Extraordinario film con buen tacto narrativo en su primera parte, en la que se expresan los dramas cotidianos y familiares de los pilotos que se verán avocados a emprender los viajes heroícos hacia el segundo capítulo. La complejidad de los espacios afectivos en la vida de cada protagonista son expuestos con excepcional sencillez, brindando a cada uno de los actores, amplios escenarios para los vuelos a su trabajo artístico. Se trata de vivencias contradictorias de entidad universal que sin embargo aterrizan muy bien en aspectos singulares de la sociedad soviética, resaltando realidades como la igualdad material de derechos entre mujeres y hombres. Así mismo el director logra tornar visibles las renuncias y costes morales y sentimentales que los personajes protagónicos tienen que asumir para alcanzar grandes y lejanas metas en las alturas. Con no menor acierto, transmite en la segunda parte el pánico masivo ante una tragedia en la cuál se ponen a prueba el compromiso con la ayuda por el otro, la solidaridad y la entereza para afrontar el infortunio y salir del mismo siempre con la ayuda mutua. Salvo pequeñas imperfecciones técnicas, los efectos especiales no decepcionan en este episodio, en el que pese a haber dedicación máxima a la tensión visual, a la aventura y a resaltar el coraje y determinación viril de los héroes, el manejo de los conflictos inter-subjetivos no cede en los cimientos estructurales del guión. Estamos ante una de los mejores drama-aventura aéras de todos los tiempos.

El dolor resbala por las lágrimas invisibles de un joven de 17 años; el invierno congela las expresiones que su infierno aprisiona. Asiste a un casting donde no se busca un actor más que un cúmulo de emociones que satisfagan los requerimientos fílmicos del director; a éste la película de su vida se le sale de las manos, se escapa por la ventana dejando orificios de frías culpas pero, al tiempo, lazos lívidos y débiles, casi imperceptibles, para perseguir la salvación de su más cruda - aunque desconocida- creación.
Tan densa como las anteriores impresiones, se orquesta un des-concierto como obra fílmica. El edificio viejo y destartalado donde se inicia y transcurre buena parte de los acontecimientos se presenta como un teatro fantasmagórico vestido de albergue para personajes ligados por cadenas de ausencia, miedo y por los espantos de una sutil perversión que arropa la psique del muchacho desorientado. Sus gestos quedos delatan la distorsión de su origen negado, de la miseria con que se erigió su tenebrosa aparición en las vidas desencajadas en el entorno donde hurgará las líneas mal trazadas de su orden generacional. El amor, como siempre, se ofrece como refugio de desazones; como trinchera contra lo ominoso y esta vez como paliativo de culpas, como protector frente al crimen. La seducción desatada por lo mórbido, por la curiosidad ante sucesos en los que se entretejen hilos malvados y tiernos, se traduce en el inquietante amor de una joven sobre el extraño en la casona vieja; poco le importa si sus manos todavía presentan señas de sus crímenes. Esos amores redentores orbitan los temores y delirios en los que se mece, desequilibradamente, el vacío de la muerte, el impulso de matar.

Sin que obren dramáticas confesiones, el Director y el muchacho se descubren como Padre e hijo por las sendas espantosas que conducen la trama; sin mediar mayores resentimientos ocupan el poco tiempo que les queda en escalar magnos paisajes para prodigarse amor. Cuando de la boca del muchacho brota el vocablo "padre" se experimenta una sensación calma que lleva indefectiblemente (el tema y la propuesta fílmica) al menos a un suave vuelco catártico, y al más, a la aparición de un lazo subjetivo que sacia la sed espiritual de los personajes en conflicto. El hijo le entrega al padre la mirada perdida de su historia y éste al contra responderle con fragmentos de su vida, al atarlo a su presencia, comienza al fin a crearlo. El film expone un nada pretencioso intento de re-creación de un sujeto perdido tanto como sus orígenes, como su fecha nacimiento, como su irresponsable madre, quien también cae en el abismo en el que hasta el inicio de la redención solían empujarse los miedos. Cuando el padre dice: "hijo mío" enruta su autoridad y ternura, hacia una culpa que debe com-padecer, pero que también puede salvar. El infierno gélido que atraviesa señala la búsqueda de la sanación (la cual urge en el cuerpo accidentado del muchacho) para los tormentos de su descendiente.

La vitalidad de la segunda parte del trabajo, riñe con la opacidad de la cadencia en la primera; la composición fotográfica y la construcción escénica están dispuestas para servir a al desarrollo de las personalidades superando una simple necesidad decorativa. Del terror enclaustrado de la introducción se pasa a un viaje liberador del encierro de los vacíos físicos que amenazan constantemente la seguridad de los personajes. Pese a la innecesaria dilación narrativa que en no pocos tramos distancia al espectador de la tensión propuesta al principio, se logra vincular elementos vívidos a una historia tan sombría. La corporeidad de las sensaciones se presenta como una forma actual de explorar lo inconsciente; las aparentes poses inexpresivas de los protagonistas en realidad hablan lo suficiente, logrando estructurar un lenguaje que a su vez aporta vigor a la presencia de cada quien. Para lamento de teclas, está la sobriedad excesiva de la película, porque sin enredarse en entelequias y posturas intelectualoides, se torna un tanto difusa para que pueda ser disfrutada en toda su extensión y en todo tipo de cinematecas.
Tras esta crítica, es menester anotar que aunque Tender Son adolece de ritmo, se inscribe muy bien en momentos irregulares que permiten bordear la temática sin abandonar al primer intento de descubrirla y disfrutarla. La insistencia en tomas aéreas posibilitan la vista de la fragilidad de los sujetos que habitan la obra; lo ínfimo que resulta lo humano, potencia a su vez la idea central de una creación, de un padre, que pugna por recrearse a sí mismo en época de crisis de la paternidad. No en vano, el Director embala al padre de este film en el personaje de un Director de cine, un re-creador de guiones, un hacedor de vínculos subjetivos: un director que comienza a.crear un hijo en un casting. La figura paterna de Geppeto pareciera donar madera para el film: el director no se sabe padre y al percatarse de su mala siembra decide re-construir "un hijo en su hijo", al comprender su ánimo que el muchacho es un monstruo creado a sí mismo al no conocer siquiera el nombre del Padre. Del padre creador se pasa al constructor; del Frankenstein al Geppeto.
El director que produce al director de la ficción no se ocupa en demasía de hallar la perfección artística; es la razón de los desconciertos psíquicos a los que da forma esta hermosa pieza sobre lo siniestro. El lenguaje propuesto trasciende la fuerza de la palabra para instalarse en las miradas y los olores. El descubrimiento del padre llega al hijo con el olor de una camisa olvidada por éste, y el re-conocimiento del padre llega al hijo con el calor de un abrigo impregnado del olor y la agitación contenidas en su tejido...así se arropa al hijo Rudi frente al camino que las luces del Director tiernamente le señalan.

Tres planos de rostros que se empecinan en no expresar el dolor que se advierte sólo si se mira a la tumba que le da un referente espiritual al tema abordado: la madre que ya no está; después de esto un plano abierto al que se suman la marcha lenta de tres cuerpos dando la espalda, cada uno manteniendo una distancia prudente, como la que mantienen en sus escasos diálogos a la hora del desayuno. Es el comienzo de un trabajo fílmico tan honesto y limpio que no promete nada, por lo tanto, nada hay que reclamar. Cada tramo de fotografía obra como escenario estático de formidable composición que da espacio de movimiento libre a lo poco que deja relucir vida en el filme: los paseos vagos de los personajes y las aves, las que parecieran surcar fondos de belleza inhóspita; funciona el azar cuando se cree que todo está dispuesto milimétricamente para deleite de miradas cinematográficas. Algunas veces el hipnotismo fotográfico es tal, que parecieran surgir seres cuando se vacía la mirada en una pantalla que se desvanece para hacer aparecer la idea, como en un estereograma, donde juega el espectador a no serlo, a re-crear la fantasía que se cree descubierta si se fija la vista un poco en el despiste o en un punto exasperante céntrico, donde puedan surgir monstruos o figuras cándidas. Todo puede emerger si se deja distraer un poco la vista, o si se le pierde uno o dos pasos a la vagancia, si se dis-ocia algún elemento de lo narrado. Un ocio para re-crear, los personajes -todos- sólo tienen que hacer eso, volver a crear lo que no está totalmente perdido: lazos, esperanzas, anhelos…paseos para allanar la rutina sin abrumarse en demasía por la misma; recreos para pensar en hacer algo, como podría ser: re-conocer el deseo de cada quién... el gran mérito de la película ( que pareciera sosa, de esas que estilan alguna suma de trabajos vagos sobre la vagancia en el sur de América -¿Escuela, Movimiento?-) es convocar a espectador, darle otro lugar más activo que la silla frente a la pantalla, invitarlo a hacer parte de uno de sus cuadros fijos para proponer movimiento, ser vago analista para comprender, para acompañar…ser compañero, ni de cuitas ni de aventuras, sólo compañero de pasos, lazo para los personajes. Este trabajo de Villegas logra superar el Sábado, de su obra fílmica de 2001 -menos rítmica- eso es: dota a su sábado de ritmo. La banda sonora y música incidental colaboran en ese propósito.