2. Los subtítulos

Ciertamente creo que no. Y no lo creo porque hay fe en el espectador. Fe máxima para que entienda la verdad. En un tiempo de ‘normalización’ de la diferencia, Godard nos arrebata los subtítulos, que son la guía para unificar/normalizar a los espectadores. ¿Adiós al lenguaje? No exactamente. Estar frente a las imágenes de esta obra es equiparable a la experiencia de ver Passage Through: A Ritual, el trabajo de Stan Brakhage que nos dejaba ciegos para, más tarde, hacernos ver como si fuera la primera vez. Aquí sucede algo similar, pero lo que hacemos principalmente es oír como si fuera la primera vez. El film nos obliga a ello. A hacer un esfuerzo para entender al otro.

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Por ejemplo, el que esto escribe se empezó a preguntar en algún momento del metraje por la falta de gestos punk en una cinta que, a su juicio, pecaba de blanda. Poco después, un pintoresco personaje le muestra a un amigo un arsenal de combate. Todo dentro del comentado tono documental, lo que quebró los prejuicios de servidor llenando su cabeza de preguntas: ¿Para qué quiere ese hombre las armas? El punk está bien en la representación, ¿mas debe mezclarse con la realidad? La violencia no lleva a ningún lado bueno en la vida… ¿y en el cine? Yo buscaba guerra audiovisual, pero en este punto ya no tenía claro su utilidad.

El arte está para esto. Para quebrar tus certezas. Y esta escena, atravesada por un fino sentido del humor, hizo las mías añicos. Me dejó igualmente con una sensación de tristeza.

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Porque ser bueno epatando en videoclips no te convierte en un poeta de la imagen, aunque Jonze pueda pensar lo contrario. Y es que el espectador tendrá la sensación, mientras está frente a este trabajo, de que el norteamericano está convencido de su categoría como un lírico de la nada cuando es justo ahí, entre los reflejos de las luces de la ciudad o de la luz invernal que golpea la nieve, cuando más se diluye su último ejercicio. Son unos instantes en los que ha de aparecer el Antonioni que todo creador contemporáneo lleva en su interior pero que aquí sólo revelan a un esteta hortera que ahoga su cinta entre unas aburridísimas transiciones bañadas por la música de los sobredimensionados Arcade Fire. Además, esta inhabilidad para generar atmósferas se formula dentro de un cine narrativo que tampoco funciona como tal, ya que su andamiaje es demasiado débil y no puede hallar la densidad deseada en prácticamente ninguna escena. Por eso, aunque se haya vertido el contenido en un fascinante envoltorio, nada de éste cala.

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Así, la cámara sigue durante más de 100 minutos a un individuo que, al contrario de lo que suele suceder en la mayoría de las cintas modernas (donde éste se pierde y su identidad se diluye), se encontrará a sí mismo en su taciturno deambular. O mejor dicho, a sí misma, pues este personaje lo interpreta inmejorablemente una Scarlett Johansson dispuesta a arrojarse a un tour de force único que la obliga a hablar poco y a decir mucho con su rostro y con su cuerpo.

Porque el objeto no identificado del cine contemporáneo, ya desde Antonioni, es el cuerpo (esta película bien podría haberse llamado Identificazione di una donna), y por eso, la Johansson, sin miedo, se lanza al precipicio y coloca su estrella (su lugar de procedencia también en el film) en crisis al retozar con actores desconocidos en lo que se antoja otra de las claves de las creaciones recientes: el acortamiento de la distancia existente entre la obra mainstream y la periférica.

Bajo las inquietantes atmósferas escocesas, donde el sol apenas se concibe, pulula un ser que parece tener su espejo en las citadas estrellas perdidas bajo las nubes norteñas. Colocada en el mundo terrenal, abocada a la marginación cual prostituta, este extraterrestre descubre su verdadera naturaleza (que no difiere demasiado de la nuestra: ojo al conmovedor episodio en el que la piedad surge como una emoción perteneciente no sólo a nuestra especie, sino al universo) tras varios encuentros que pondrán en entredicho su razón de ser. La producción se alza de esta manera como un apasionante ejercicio que parece decirnos que el cine narrativo no deja de buscarse a sí mismo, a sabiendas de que el relato ya apenas existe. Igualmente, que la ciencia ficción necesita explicar, como si fuera por primera vez, lo que significan sus componentes (la oscuridad, los contraluces, el sonido metálico, los silencios, el suspense…), ahora que el ruido y la pretensión se han alzado como la bandera de lo real.

No parece, entonces, casual que el film comience en la abstracción total, se dirija hacia las carreteras en busca de algo que contar, advierta su reflejo en la piedad y acabe en el ambiente espectral de un bosque, el espacio en el que se han sucedido tantas obras mayores del audiovisual reciente.

Porque Under the Skin es una realización sobre el rastro que dejan las estrellas. Y así, en su proyección vislumbramos, por ejemplo, a Kubrick, a Ridley Scott, a Claire Denis, a Apichatpong Weerasethakul, a Kelly Reitchard o a Antonioni. También, y contra todo pronóstico, al Malick de El Árbol de la Vida, con la que comparte una compleja reflexión sobre la crueldad inherente a la naturaleza y sobre la piedad como su contrapunto ‘antinatural’ proveniente de lo más profundo e inextricable de la creación.

Puedes ver la video-crítica en https://www.youtube.com/watch?v=XceEHrE9o6g