La obra es además de un romance bien construido, una crítica al mundo de las grandes empresas, en este caso las farmacéuticas, y su mentalidad imperialista que acaba usando a las personas y los países más desfavorecidos como sustento económico a través de prácticas cuestionables, y en ocasiones denunciables. Lo que se nos muestra, una vez que se retira el gran telón, es que la empresa que se investigaba está realizando unas fraudulentas pruebas médicas en la población keniata, con el objetivo de desarrollar una droga, cura para la tuberculosis. Realmente, la trama es bastante simple, pero debido a la manera en la que se dispone la historia, se consigue mantener la atención y el interés del espectador en todo momento. Sin embargo, lo verdaderamente importante de la obra es la denuncia que supone, que quizás en el momento de su estreno resultaría más impactante, ya que con el tiempo se han ido realizando películas parecidas, pero que igualmente mantiene fuerza en la actualidad como declaración sobre la en ocasiones brutal política que siguen las corporaciones multinacionales con tal de conseguir los beneficios deseados. La grabación de estilo más cercano al documental, con la cámara en mano y los movimientos más rápidos de lo habitual, ayuda a reforzar la sensación de estar viendo algo verídico en su totalidad, lo que hace que la historia funcione bien como representación de varios casos. Cabe destacar que pese a este estilo visual más naturalista, la cinta no se aleja de imágenes puramente bellas, las cuales abundan.

A mi parecer lo único que impide que esta se convierta en una cinta completamente redonda es que la historia no se distancia lo suficiente de otras cintas parecidas. Por ello hay momentos en los que da la impresión de haber visto escenas demasiado similares anteriormente. Aún así, en su conjunto El jardinero fiel es un thriller efectivo e impactante.

Justin (Fiennes) acaba descubriendo que su mujer Tessa fue brutalmente asesinada (algo que descubrimos al principio de la película), por intentar destapar la trama criminal a la que incluso estaba vinculado el gobierno británico. Una vez asegurado su objetivo de descubrir la verdad y que la información llegue a buenas manos, Justin decide ir al lugar en el que ella fue asesinada y entregarse a una muerte segura por parte de otros mercenarios de la compañía. No podría haber sido de otro modo. Como él mismo explica, su hogar era su mujer, y al ya no estar ella no tiene a donde ir ni razón por la que vivir. Siempre le fue fiel en vida; tras su muerte lo fue también a sus ideales y en un último momento a su memoria, por lo que escoge un destino cruel, en el que en cierto modo se reencontrará con ella. Es un acto final de amor y fidelidad absolutos que lo convierten en un auténtico héroe moral, un hombre constante.

Celia Johnson interpreta a Laura Jesson, una mujer de mediana edad que de manera azarosa conoce a un hombre llamado Alec (Trevor Howard), casado como ella, con el que compartirá un romance marcado por la contención y los sentimientos de culpa. La primera interacción se produce cuando a Laura le entra en el ojo un pequeño trozo de grava, y él al ser médico y ver que le ocurre algo, se ofrece a ayudarla. Es una instancia boba y trivial, pero que desencadena una serie de encuentros posteriores. El personaje de Johnson se ve atormentada porque tiene sentimientos hacia el médico, pero se reprime a sí misma, causándose mucho dolor. Está casada con un marido apático pero bienintencionado, y tiene dos hijos. Se siente atrapada por la situación y los códigos morales de la época en los que se encuentra, y al mismo tiempo tiene remordimientos porque realmente quiere a su familia. Con una serie de conflictos internos y de contradicciones tanto morales como sentimentales, y respaldándose con una brillante actuación que desprende autenticidad, se construye uno de los mejores personajes femeninos que ha visto el cine.

Las constricciones sociales envuelven cada escena con un aura represiva, que impregna a todos los personajes. Es como si hubiese una permanente presencia que les obliga a actuar de actuar con cautela, como si cada vez que alguien se comporta de forma irregular estuvieran a punto de irrumpir las fuerzas del orden para remediarlo de inmediato. El espectador se convierte en el Gran Hermano que observa desde un lugar distante.

Al principio Laura es reticente a dejarse llevar por sus deseos, incluso al de estar acompañada únicamente por un hombre que no sea su marido. Incluso cuando acaba yendo al cine con Alec, o simplemente come con él, siente la necesidad de actuar con cautela y mentir, por si alguien pudiese descubrir lo que está haciendo. En una democracia uno se puede ver sometido a una dictadura moral, tan asfixiante como un régimen gubernamental. Cada persona se ver forzada a vivir los suyos, y existen, aunque su presencia no se haga patente al no llegar nunca a verbalizarse. De este modo, Laura sufre por el mero hecho de sentir algo que el resto de personas reprobarían. La única felicidad que ella puede atisbar está fuera de su alcance por un moralismo castrante. El tiempo la ha hundido en una rutina que ya no le satisface y en la que si no hace nada, podría verse atrapada durante el resto de su vida. Y realmente, no es que ni ella ni su marido tengan la culpa, pero el tiempo puede hacer estragos en la vida de la gente, de manera progresiva y adormecedora, sin que ni siquiera se den cuenta de lo que sucede hasta encontrarse en una masa difusa de días grises y asépticos. A mi no me echéis la culpa, cést la vie.

Eventualmente, los dos acaban confesándose sus sentimientos y parece que se encuentran en una cuenta atrás. Quizás sea demasiado tarde, porque a él le han ofrecido un trabajo en Johannesburgo (Sudáfrica), y es probable que se mude con su familia. Es por esto, y por todos los temas que se tratan en la película que una estación de trenes no podría ser más adecuado como localización de un gran número de las escenas. Los interminables viajes, las masas anónimas que pasan por ahí, solo por un instante, el sentido de urgencia y de inevitabilidad... Se crea la sensación de fatalidad de la que el espectador no puede escapar. ¿Es realmente esto lo que están sintiendo los personajes? ¿Por qué me veo compartiendo su dolor? Viendo esta obra se es una pasajero más, y por un momento se puede tomar parte en otra vida que quizás nunca existió, pero la realidad emocional de un gran número de personas a lo largo del tiempo. Lean hace un trabajo absolutamente excelente a la hora de traspasar estas sensaciones a lo largo de la pantalla, y a lo largo del tiempo.

Siguiendo con el tema de los personajes y los actores, no entiendo por qué siempre se incluyen unos secundarios tan irritantes, haciendo el típico pack-familia-cateta que tanto recurre en estas comedias. A parte de los personajes principales fundamentales es difícil encontrar a un personaje que no te exaspere por su estúpida manera de ser, o la manera caricaturesca en la que esté interpretado. No es por falta de actores buenos, que los hay, aunque estén escondidos en películas infrafinanciadas que pasan por taquilla de forma tan fugaz que uno casi no se de cuenta. Y este es uno de los grandes problemas de nuestra "industria" cinematográfica. Para hacer un proyecto con una producción decente, se necesita el respaldo de las pocas productoras dispuestas a invertir el dinero que hace Mediaset, pero para que uno pueda recibir esta financiación tiene que acatar ciertos estándares formales que imposibilitan que una película se aleje de las características que garanticen que haga bien en taquilla. ¿Y cómo se puede llegar al máximo público posible en una panorama en el que los espectadores están acostumbrados a consumir productos genéricos repletos de chistes obscenos? Creando un producto estándar de limitada creatividad que emplee un humor accesible a todos, aunque esto sea en perjuicio de la calidad artística de la obra. El personaje de Joan Pera es el que sale de la película con la dignidad intacta, ya que es el que más se aleja de todas estas cualidades negativas que se explotan en un intento de ser gracioso de manera trasgresora. Luis Tosar también destaca, pero más por su propia actuación que por el personaje que interpreta.

El problema no está principalmente en la dirección de Daniel Monzón, la cual es una de las mayores bazas a favor de la película, aunque esta cuente con algunos problemas de ritmo. Los defectos estaban ya en un guión muy mejorable que no aprovecha al máximo la potencialidad de la trama. De nuevo, el humor no es muy astuto, y los momentos verdaderamente graciosos son demasiado escasos. El desenlace de todas las tramas que aparecen consigue ser más elegante de lo que se espera debido al desarrollo desigual perceptible a lo largo de la historia, ofreciendo una ligera redención final, especialmente por el bonito momento entre el personaje de Joan Pera y la mujer que conoces en el barco. Otros cabos sueltos finalizan de manera más problemática, pero en general Yucatán consigue llegar a puerto, escapando por poco una catástrofe mayor.

Dos referencias náuticas para finalizar... No está mal.

Entre el reparto principal también se encuentran Juno Temple, Joshua Leonard y Jay Pharaoh cuyas actuaciones no llegan a alcanzar en ningún momento la consistencia ni la calidad aportada por Foy. Asimismo hay un inesperado cameo por parte de Matt Damon, al que parece gustarle este tipo de esporádicas y breves apariciones, a pesar de ser una gran estrella. Damon ha trabajado anteriormente con Soderbergh en varias de sus películas, algo que podría explicar el motivo de su colaboración, pero aun así es curioso verle en pantalla en una aparición tan fugaz.

La historia que se nos presenta resulta interesante, y si se puede decir algo a favor de la película es que entretiene en todo momento. Aunque puede esto se deba a Foy, ya que estoy convencido de que podría grabar un vídeo leyendo una guía telefónica y disfrutaría viéndolo igualmente. Sin embargo, aunque el argumento tenga gran potencial, el guión no acaba de convencer, resultando forzado en algunos instantes y un poco ridículo en otros. Este es el mayor handicap de la cinta, que provoca que lo que podría ser una sólida película acabe siendo un solo experimento interesante. Y es una pena, porque se podría haber convertido en el ejemplo perfecto de como las nuevas tecnologías proporcionan grandes facilidades a la hora de la creación de proyectos audiovisuales y la consiguiente democratización del medio cinematográfico, pero sin tener ninguna culpa los medios empleados, la película tiene sus evidentes deficiencias.

El final tampoco llega a convencer del todo, ya que no queda muy clara la intencionalidad de las escenas finales en relación con la obra en su conjunto. Sawyer se ha conseguido librar de su acosador, pero hay secuelas psicológicas de las que no va a poder escapar. En principio esto puede parecer un desenlace coherente y razonable, pero hay algo que no llega a funcionar del todo, y es difícil determinar qué exactamente. Puede que sea el hecho de que durante parte del metraje se hubiese estado poniendo en duda la cordura del personaje, resultando después que ella tenía razón sobre la conspiración del centro psiquiátrico y el trabajador que ella asegura ser un acosador que la ha estado siguiendo desde hace mucho tiempo. Se podría teorizar que el final pone en duda si la conspiración realmente estaba sucediendo, pero esto no se sostiene si tenemos en cuenta la escena entre la madre y el acosador, ya que Sawyer no estaba presente en ese momento y por tanto la escena no podría ser algo que estuviese imaginando que le ocurre, al igual que pasa con las escenas de la madre intentando liberarla. Sí, también se podría pensar que todo eso es parte de su imaginación, pero si toda la película son meras fantasías, ¿qué sentido tiene ver toda esta sucesión de delirios? ¿Por qué debería interesarse el espectador por la película si absolutamente nada es real? Igualmente, no sería una historia satisfactoria.

Es una película que merece la pena ver como curiosidad cinematográfica y por la actuación de Foy, pero por desgracia hay mucho potencial desperdiciado.

La historia es la siguiente: Red (Nicolas Cage) es un leñador que vive con su novia Mandy (Andrea Riseborough) en una cabaña en mitad del bosque. Un día, estando ella de paseo, es vista por el demente y emocionalmente inestable líder de una extraña secta compuesta a partes iguales por paletos y lunáticos devotos. El hippie se obsesiona con ella y hace que sus esbirros la secuestren para poder tenerla. Bueno, no exactamente, en realidad hace que sus secuaces invoquen a unos motoristas infernales para ello; al parecer es tan fácil como soplar en una concha (¿o era una flauta?) estando en las profundidades del bosque, por si a alguien le interesa probarlo. La secta acaba quemando viva a Mandy delante de Red, después de que ella se mofase del líder. A partir de ahí, Red pierde la cabeza y empieza a matar a los malhechores.

Están presentes los típicos símbolos religiosos, los animales putrefactos, los desconcertantes triángulos místicos... Bla, bla, bla, charlatanería visual que excita a los críticos, pero que al estar representados tan frecuentemente por autores que realmente los usan de manera superficial, no impresionan ni suscitan una mínima fascinación. Es la banal pretenciosidad en la que se regodea Cosmatos la que me provoca rechazo y para mí le quita calidad a lo que podría haber sido una película bastante atrayente, más allá de los inusuales colores y personajes.

No es que no sea una cinta que merezca la pena ver, porque a pesar de no ser una película de calidad si uno se pone a analizarla seriamente, es cautivadora visualmente. Además, 'Mandy' tiene una escena que debería pasar a la historia como una de las mejores secuencias del cine, en la que Nicolas Cage, da rienda suelta a todo lo que le ha convertido en un icono de la locura interpretativa, y grita histéricamente en calzoncillos, grita mucho, bebe alcohol directamente de una botella, y grita un poco más. Parece broma, pero realmente me encanta la escena. Le recomiendo a cualquier persona que esté leyendo esto que haga una pequeña pausa y se dirija directamente a Youtube o alguna otra plataforma de vídeo e intente encontrar la escena, porque es más de un minuto de Cage desencadenado. A partir de ese momento no hay vuelta atrás y no reduce la intensidad de su interpretación hasta el final. La verdad es que tampoco es que la historia le de un respiro porque esa última parte de la película es un caos absoluto. Al que quiera ver a Cage en su otra obra cumbre, en cuanto a intensidad apabullante, le recomiendo una película del año anterior a 'Mandy', llamada 'Mamá y papá'.

Se podría decir que la obra se divide en dos partes. La primera es la calma antes de la tormenta, en la que el interés fluctúa, por culpa de algunos elementos pretenciosos de la película; por poner un ejemplo, están los ridículos y dispersos diálogos sobre las ideas a los que se suscriben los miembros de la secta. Si realmente fuese tan satírico no se recrearía con largos monólogos incomprensibles en los que es imposible mantener el interés de manera tan prolongada. La segunda parte tiene lugar después de la muerte de Mandy, y es un vengativo gore de serie B con un envoltorio llamativo, pero a fin de cuentas, tan ridículo como las películas de aquel género. Hay momentos en esta parte que el tono cambia a lo que parece una auto-parodia (incluso hay una pelea de motosierras), pero por desgracia, siempre se vuelve a la cargante pretenciosidad del que vende una divertida gamberrada como un serio intento artístico.

Mandy resulta una película un poco confusa por tener una calidad tan variable. Es perceptible que Cosmatos tiene talento como cineasta, y me interesaría ver más obras suyas, si alguna vez se decide a hacer algún proyecto más serio (o más bien, hacerlo de manera más seria).