La palabra con la que mejor definiría lo que el visionado de Chernobyl me ha producido es impacto. Es una serie impactante y sobrecogedora. Desde el primer segundo te atrapa, te atraviesa, te funde en el horror de uno de los accidentes más terroríficos de la historia de la humanidad.

Quizás lo que más me ha sorprendido es su estética. Es sombría y austera, pero evidentemente se advierte que ha sido producida en Estados Unidos, ya que no huye de cierto gusto por el espectáculo y el entretenimiento. Es por esto que creo que ha llegado a tanta gente. Aúna, como pocas, el entretenimiento, el rigor histórico (con sus consiguientes fallos) y un aire de cine independiente que se muestra principalmente en su ritmo pausado. Con todo ello nos encontramos ante una miniserie de una excelente calidad, digna de las mejores producciones de HBO ( The wire, Los soprano, True detective...).

Chernobyl es muchas cosas, pero principalmente advierto una crítica aguda al régimen soviético (no podía ser de otra forma viniendo la serie de donde viene) y una apuesta por la ciencia en contraposición a la ignorancia e incompetencia de algunos líderes políticos y trabajadores, que solo buscan adquirir más poder y reconocimiento (Diatlov). Chernobyl fue una concatenación de fallos humanos, políticos y científicos y todos ellos son producto tanto de la incompetencia como de la arrogancia. La incompetencia de algunos trabajadores y políticos, y la arrogancia de un Estado Soviético que lejos de reconocer sus fallos, siempre quiere dar una imagen al mundo de omnipotencia y autosuficiencia. No podemos olvidar que el accidente de Chernobyl fue uno de los principales motivos de la caída de la Unión Soviética y que significó una gran derrota frente al mundo, y especialmente frente los Estados Unidos, en el contexto final de la Guerra Fría.

Por otra parte supone, como ya he dicho anteriormente, un triunfo de la Ciencia, encarnado principalmente en Legasov y en Khomiuk (personaje representativo de todxs los científicos que participaron en su momento). Es también un triunfo de la verdad (la ciencia) frente a la mentira ( el Estado) y es también la confirmación de que la única manera de aprender de los errores y avanzar hacia un mundo más justo reside en la cooperación entre la política y la ciencia. En mi opinión esta cooperación se ve magníficamente reflejada entre los personajes de Legasov y Khomiuk (magníficos Harris y Watson) y el Vicepresidente del Consejo de Ministros Boris Shcherbina (interpretación brutal de Stellan Skarsgard).

Narrativamente la serie es prodigiosa. Me encanta la manera de estructurar la trama contándonos en cada momento el tiempo que ha pasado desde el mismo y mostrando la actuación que desde los distintos puntos de vista se llevó a cabo (la angustiosa escena de los tres buzos, el impresionante trabajo de los mineros, la limpieza del grafito del reactor en 90 segundos, el trabajo de eliminar a las mascotas de cada casa...). Estos hechos muestran la otra cara del accidente, la cara del sacrificio, de la cooperación, de la valentía y de la unión de un pueblo desolado y confundido tras el accidente.

Algo que no me convence de la serie es la utilización de actores/actrices anglosajones que, obviamente hablan inglés y que en poco se parecen físicamente a los eslavos. Creo que este es un punto débil que hace perder credibilidad a la serie.

Para ir finalizando, me gustaría destacar la excelente banda sonora, que dota a la trama de una dosis de angustia y desesperación bastante agobiantes.

En fin, Chernobyl, es una obra maestra necesaria y que hace reflexionar sobre todo lo que nos queda por aprender como sociedad y como individuos.

Esta es mi primera crítica de una serie, y la verdad que creo que no podría comenzar mejor.
True detective es terrible, malsana, tenebrosa, siniestra, densa, profunda, sutil y maravillosa. Es una de esas series que marcan una época. Es una serie antológica, diferente, y a la vez tanta veces vista dentro del panorama televisivo estadounidense. Es un thriller policiaco nihilista que nos revela a dos personajes absolutamente memorables. El gran duelo interpretativo entre Matthew McConaughey y Woody Harrelson quedará para los anales de la historia de la TV.

Rust Cohle (Matthew McConaughey) es un hombre con una impresionante capacidad intelectual, apasionado por su trabajo, obsesivo, manipulador, inteligente, nihilista, pesimista, solitario y con una enorme capacidad de liderazgo. Además es un sociópata, un misántropo; sin embargo, en el fondo esconde un gran amor por la vida, por los niños y por la libertad de pensamiento. Lee libros de investigaciones policiales y de filosofía. Su profunda y delirante capacidad intelectual le lleva, en muchas ocasiones, a carecer de empatía, compasión y amor al prójimo. Es importante resaltar que, ocasionalmente, tiene visiones que alteran su estado sensorial y psicológico. Esto se debe a sus experiencias con las drogas mientras trabajaba como infiltrado en narcóticos.

Marty (Woody Harrelson) es un hombre moralmente recto, hipócrita, infiel, deshonesto, con gran corazón, machista, con un gran sentido del deber y muy corto de miras. Alardea de la importancia que la familia tiene para ubicarse en un mundo en el que la norma y el deber son primordiales para tener una vida sana y normal. En el fondo, Marty es un hombre atormentado bajo la fachada del típico hombre de familia estadounidense. Es un moralista y, muy al contrario que Rust, es un optimista dolido y apesadumbrado. Además es un policía con una gran reputación dentro del cuerpo debido, como ya he señalado anteriormente, a su gran sentido del deber y de la responsabilidad.

Son memorables los diálogos en el coche en los que se muestran dos formas de entender el mundo completamente opuestas, pero que en el fondo se necesitan y se complementan. Estos diálogos están marcados por una profunda carga intelectual y humana, que nos hacen ver a dos seres atormentados, cada uno a su manera. Es también magistral la forma en que se diseccionan las psiques de los dos principales protagonistas, de manera que como espectadorxs no podemos evitar sentir empatía, odio, amor o repulsión por ellos.

Rust es, en todo momento el que lleva la batuta en la investigación arrastrando a Marty con sus conjeturas y sus pesquisas. Me encanta como los dos se necesitan y se complementan para llevar a cabo las investigaciones, a pesar de sus constantes peleas. Rust es la cabeza y la intuición y Marty pone los recursos materiales y humanos necesarios en cada momento. La relación entre ambos es tortuosa, pero a la larga acaba convirtiéndose en una amistad tierna y leal.

Es fascinante ese aire oscuro y nihilista que desplega la serie en todo momento. Esa densidad que puebla cada uno de los capítulos, y que tan bien representa el personaje de Rust, es la razón de ser de True Detective.

Técnicamente la serie es prodigiosa. La cámara se mueve con una gran fluidez por los parajes de Lousiana regalándonos algunos planos secuencia realmente impresionantes. La fotografía, junto con el guión son la clave de ese denso nihilismo que desprenden cada uno de los ocho capítulos. Y la música es absolutamente bestial. Es una banda sonora que acentúa la angustia, la desesperación y el terror. Más de la mitad de la serie está construida en torno a un flashback central que está maravillosamente construido y que engarza a la perfección con el momento actual. Además hay otros pequeños flashbacks que ayudan a que la comprensión de la trama sea aún mas completa. Pero en mi opinión, lo mejor de la serie está en las interpretaciones. Sublimes MacConaughey y Harrelson, dotando a sus personajes de una profunda personalidad, dejándonos un duelo interpretativo que muy difícilmente podamos volver a disfrutar en el cine o en la televisión.

Grandísima y hermosa película del maestro Visconti, que nos narra las vicisitudes de la familia Valastro en un pueblito de pescadores, su lucha por la dignidad y la supervivencia encarnada principalmente en ´Ntoni Valastro.

La tierra tiembla es un exponente perfecto del neorrealismo italiano:

1. Tiene un tono rotundamente documentalista. Esto se aprecia principalmente en los planos generales del muelle, en la narración de la vida cotidiana de la familia Valastro y del pueblo de Trezza. La cámara tránsita por el pueblo y por la casa de la familia, siempre mostrando su vida de manera natural y espontánea, sin juzgar. Como he dicho abundan los planos generales y escasean los primeros planos. Esto nos muestra la intención de Visconti de narrar la forma de vida de la gente del pueblo, huyendo de sentimientos y emociones individuales.

2. El reparto. Son gentes del propio pueblo y que evidentemente no son actores y actrices. Es fascinante el italiano que hablan, que poco tiene que ver con el italiano formal de las grandes ciudades. De hecho al comienzo del film, hay una frase que nos dice: aquí el italiano no es el idioma de los pobres.

3. La historia no la protagoniza un hombre, ni una mujer, ni siquiera una familia o un pueblo, como pudiera parecer a primera vista. La verdadera protagonista es la POBREZA. Visconti, a manera de anteriores películas neorrealistas de Rosellini o De Sica, la retrata de manera cruel y despiadada. La pobreza carcorme los cimientos de una familia aparentemente muy unida, es cínica, desoladora y no deja títere con cabeza. Es como una fusta que machaca las espaldas de cada ser que osa luchar contra ella. Es importante la relación que establece entre la arrogancia y la pobreza. Cuando la primera crece, la segunda castiga.

Así el personaje de ´Ntoni representa de manera clara esa lucha por la dignidad, por un futuro mejor. Representa también la lucha de lo nuevo contra lo viejo (el abuelo), de la libertad y la independencia contra la esclavitud a la que los pescadores y sus familias están sometidos por los mayoristas. ´Ntoni es la frescura y energía de la juventud, pero también su arrogancia e inconsciencia.

Por último me gustaría también destacar algunos aspectos que me han decepcionado ligeramente.
En mi opinión le sobra metraje. En ocasiones es reiterativa en la narrativa documental de la vida del pueblo y la familia y hay algunas escenas que sobran. Además, Visconti se quiere alejar tanto de sentimientos y emociones individuales, que transmite cierta sensación de frialdad pese a la dureza de la historia.
Las actuaciones en general, son inexpresivas y no reflejan al cien por cien la crudeza de lo que están viviendo.
Por último la voz en off me resulta cargante, ya que no aporta ninguna información adicional, y se limita a contar lo que muestra la imagen. Por lo tanto considero que pierde su poder narrativo.

Aún con todo, la tierra tiembla se erige como una película imprescindible para los amantes del buen cine.

Película magistral y conmovedora que, en mi opinión, es una de las cumbres de las pelis sobre la pena de muerte. Siendo un western, funciona a las mil maravillas como drama y como denuncia.

Carter (Henry Fonda) llega a un pequeño pueblo del Oeste junto a su amigo inseparable Art (Harry Morgan) en busca de una antigua novia. Allí, son testigos de la noticia del asesinato de un ranchero de la zona muy querido por todos. Carter que es un hombre justo, bueno, recto y sensible, decide formar parte de la partida armada que se forma para el linchamiento de los culpables.

Con este simple argumento, William A. Wellman filmó una de las películas más impresionantes y oscuras que se recuerdan en los años clásicos de Hollywood. Pero es que si a eso le añadimos una tensión que va in crescendo a medida que avanza la trama y unas interpretaciones memorables de Fonda, Andrews y el resto de secundarios, nos encontramos ante una obra descomunal al alcance de muy pocos cineastas en la historia del cine.

"Incidente en Ox-bow" es un alegato brutal contra la pena de muerte, y además consigue mezclar a la perfección el western y el drama, convirtiendose así en una obra de un profundo calado moral y psicológico.
Porque además de la evidente denuncia a la pena de muerte, habla de temas tan latentes como los prejuicios de género, en la tortuosa relación que mantiene el mayor Tentley con su hijo, o el racismo, en la manera en la que, especialmente por parte del principal instigador del linchamiento, es tratado el mexicano (Anthony Quinn).

Con todo esto, la obra de Wellman es oscura, tensa y profundamente "noir". Narrativamente es espectacular con un guion breve pero muy sólido. La fotografía tiene tintas expresionistas y, como western que es, está dotada de algunos elementos propios del género (el borracho, el sheriff, el whisky...)

Esta es una de esas películas por las que merece la pena ver y admirar este hermoso arte que es el cine. Es una de las obras que más lo han dignificado, que lo han elevado al séptimo cielo. El ángel exterminador es, en su conjunto, una obra magna dentro del séptimo arte, una obra que prácticamente roza la perfección. Por todo esto y muchísimo más, la obra del genio de Calanda es una de las grandes películas de la historia del cine.

El ángel exterminador es una de las mejores y más conseguidas sátiras que se han realizado dentro del cine. Buñuel aprovecha, como nadie, una situación tremendamente surrealista para parodiar hasta lo caricaturesco a la más rancia burguesía. El refinamiento, la educación, las buenas formas y la cortesía iniciales van dando paso, a medida que el encierro avanza, al primitivismo más absoluto, apareciendo actitudes y comportamientos que en principio nada tienen que ver con las más elementales formas burguesas de conducta. La abulia, la violencia, la maledicencia, el instinto asesino, el odio, la ansiedad y sobre todo el aislamiento y la desesperación se hacen dueños de estos personajes en principio, tan bien educados.
Es por ello, que el ángel exterminador representa ese aislamiento burgués, ese mirar para otro lado ante el dolor de los demás, esa falta de compromiso social y también ese terrible individualismo. Buñuel machaca a la burguesía y lo hace de una manera cruel e inmisericorde.

La atmósfera es sórdida, angustiante, opresora y agobiante. Los toques surrealistas abundan sobremanera, destacando por encima de todos el episodio de la mano, una espeluznante escena que pone los pelos de punta. Las voces externas (que parecen salir de las propias mentes enfermizas de los protagonistas), las escenas oníricas y una fotografía que juega de una manera brillante con los claroscuros forman junto con las buenas interpretaciones y la genial dirección de Buñuel una película bestial que te mantiene pegado al sillón sin pestañear.

En fin, el ángel exterminador es, sin lugar a dudas de las dos o tres mejores películas de Buñuel (quizás la más fascinante) y eso, en términos cinematográficos, son palabras mayores.