La historia gira en torno a dos hermanas, Baby Jane Hudson (Bette Davis) y Blanche Hudson (Joan Crawford), ambas actrices que tuvieron éxito en diferentes etapas de sus vidas.

La película explora cómo el paso del tiempo destruye tanto la belleza como la relevancia en el mundo del espectáculo, especialmente para las mujeres. La reclusión de las hermanas en una casa decadente refleja su aislamiento emocional y mental.

Jane Hudson fue una niña prodigio del teatro musical, famosa por sus actuaciones y su personalidad egocéntrica. Sin embargo, su carrera declinó al crecer. Blanche Hudson , por otro lado, alcanzó la cima del éxito como estrella de cine mientras Jane fracasaba como actriz adulta.

Tras un accidente de coche que dejó a Blanche paralítica (supuestamente causado por Jane), ambas viven juntas en una mansión en decadencia, donde Jane se convierte en la cuidadora de su hermana. La relación entre ellas es enfermiza y llena de resentimientos. Jane, cada vez más inestable, somete a Blanche a un abuso físico y psicológico mientras intenta desesperadamente revivir su gloria pasada.

Robert Aldrich utiliza un estilo expresionista, con un blanco y negro cargado de sombras que subraya la atmósfera opresiva y claustrofóbica.

Bette Davis ofrece una interpretación icónica como Baby Jane, exagerada y grotesca, pero también trágica. Joan Crawford interpreta a Blanche con una contención que contrasta con la histeria de su hermana, añadiendo profundidad a la relación.

*Relación entre Bette Davis y Joan Crawford en la vida real*

Ambas eran grandes estrellas del Hollywood clásico y competían por papeles importantes. Davis creía que Crawford usaba su apariencia y encanto para conseguir roles, mientras ella confiaba en su talento actoral.

Durante el rodaje, la tensión era palpable. Crawford acusó a Davis de ser agresiva físicamente en una escena y de intentar sabotearla. Por su parte, Davis afirmó que Crawford dificultaba el trabajo.

En una escena donde Davis tenía que golpear a Crawford, la fuerza del impacto fue tal que Crawford requirió puntos. Crawford, sabiendo que Davis sufría problemas de espalda, cargó pesas bajo su ropa para hacer más difícil una escena en la que debía ser arrastrada.

Aunque la enemistad nunca desapareció del todo, ambas actrices reconocieron la importancia de la película en sus carreras y, en cierta medida, aceptaron la relación como un legado cultural.

Otras películas que también exploran el tema de las estrellas de cine que envejecen mal son: 1. "Sunset Boulevard" (1950). Título en español: El crepúsculo de los dioses. 2. "All About Eve" (1950). Título en español: Eva al desnudo. 3. "The Star" (1952). Título en español: La estrella.

"Jurado Nº 2" es una película estadounidense de 2024, dirigida por Clint Eastwood.

Argumento: Justin Kemp es llamado a formar parte de un jurado en un juicio por asesinato. A medida que avanza el proceso, Kemp se enfrenta a un dilema moral al darse cuenta de que podría estar más involucrado en el caso de lo que inicialmente pensaba, lo que lo lleva a cuestionar su papel en la búsqueda de la justicia y su propia integridad. La película explora temas profundos como la culpabilidad, la moralidad y la falibilidad del sistema judicial.

Dirección: Eastwood, a sus 94 años, ofrece una dirección elegante y sobria, enfocándose en la complejidad emocional de los personajes y en la tensión inherente al proceso judicial. La narrativa se desarrolla con un ritmo pausado, permitiendo una inmersión profunda en el conflicto interno del protagonista y en las implicaciones éticas de sus decisiones.

Es admirable la capacidad de Eastwood para cuestionar las debilidades del sistema de justicia norteamericano. Es, sin duda, uno de los grandes narradores del cine contemporáneo.

To Leslie (2022) es un drama independiente estadounidense dirigido por Michael Morris, basado en un guion de Ryan Binaco. La historia sigue a Leslie Rowlands, una madre soltera en Texas que, tras ganar la lotería, desperdicia el dinero rápidamente en fiestas y una vida de excesos. Años después, quebrada emocional y financieramente, se enfrenta a las consecuencias de sus decisiones mientras lucha por reconstruir su vida.

La narrativa profundiza en temas como el arrepentimiento, el alcoholismo, la redención. y la resiliencia humana. Michael Morris utiliza un enfoque minimalista para capturar la crudeza de la vida de Leslie. Su estilo visual se centra en paisajes áridos y entornos opresivos, que enmarcan la lucha interna del personaje principal.

El guionista, Ryan Binaco, entrega una historia conmovedora y desgarradora que evita el melodrama. La evolución de Leslie es descrita con autenticidad, haciendo que su travesía sea creíble y profundamente humana.

La película aborda de manera realista los efectos destructivos del alcoholismo. Muestra que el camino hacia la redención puede ser lento y lleno de altibajos. Examina cómo las conexiones humanas pueden ser una fuerza poderosa para la recuperación.

Andrea Riseborough ofrece una actuación soberbia y conmovedora. Su interpretación de Leslie es el núcleo emocional de la película, capturando la complejidad y el dolor de la adicción con profundidad y autenticidad. Su trabajo ha contribuido significativamente al reconocimiento que la película ha recibido.

"Amor Carnal" en España, "Amores Caníbales" en América (The Bad Batch) es una película estadounidense de 2016 dirigida por Ana Lily Amirpour, ambientada en un futuro distópico donde una sociedad se ha derrumbado, dejando a aquellos que no encajan en el sistema social —los "bad batch"— fuera de la ley, marginados y abandonados en una zona desértica. La historia sigue a Arlen (interpretada por Suki Waterhouse), una joven que es capturada por una comunidad caníbal. Después de ser marcada y mutilada, logra escapar y encuentra un refugio en una comunidad distinta, liderada por un hombre llamado Miami Man (Jason Momoa).

En su travesía por este desierto brutal, Arlen cruza caminos con Miami Man (Jason Momoa), un miembro del grupo caníbal que resulta ser tanto un enemigo como un interés romántico inesperado. Este encuentro la lleva a replantearse sus valores y decisiones en un entorno donde la moralidad está distorsionada por la lucha por la supervivencia.

La película combina imágenes estilizadas y un ritmo pausado que enfatiza la brutalidad del mundo que retrata. Más allá de su temática de supervivencia y horror, también aborda el amor y las conexiones humanas en circunstancias extremas.

Amor Carnal es una obra que mezcla elementos de western, romance y crítica social. Ana Lily Amirpour mezcla géneros como el horror, la ciencia ficción y el western distópico. A través de un estilo visual único, la directora crea una atmósfera inquietante que explora temas como la exclusión social, la supervivencia, la libertad y las relaciones humanas en un contexto post-apocalíptico.

El estilo visual de The Bad Batch es uno de los aspectos más notables de la película. Con una cinematografía cargada de colores saturados y planos fijos que dan una sensación de calma inquietante, Amirpour crea un contraste entre la belleza visual y la brutalidad del mundo en el que se desarrolla la trama.

La película explora el tema de la supervivencia en un mundo en ruinas, donde las normas sociales han desaparecido y las personas deben crear nuevas reglas para vivir. Los "bad batch", aquellos que son etiquetados como inadaptados, son arrojados a una zona desolada sin leyes ni orden. Esto plantea preguntas sobre la exclusión social, la discriminación y cómo los seres humanos intentan encontrar sentido o comunidad en situaciones extremas.

La dinámica entre Arlen y Miami Man es un punto clave en el desarrollo emocional de la trama. Aunque al principio la película parece centrarse en la lucha por la supervivencia y la violencia pura, a medida que avanza, el enfoque cambia hacia las relaciones entre los personajes y su lucha interna por encontrar un sentido a sus vidas. Miami Man, interpretado por Jason Momoa, es un personaje aparentemente rudo y peligroso, pero su relación con Arlen introduce una complejidad que sugiere que la humanidad aún puede existir en los rincones más oscuros de este mundo.

Un aspecto que subyace a la película es una crítica a las estructuras sociales y económicas, especialmente al capitalismo. Los personajes son forzados a una constante lucha por la supervivencia y se ven reducidos a objetos en un sistema que los margina. La película puede ser vista como una alegoría de la alienación social y económica en el contexto de la marginalidad y la pobreza.

The Bad Batch es una obra enigmática y estilísticamente audaz que no da respuestas fáciles ni ofrece una narrativa convencional. En lugar de centrarse en un desarrollo narrativo claro, se enfoca en la creación de un ambiente opresivo donde los personajes deben enfrentar la violencia, la alienación y sus propios deseos.

Mientras la veía, trataba de imaginarme la película sin canibalismo. Con otras formas de brutalidad y alienación, pero sin canibalismo. Las posibilidades de deshumanización en una sociedad de seres excluidos son infinitas. Creo que a Ana Lily Amirpour debieron ocurrírsele más ideas, pero ignoro las razones que la han llevado a decidirse por una tan despiadada.

Hostel (2005) es una película de terror dirigida por Eli Roth y producida por Quentin Tarantino.

La trama sigue a tres jóvenes mochileros, Paxton, Josh y Óli, que están viajando por Europa en busca de aventuras y diversión. En Ámsterdam, son convencidos por un extraño para visitar un hostal en Eslovaquia, que promete mujeres hermosas y desenfreno. Sin embargo, lo que parece ser un paraíso se convierte rápidamente en una pesadilla cuando descubren que el hostal sirve como tapadera para un negocio oscuro: turistas son secuestrados y vendidos a millonarios que pagan por torturarlos y asesinarlos en un ambiente controlado.

La película retrata el descenso de los personajes principales a una trampa mortal, explorando temas como la explotación humana, el turismo y la decadencia moral.

Hostel polarizó a la crítica y a los espectadores. Por un lado, fue alabada por su audaz representación de la brutalidad, su atmósfera inquietante y su comentario social implícito sobre la cosificación y explotación en el turismo. Por otro, fue criticada por su exceso de violencia gráfica, su trama simplista y por ser considerada gratuita en su uso del gore.

Aspectos positivos: Introdujo un estilo de terror visceral y gráfico que influyó en películas posteriores. La dirección de Eli Roth consiguió un tono opresivo y claustrofóbico. Fue un éxito de taquilla, recaudando más de 80 millones de dólares con un presupuesto de 4.8 millones.

Aspectos negativos: La representación de los personajes femeninos es superficial y estereotipada. La violencia eclipsa el desarrollo narrativo.

Los efectos especiales, a cargo de Greg Nicotero y su equipo, son uno de los puntos fuertes de la película. Las escenas de tortura y mutilación son extremadamente realistas, lo que aumenta el impacto psicológico en el espectador.

La iluminación y el diseño del set contribuyeron al ambiente opresivo y sucio, realzando el impacto de las escenas violentas.

Hostel es una obra emblemática dentro del cine de terror extremo, pero su contenido gráfico y su atmósfera angustiante no la hace apta para personas sensibles.