Hereafter no es una película sobre gente psíquica. Y no es sobre fantasmas como el 90% del público imaginó. No es tenebrosa ni pretende decir algo más allá de lo que ya se sabe. Es un filme que simplemente cuesta una historia sobre esperanza. Sobre lo que necesitamos que haya más allá de la muerte. Pero lo increíble de un filme tan sencillo como este es que con poco logra mucho. Ni siquiera nos enteramos si hay algo más allá de la muerte. No hay solución. Pero tampoco se necesita.

La película va sobre tres historias de tres personajes (entrelazadas al final por coincidencia), que tienen contacto con la muerte, o lo que viene después de la misma. Pero esto es una suposición que tenemos por el aspecto literario y subjetivo que le imprimimos como espectadores a la película. Esto es lo importante. Eastwood como buen director versátil que desarrolla personajes emocionales, exclama la tristeza de un momento que nadie entiende y del que hace tener más información. La esperanza reina en escenas pero en otras reina una desdicha indescriptible. Los personajes principales no van más allá de un supuesto ambiente sobrenatural, sino que se quedan enfrascados en una búsqueda interminable de felicidad y paz que solo puede ser dada por aclaratoria de los hechos. Fascinante.

Un cast increíble y casi dibujado relata cómo dos gemelos son separados por una muerte inesperada y uno de ellos necesita explicación; cómo una chica es destruida emocionalmente por un hecho natural que nadie espera pero que al final le da una vuelta a su vida. Positiva o negativa? Un hombre emocionalmente deshecho por la muerte anunciada de su esposa pero que simplemente necesita saber más. A casi todos estos personajes que son grandes signos de interrogación, les convoca el personaje de Matt Damon por un propósito que él mismo quiere olvidar. Es por esto que el actor transmite soledad y necesidad. Todo hasta el final cuando al fin puede controlar lo que su mente el dice que haga. Cambia el rumbo de su vida en la escena más importante de la película. Un desenlace que no es típico de Hollywood. Es típico de lo que busca su protagonista. Control.

Un punto bastante positivo es que nunca sabemos si lo que pasa es verdad. Nunca sabemos si Matt Damon en realidad puede ver más allá, el limbo. Puede ser una cuestión telepática (que todavía sigue siendo increíble pero no es la temática), puede ser que se comunique con las personas al tomarles la mano y vea en su mente alguna información en la mente de las otras. Estoy seguro que todos esperaban que una vez establecida la comunicación salieran los fantasmitas hablando. Pero no. Simplemente hay una imagen, una visión del “más allá” (que no sabemos de donde viene) y eso es todo. Del resto es él hablando de lo que “la presencia” le comunica. Puede ser una farsa todo. Pero preferimos no creerlo. Eastwood lo logra.

Punto negativo: el trailer. Cuenta mucho.

No se cuenta mucho más porque en realidad no hay mucho que contar. No esperen mucho porque Hereafter no es la gran cosa. Es una película humilde que no es ambiciosa ni pretende serlo.

**** Originalmente publicada en www.cinelipsis.com ****

Seul contre tous no es fácil de ver ni se garantiza que puedas dormir después de verla. Es cruda, violenta, agresiva, y sumamente gráfica. Pero todo esto no significa que sea un filme de baja calidad. Al contrario, lo celebro 100%. Es una película que si bien no es necesaria, es esencial para una biblioteca cinematográfica.

Noé es un director bastante particular. De las filas de aquellos que no desean que sus espectadores la pasen bien pero sin embargo no pueden despegar los ojos de la pantalla. Un estilo visual sorprendente y una fotografía impecable es lo que lo caracteriza. Irreversible fue una película bastante bien editada pero con un propósito. Esta no. Es cine en su máxima expresión. Todo aunado a un guión escrito por alguien llevado por las drogas y un actor creíble en TODOS sus aspectos. Seul contre teus es una excelente muestra de un cine que no ha sido explotado y que recientemente está aprendiendo a ser aceptado sin tener compasión respecto a sus principios.

El personaje principal no tiene nombre. Solo se hace llamar El Carnicero. Pero su profesión no tiene nada que ver con el outcome posible de la película. Es solo un hombre pobre (de mente y dinero), cuya vida es un fracaso total. Probablemente pensarán cómo este argumento puede resultar una película. Pero todo cambia cuando hay una sobrenarración de los pensamientos de aquel ser horrible. En primera persona se describe la evolución de un fracasado a un asesino (o inclusive algo que considero peor).

No puedo describir mucho porque quiero que sea shocking para todos ver esto. Pero como les dije, no es fácil de ver. Es muy violenta y hay escenas de sexo bien gráficas. Hay que estar preparado. Sin embargo no es lo más difícil de ver. Son los últimos minutos que son fascinantes pero sumamente desgarradores. Son audiovisuales de puro frenesí y presenciar esto es increiblemente duro. Tanto que antes sale una advertencia del director para que te salgas del cine.

Genio.

Seul contre tous se resume como un ataque a la burguesía y a la sociedad. Un ensayo en deliberación que deja mucho que pensar por la forma como está hecho y por cómo nos hace sentir. El Carnicero es un ser dormido que todos llevamos por dentro ya que todos somos capaces de convertirnos en monstruos. Ya sea por hambre o por dolor o por venganza. Todos podemos hacerlo. En este caso fue El Carnicero que fue solo contra todos. Y lo logró. Quédense hasta el final, como les digo. Hay que aguantar para ver el verdadero monstruo revelarse.

Kudos a Philippe Nahon por hacernos creer en el personaje. Estoy seguro que verlo en la calle debe dar miedo.

**** Originalmente publicada en www.cinelipsis.com ****

Al fin.

Ha sucedido.

El cine venezolano se reivindica y nos lanza una bomba de emociones como lo es La Hora Cero. Increíble de principio a fin, el filme se conforma como una gran película de quien no se esperaba mucho. Diego Velasco, después de haber ganado más de 20 premios internacionales con sus cortos, al fin nos regala en formato de largometraje su visión de lo que respecta a la actualidad venezolana. Una visión, y un enfoque muy personalizado de personajes típicos de una realidad que vivimos día a día en nuestro país. Todo lleno de un humor y violencia absolutamente necesarios para inundar la pantalla con emociones que no cansan. Es un filme que no queremos que se termine y esto es algo que merece mérito (en exceso) para una película venezolana.

Digan lo que digan, siempre lo voy a criticar. No se por qué en la actualidad el cine venezolano se enrolla tanto y pretende ser cine de autor cuando ni siquiera podemos hacer cine comercial. Una fotografía trabajada pero absolutamente estúpida, diálogos clicherosos que ladillan, personajes groseros y la necesidad de tener desnudez en pantalla han conformado una fórmula moribunda para poder hacer cine en Venezuela.

Kudos a Velasco por querer hacer las cosas diferentes. Pero en realidad ¿teníamos que esperar tanto para ello?

La Hora Cero cuenta la historia de un secuestro en una clínica de Caracas por sujetos liderados por la Parca, quien solo quiere salvar a una chica y a su nena que está a punto de nacer. Todo sale mal (o bien para algunos) y en medio de una huelga de médicos se resuelve una historia de un Robin Hood venezolano. Lo interesante es que la historia no pretende ser tan simple y esconde un secreto oscuro y que a todos impresionará.

Todos los personales son interpretados con calidad por actores con bastante experiencia. No pareciera que es así pero son actores internacionales. Todos excepto la estrella principal: La Parca interpretado por Zapata 666 otorga el tono crudo y amateur de una historia ambiciosa contada por un realizador con experiencia en cine desde una perspectiva técnica. La edición de la película es agresiva y no deja descansar. Los diálogos son típicos pero no excesivos (gracias por esto). La falta de un soundtrack instrumental es agradecido; ya basta de músicos venezolanos queriendo hacerse famosos componiendo un soundtrack.

Con muchos twists que construyen una torre y que al final se esconde el más inesperado twist de todos, la historia se basa en fundamentos que no tienen nada que esconder y que no necesariamente deben ser basados en historias reales para ser creíbles. Esto es prácticamente lo mejor. Que en realidad se ve y suena como un filme. Y no tiene nada que envidiar a cualquier película de Hollywood.

Los últimos veinte minutos son de pura genialidad de “storytelling” y estoy seguro de que La Hora Cero llegará lejos tomando en cuenta lo subjetivo del cine venezolano. Conmigo lo logró y no soy una personal fácil de convencer. No quiero sonar “cocky” pero es la pura verdad.

Gracias por esto y por hacerme sentir orgulloso.

**** Originalmente publicada en https://cinelipsis.com/la-hora-cero/ ****

Hay algo que nos une a casi todos los seres vivientes que tienen capacidad de razonar. Nuestra curiosidad.

No importa a cuál etapa de nuestra existencia vaya, siempre nos hemos caracterizado por ser curiosos, sobre todo cuando nos enfrentamos a algo desconocido. El miedo puede ser una reacción inmediata pero siempre vamos a querer averiguar que hay detrás de un misterio, uno que no se resuelve a simple vista y podría esconder algún beneficio. En las últimas décadas, el acceso a la información ha hecho de esa curiosidad un estilo de vida.

Todo lo que conlleva al uso de esa curiosidad tiene que ver con una etapa experimental que parece que no se acaba. La Internet es el canal pero un punto final podría traducirse en centenares de metas que esconden algún propósito inesperado, una especie de lotería para ganar un premio que no sabemos que puede existir. Entre esos experimentos podríamos ubicar a lo que ocurrió en San Francisco en 2015 con algo llamado The Latitude. Con una duración demasiado corta, y con muchas personas insatisfechas, este es el ejemplo de cuando un movimiento social, puede convertirse en una trampa con efectos inmensurables.

Y si tratan de googlear poco van a encontrar que no sea el testimonio personal (y probablemente poco confiable) de quiénes participaron. La compañía que crea esta sociedad ya ha declarado todo lo que intentó y a lo que llegó. Pero ¿cuál es la línea que limita la culpa, el resultado de un ambicioso juego y el efecto emocional en quienes confiaron? In Bright Axiom es un documental que podría esconder la respuesta.

Pero puede ser que no sea así. Esta es una película cuyo tono es parcial, y que no explora el movimiento desde el punto de vista de lo adverso de un experimento de esa magnitud. La conclusión viene en forma de los testigos que sí, admiten que fueron parte de algo que no entendían, pero al mismo tiempo no niegan que entraron con voluntad propia a un misterioso tablero de piezas prácticamente infinitas y con un estilo tan inmersivo que lo primero que pensamos es “secta”.

Decir lo que ocurre en este sitio es contar la película. Este es un viaje cuyo director ya conoce y lo presenta a modo de introducción al mismo juego al que fueron sometidas muchas personas sin saber que en algún momento todo iba a llegar a su fin. Pero ¿no pensaron que podía haberlo? Es una consulta interesante porque definitivamente Spencer McCall no navega en esas aguas (es difícil pensar que no forma parte del experimento), y decide realizar un planteamiento de mística social y actitud extraña frente a un juego con aristas extremas y peligrosas. Al menos eso da a pensar el creador de todo esto, un hombre que se esconde detrás de la duda, el desconocimiento de sus propios actos.

En su forma de documental, In Bright Axiom funciona como una propuesta de misterio que es imposible de descifrar en una primera vista. La película aterriza en algún momento y realiza las preguntas necesarias que nos permiten distinguir la realidad de la ficción. Es necesario en algún momento poder llegar a esto. A una verdad en medio de todas las posibilidades. En caso contrario, y si no se hubiese acabado todo en unos meses, creo que buscaría la forma de poder entrar a una sociedad como esta. Cueste lo que me cueste. Sí, es así de intrigante.

Calificación: ***

Todos sabemos qué tipo de película es Bill & Ted Face the Music. Al menos los que crecimos en ese ambiente dominado por experimentos ochentosos de comedia y fantasía. Y creo que somos esos lo que corremos a ver las nuevas aventuras de Bill y Ted, los Wyld Stallyns, el dúo que nunca encontró su lugar en el mundo. Casi treinta años han pasado y sí, hoy nos encontramos con dos personajes que el tiempo no ha perdonado. Pero así como sabemos y entendemos el tipo de película que se plantea en Bill & Ted Face the Music, un merecido descanso de nuestra situación actual, me cuesta dejar de reconocer y mencionar que la película aborda un sentido de soltar como pocas franquicias suelen hacerlo. Me sentí en compañía de amigos, pero también en compañía de quienes quedan y serán los que acompañen a nuestros herederos. Con una sonrisa gigante me despedí.

El rock no es igual. Es prácticamente inexistente. Y luego de todo el éxito que vino al final de Bogus Journey, Bill y Ted son los mismos de siempre, pero ahora con dos hijas, y la realidad tormentosa de la vejez. Pero llega una visita del futuro. Una que indica que la misión de los fracasados es crear una canción que salve al mundo. El talento no existe. Solo existe la capacidad de viajar en el tiempo, ir al futuro a recopilar la creación y volver al presente para presentar esa canción mágica. Bill y Ted deben aceptar el reto. Pero detrás de ellos están Billie y Thea, sus hijas, que se unen a la misión de imprevisto y aportan el mejor recurso a esta aventura.

Las aventuras de Bill y Ted no cambian. Son iteraciones de escenas dependientes de cuan creativo sea el guion que nutre de personalidad a dos hombres que no pueden seguir actuando como chicos porque ya no lo son. Y aun cuando hay una sensación de incomodidad en Reeves (observen sus movimientos, no son iguales), es imposible descartar la química que se produce con su compañero y el resto de quienes les acompañan. Cuando la película podría depender completamente de ellos, deciden proyectar a sus hijas como las geniales herederas de lo bueno y lo malo. En ambos personajes se esconde el secreto de una enseñanza indirecta sobre la franquicia. A esto sumamos que esa escena final es tan justa como debería ser, y Bill y Ted admiten que su objetivo siempre fue uno solo.

Nada en Bill & Ted Face the Music se siente como un elemento "adicional" que no tenía que aparecer. Todas las decisiones son acertadas. Es una película floja en su guión pero hay mucho que la salva. La música, personajes nuevos (el androide es GENIAL), un maquillaje excepcional que si no obtiene una nominación al Oscar sería una injusticia atribuida al género, y por supuesto la aparición de nuestro querido personaje, la Muerte. Es difícil no catalogarla como la mejor escena de la película. Una que trae lágrimas a los ojos. Un grito de redención, aceptación y amistad.

Esta es la tercera parte, y muy probablemente la última, de una aventura de casi cuarenta años. Quienes no hayan estado desde el principio, poco van a entender. Pero a veces explorar el pasado no está nada mal. Con Bill y Ted vale la pena ver lo que ocurrió en 1989, en 1991, y ahora.



**** Originalmente publicada en www.cinelipsis.com/bill-and-ted-face/ ****