Hace unos años, en el 2013, estrenó p3ndejo5, una novedad para mí y para mucha gente. Era una "cumbiopera" resuelta a imponer un nuevo lenguaje, dispuso elementos tradicionales, olvidados del cine, e inundó la película con un espíritu artístico auténtico imposible de ver en la gran mayoría del cine contemporáneo.
p3nd3jo5 tiene mucho que ver con Ragazzi, usando el mismo (?) lenguaje cinematográfico, logré comprender ciertos aspectos que en su anterior película no había apreciado, en Ragazzi pude finalmente sumergirme en el mundo que el director plantea, en su visión conceptualmente original, fílmicamente tradicional, artísticamente imprescindible. Es un escalón arriba de p3nd3jo5, o eso significó para mí, una obra mejor acabada, menos críptica.
Perrone es un director de la igualdad social. Una igualdad que nada tiene que ver con clases sociales ni mensajes revolucionarios, algo mucho más básico que eso. Tan básico que se remite a esas técnicas antiguas de filmación, técnicas que además de permitir ver un discurso específico, dan lugar a la introspección, al análisis, a comprender lo que se intenta comunicar. El necesario mensaje del Perro, se une discursiva y técnicamente en el fin común que tiene la obra artística en sí. Que confluyan lo ético y lo estético, es un compromiso olvidado por la mayoría de los cineastas. El Perro lo logró, hizo una obra redonda, basada en un lenguaje inventado por él. Es un cineasta con todas las letras.
La primera parte, quiere ser una especie de homenaje a Pasolini, aunque parece más un homenaje a su poesía. Los ragazzis italianos que frecuentaba el cineasta en Italia no tienen porque diferir de otros chicos, en este caso, taxiboys de Ituzaingó. Y el mensaje poético, desesperado, violento, que impregnó la obra literaria de Pasolini también encuentra lugar en Buenos Aires. En Ragazzi, Pasolini muere entre versos del final del libro de Teorema (la versión literaria de su película homónima, ambas igual de importantes según el cineasta italiano). En el libro/película, la aparición fugaz de un familiar, se vuelve transcendental para toda una familia que comparte unos días con el visitante. El contacto rápido, impregnado de una especie de religiosidad sexual, descubrió una nueva gama emocional en los protagonistas, fanatizados por la aparición. Pasolini parece ocupar el lugar del visitante en Teorema, revolucionando al Ragazzi que se vio implicado en su muerte, cambiando muy profundamente, aunque de forma menos pomposa que en Teorema.
La segunda parte, recuerda más a las películas anteriores de Perrone, una coreografía confeccionada netamente desde el montaje, las figuras danzantes de niños que se tiran a un río en Córdoba, se tiñe de una preocupación que aparece desde el principio, una nota periodística en la que cuentan cómo un niño se ahogó en ese mismo río, atrapado por basura al fondo. La anarquía dominical del proletario, manchada con las inmundicias industriales dispuestas en el fondo del río, que tantean sus presas, mientras nunca se desprenden de la complicidad política empresarial, que abala su permanencia en la naturaleza.

Más allá de las opiniones cruzadas que esta película generó y sigue generando, la considero una obra auténtica, que es mucho más de lo que se le exige al cine, industrial o independiente. Además estoy seguro de que a Pasolini le hubiera gustado.

...y que nada te afecte."
Me surge una duda en este momento; una crítica a ésta película ¿Es realmente hacia el film o hacia la novela de Georges Perec? Siento que después de verla no necesito leer el libro, es todo tan exacto, toda la imagen está puesta tan en función de la novela que realmente creo estar frente a la mejor adaptación que el cine puede ofrecer a la literatura.
Pero no es todo el libro, a esta película no la hace sólo el texto. La narradora hace un trabajo excepcional, marcando el clímax del relato y los diferentes matices del mismo con su voz. Con ésto es la actriz principal, no por la falta de matices en el rol que interpreta Jacques Spiesser, pues el papel así lo exige, sino porque el alma del film radica en lo que ella transmite, y luego en la puesta en escena. ¿Esto significa una traición al séptimo arte? Sí, y estoy dispuesto a disfrutar de todas las traiciones que quieran hacer.
Lo que sí no le voy a perdonar, sólo porque soy un ser insoportable, es la incongruencia entre el formato narrativo (inicio, desarrollo, climax, final) con el sentimiento mesetoso que transmite toda la narración. Sí, vivimos en occidente, todo se rige bajo esos estándares, blablabla. Igual soy muy imparcial, me identifiqué con la historia y me gustó la película. Los índices de puntuación de FilmAffinity deberán vivir con eso.

Volviendo al film y a lo meticuloso de cada presencia, fundamentalmente en cuanto a sonido y montaje, es admirable el detalle, la búsqueda de perfección se siente en cada fotograma. De todas maneras a nivel realizativo, lo más llamativo para mí fue ver el excepcional uso de las tomas en la calle, con la gente claramente notando la cámara y mirando hacia ella. La rotura de la cuarta pared nunca fue tan sutil y significante como acá. Digo, hasta en un documental ese tipo de filmaciones suelen ser insensibles, bruscas, incómodas para el espectador. Nada de eso sucede, fluyen tan perfectamente con el film, algo similar sólo vi en un par de películas de Agnes Vardá (aplausos).
Sólo queda indignarse por la poco prolifera carrera de Bernard Queysanne después de esta película. Y por la poca sensibilidad (o flojeza) de los adaptadores subsiguientes para encontrar la esencia de una obra literaria y plasmarla en fílmico.

Perdón, se que tiene más cosas, pero me nubla la mente que sea tan fuerte su propaganda religiosa. Sí, es notorio el buen desempeño conceptual desde lo técnico. Todos los planos de la iglesia desde afuera transmiten mucha paz ¿Será el montaje? ¿O solamente los encuadres que usa? No lo sé, pero es sumamente efectivo. Ahora, si como sociedad, seguimos queriendo vincular conceptos como "paz" a edificios donde se va a adorar a unos señores de dudosa existencia, o un libro con una ética sumamente cuestionable, es otro asunto.
Asunto que no logro pasar por alto. Desde el cristo en la habitación, apareciendo en casi todas las tomas, o la cadena de plata con la crucesita en (me pongo de pie) la señora Ann Dowd. Porque si bien el film posee valores con los cuales discrepo absolutamente, Dowd está magnífica. Hace a la típica madre desestructurada, amigable, de faldas amplias y estampadas. Y es que en realidad las mujeres están fantásticas en la película. Todas. Y eso que desde el guión había otro personaje peleando el protagónico. Me refiero al papel de Isaacs, el único que tenía tomas fuera de la habitación que se vinculaban a él únicamente (la cintita en el campo).
Hubo algunas sutilezas llamativas. El hecho de que el personaje esposo de Ann Dowd fuera alguien con una postura política a favor de la tenencia de armas fue interesantísimo. Hubiera deseado algunas situaciones más similares a ésta. Pero en general, cierto brutalismo, encerrado en una iglesia, con padres de familia dolientes generó una mezcla de emociones, que si bien tenía momentos brillantes, por otros se perdía el interés.
El manejo del montaje, al principio y al final, fue brillante. En un principio generando muchísima expectativa, me dio ansiedad. Ansiedad en serio. Y al final (sigo abajo)

Varias cosas que decir. La primera, a modo de aclaración prelliminar, será que nunca me gustaron las películas de juicios, o el estilo de subgénero que representan estos filmes. Desde 12 Angry Men hasta las más recientes, todas me resultan aburridas, casi un ejercicio burocrático, consecuente a un proceso penal de cualquier índole ¿Por qué me sometería a tortura semejante?
Y acá entra en juego una palabra que escuché mucho en relación a Argentina, 1985: que se trata de una película
"Necesaria". Y es que no sé si el resto del mundo estará al tanto, pero este país fue el primero, y uno de los poquísimos en juzgar a sus represores militares. Represores, cuyo accionar viene siendo vanagloriado por un sector de pusilánimes con muchísima llegada social en la actualidad, sobre todo a una clase aspiracional e ignorante del pueblo argentino, bastante mayor al que me gustaría. Ese mismo sector es representado en la película, incluso con la brecha generacional que existe al día de hoy. Hablamos de un "nunca más" que continúa siendo oportuno, ahora tan importante como en 1985.
Este rasgo actual, y a la vez histórico, me genera ira cuando veo opiniones negativas o puntuaciones bajas por personas ajenas a la historia argentina. Me reúso a pensar que alguna envidia al ver morir a sus dictadores libres, y por causas naturales, genere desazón en compañeros hispanohablantes. Pero al mismo tiempo, se trata de una de las películas nacionales mejor logradas (en cuanto a recursos audiovisuales) de los últimos años. Y con mejor logradas, me refiero al canon hollywoodense. Esto le da una plataforma y un alcance grande, muy a mi pesar. Y no lo digo por querer que como país generemos nuestro propio lenguaje cinematográfico, sin mirar tanto a una industria que cada vez tiene menos que ofrecer, sino porque habilita todo tipo de juicio sobre un film, que difícilmente será comprendido en su totalidad en otras latitudes.
Estoy intentando dejar de pensar esta película en relación a la actualidad y a lo que significa. No me sale. En un momento, casi al final, luego de un discurso conmovedor, toda la sala aplaudió. Nadie que se respete aplaude en el cine, en donde probablemente ninguno de sus realizadores se encuentre presente, y ese aplauso se pierda en la nada, significando nada más que una exteriorización absurda de placer, pero acá fue distinto. Este aplauso fue un signo político. Fue un pronunciamiento. Fue adherir a un discurso que hizo temblar a quienes arrebataron la libertad de un pueblo, y en la actualidad amenaza con volver (aunque por momentos les interese más parecerse a Gokú o imitar a Queen).

La verdad es que no, Nicolas Cage no limpia su decadente historial actoral de los últimos años con esta película. Lo que comienza indicando una probable intención de actuaciones con matices, termina convirtiéndose en una típica historia de venganza a lo Tarantino (sin ser tan cool como una película de éste) con un protagonista que pelea con espadas y rompe cuellos. O sea, una película de Nicolas Cage. Respecto a lo actoral es algo destacable el papel antagónico principal y varias personificaciones logradas, como el personaje de la novia de Cage, o los participantes de la "secta".
Lo que sí le da a este film una característica distinta es su criterio artístico, en lo respectivo a lo fotográfico y sonoro. Hay un constante contexto psicotrópico, a veces consecuente con el consumo de drogas, a veces no. Lo que genera una reflexión sobre la presencia de estas sustancias en los personajes en general, un mundo donde aparentemente abundan. O si simplemente es un recurso que busca ser funcional a las líneas generales de la historia, sin tener de esta forma, mucho sentido con las escenas en las que los personajes sí están bajo efectos alucinógenos, viven en un mundo de colores irreales, cuando se drogan siguen viviendo en un mundo de colores irreales (?). Quizás esto se pueda explicar con la toma final del paisaje, pero a mí me queda la sensación de una especie de Inherent Vice (P.T. Anderson) por mencionar un ejemplo de una estética similar, mal logrado.
Me quedo con el mensaje antireligioso que quise leer en el film, con un casting absolutamente acorde a los requisitos de la película y con un tratamiento estético que a pesar de no encontrarle mucho fundamento, ni diegético ni subjetivo, es interesante.