgen de una sociedad activa, sensible y responsable.

Directa y sin tapujos, la dura crítica que hace, Trevorrow, de unas instituciones que siguen dando muestras de una enorme incompetencia para frenar el maltrato, el abuso, la violación... y cuanta canallada se comete contra esa generación que es la esperanza de un mejor futuro.

Título para Latinoamérica: <<EL LIBRO DE HENRY>>

Bisnieto de uno de los fundadores de los Estados Unidos de Norteamérica que llevaba su mismo nombre, Gouverneur Morris IV (1876-1953), fue un escritor de cuentos y novelas pulp que, sin embargo, logró cierto renombre cuando sus historias comenzaron a interesar a los productores y directores de cine. La primera en ser adaptada sería, “The Penalty” (La Pena), novela escrita en 1913 que, impresa obtuvo un apreciable éxito. Después seguirían, “The Ace of Hearts” (1921), que también dirigiría, Wallace Worsley, de nuevo con, Lon Chaney, como protagonista; “A Tale of Two Worlds” (Frank Lloyd, 1921), “The Man who Played God” (1932), que interpretara Bette Davis… y algunas más.

Titulada en España como, <<EL HOMBRE SIN PIERNAS>>, “La Pena” (o El Castigo), trata de un hombre que, cuando todavía era un niño, es víctima del error de un médico cirujano que le amputa las piernas sin que hubiera necesidad de hacerlo, según lo corrobora un calificado médico, y aunque, éste, generosamente trata de cubrir su falta… el niño escucha lo que hablan y crece con un enorme resentimiento que lo induce al mal, convirtiéndose (27 años después) en amo y señor del bajo mundo, al tiempo que sueña con cobrar venganza del médico que lo dejó lisiado.

La trama es envolvente, dotada de hechos muy significativos y de marcada originalidad, sobre todo si aceptamos -un agregado de ciencia-ficción- las pretensiones médicas que aquí se nos presentan. Los diálogos son brillantes; la partitura, de Rodney Sauer, de muy alta eficacia… y el director, Wallace Worsley, se da el lujo de contar con una técnica (fotografía, iluminación, montaje…) de connotada precisión y con un diseño de producción admirable para la época. Aún hoy, un siglo después, el aspecto general del filme luce magnífico… y cualquier adjetivo se queda corto para hacer reconocimiento de la inmensa actuación de, Lon Chaney, quien como el lisiado, Blizzard (término que, en inglés significa, Tormenta de nieve), resulta impactante y realmente soberbio… ¡y lo más admirable, es que ya refulge en su personaje ese impulso de bondad que caracterizaba a los más sensibles escritores y directores de aquellos años, y así, el filme no cae en el tan desgastado prototipo de, el bueno y el malo, permitiéndonos ver a seres humanos con debilidades debidamente explicadas que, al final, podemos comprender a cabalidad.

Es, en éste aspecto, donde se solventa la gran relevancia de, <<EL HOMBRE SIN PIERNAS>>, pero, como ya lo dijimos, la película funciona a todo nivel. Los actores de conjunto: Ethel Gray Terry, como Rose, la asistente del investigador; Claire Adams, la escultora hija del médico inculpado; y Charles Clary, el Dr. Ferris, entre otros, son de un profesionalismo intachable… y con todo ésto, el filme nos atrapa de principio a fin con una fina capa de suspenso e intriga, y queda en nuestras manos tratar de entender ¿para qué diablos fue que, Blizzard, puso a las chicas de su salón de baile a fabricar miles de sombreros?

Título para Latinoamérica: EL PRÍNCIPE DE LOS INFIERNOS

Basado en una historia de, Fausto María Martini, titulada, “Ridi Pagliaccio” (1919), David Belasco escribió una obra teatral que se estrenó en Broadway, en 1923, con el título, “Laugh, Clown, Laugh”, la cual protagonizaron, Lionel Barrymore y su esposa, Irene Fenwick, habiendo tenido un total de 133 representaciones en el teatro Belasco.

La productora, MGM, se interesó muy pronto por la obra, pero, la producción se retrasó debido a que, el elegido para protagonizarla, el gran Lon Chaney, acababa de estrenar una obra maestra, “He who gets Slapped” (Victor Sjöström, 1924), en la que también interpreta a un payaso… y se quería evitar cualquier tipo de comparaciones.

En, <<RÍE, PAYASO, RÍE>>, Chaney interpreta a Tito Beppi, un payaso ambulante que, con su hermano Simon, ha conformado el dúo, Flik y Flok. Cierto día, mientras hacen un alto en el camino, Tito encuentra a una niña abandonada a la que decide adoptar contra la voluntad de su hermano, quien considera a las mujeres como un obstáculo. Cuando se ha transformado en una hermosa jovencita, Simonetta (llamada así en homenaje a Simon), conocerá al joven conde, Luigi Ravelli, quien quedará prendado de ella y entrará a rivalizar con Tito, quien ha comenzado a verla, ya no como una hija, sino como una hermosa mujer.

Ambientada en Roma -aunque solo algunos letreros nos indicarán que estamos allí-, la película goza de una bella y muy acertada fotografía; y habiendo sido hecha silente y con intertítulos, el resultado es muy positivo, pues, se nos introduce en un drama donde hay un gran conflicto de sentimientos que, al final, resulta muy bien tramitado.

El experimentado director, Herbert Brenon (“Peter Pan”, “Dancing Mothers”, “Beau Geste”…), tiene aquí el que podría ser su mejor filme hasta la fecha y, con pleno merecimiento, <<RÍE, PAYASO, RÍE>>, hace ya parte de los grandes títulos de la historia del cine. Se cuenta que, la protagonista –una jovencita, Loretta Young, a sus 15 años- no se sentía nada cómoda con el trato que le daba Brenon, y al darse cuenta de ésto, Lon Chaney, se propuso apoyarla, asesorándola en su actuación y acompañándola en el set, incluso cuando a él no le correspondía actuar en la escena de turno. Loretta declararía un día: “Estaré en deuda con ese hombre dulce y sensible, hasta el día en que me muera”.

Hasta la fecha, el carrete # 4 con cinta de la película, se encuentra desaparecido sin que haya podido recuperarse, pero, por suerte, el material faltante no altera la comprensión de la historia y la trama resulta coherente de principio a fin; y en lo personal, preferimos el final dramático que definiera el director, al happy end que querían imponer los productores.

Argumentalmente, resultan muy interesantes las semejanzas y los contrastes que se van dando en las personalidades de ambos protagonistas-rivales, y llaman la atención los consejos del psicólogo, los cuales lucen como una terapia conductista donde, en vez de sugerir, dice exactamente lo que cada uno tiene que hacer con su vida… ¡y felizmente coincide con lo que cada uno está deseando hacer!

Mención necesaria del recordado actor danés, Nils Asther (a quien conociéramos en, “The Cossacks”, y a quien luego veríamos en, “Wild Orchids” y “The Bitter Tea of General Yen”, entre otras), quien, como Luigi, logra un rol muy carismático que hace comprensible la confusión en que se ve envuelta la bella, Simonetta.

Haciendo uso de un gigantesco imán, alguien ha robado los implementos de un laboratorio “ultrasecreto” instalado en el Círculo Polar Ártico, en el cual se hacían experimentos de transmutación. Sabiendo de la alta experiencia y el conocimiento que, en el mundo del delito tiene Gru, la Liga Anti-Villanos (AVL), hará cuánto pueda para contratarlo porque le urge recuperar el laboratorio. ¿Lo logrará? ¿Qué papel jugará, en esta operación, el ahora feliz padre de tres dulces niñas? ¿Quién será el nuevo súper villano?

Ante el éxito obtenido por, “Despicable Me”, los directores Chris Renaud y Pierre Coffin, han decidido continuar con la historia de Gru, el malo-malito con pinta de grulla y corazón de mantequilla. De nuevo, habrá acción de una calidad y creatividad que dejará en palotes a los archiconocidos filmes de James Bond (guardadas las diferencias técnicas, claro); veremos a Gru enamorado de una mujer que, quizás, desee tener como madre de sus pequeñas hijas… y el malote será esta vez un tipo machote que dará qué hacer a nuestro redimido súper villano.

El guion de, Cinco Paul y Ken Daurio, contiene un buen número de novedades argumentales y, aunque los diálogos no tienen la frescura y la gracia de la primera película de la franquicia, se conserva ese aire de buen humor y de humanidad que hacen muy grata la nueva historia. Agnes, la menor de las niñas, se vuelve una adorable coprotagonista y, el Dr. Nefario, tendrá un simpático rol mientras define de qué lado quiere estar.

Por supuesto, también los Minions estarán en escena… pero, ésta vez, serán oponentes durante largo tiempo y darán mucho que hacer a nuestros apreciados amigos; y una muy grata presencia será la de la agente, Lucy Wilde, quien desbordará simpatía, astucia y encanto que agradarán a todos.

<<GRU 2. MI VILLANO FAVORITO>>, ha sido pensada sobre todo para divertir, más no está exenta de reflexiones que es bueno tomar en cuenta: Se habla de cómo el matoneo puede vulnerar la mentalidad de un niño; se muestran las gratas y muy valiosas compensaciones que trae el brindar apoyo y felicidad a los pequeños; y entre otras cosas, se deja bien claro que, las ambiciones desmesuradas, siempre conducen al fracaso y la autodestrucción.

La creación de ambientes y personajes es impecable; la banda sonora, conformada en gran parte por arreglos de viejas canciones, resulta muy agradable; y exceptuando que la masiva presencia de los Minions me resulta un tanto fatigosa, en general, puedo recomendar la película como un entretenimiento cálido y seguro.

Termino con una frase de Gru al Dr. Nefario, que me recuerda a ciertos maridos ante la, esforzada, pero horrible comida que acaba de servir su esposa para la familia: “El hecho de que todos la odien, no significa que no sea buena”.

Título para Latinoamérica: MI VILLANO FAVORITO 2