"Las alas de la paloma", pudo ser la típica adaptación cinematográfica académica de James Ivory (con las virtudes y defectos que ello implica); sin embargo, un director irregular como Iain Softley se le adelantó, con resultados más que interesantes. Los personajes no son tan contenidos emocinalmente, y expresan sus sentimientos y pasiones en una forma mas abierta que las películas de Ivory. En este sentido, se agradece la incorporación, sin púdores, de la sexualidad entre los personajes. Destacables interpretaciones del trío protagonico; Helena Bonham Carter (una loba con piel de oveja) es una víctima de las circunstancias, sin embargo no duda en manipular a las personas que la quieren para lograr sus objetivos; Linus Roache convincente con los dilemas de su personaje y Alison Elliott adorable con su cándidez y nobleza de espíritu.
El guión con inteligentes diálogos, transmite al espectador esa sensación de "peligro" de que cualquiera de los personajes puede hablar de mas, y poner al descubierto sus verdaderas intenciones, a esto ayudan acertados silecios y miradas.
En el plano formal, destacaría el uso de movimientos modernos de cámara, pero sin caer en lo rebuscado y una fotografía que remite al colorido de los cuadros de Klimt. Objetaría cierta espectacularidad innecesaria en la película, que no viene al caso, ya que se trata de un relato de época esencialmente intimista; así como también, ciertos énfasis musicales reiterativos.

"Camila" debe ser una de las mejores películas del cine argentino y latinoamericano. Basada libremente en hechos reales, nos cuenta una historia de un amor imposible entre un sacerdote jesuita y una joven de la aristocracia del Buenos Aires de 1840, durante la dictadura del general Rosas. La directora estructura la historia en forma de melodrama romántico (con las limitaciones que ello conlleva), pero evitando la cursilería y la sensiblería. Destaca la hermosa reconstrucción de época; a pesar del bajo presupuesto, la directora compensa esto, con un notable sentido estético en la construcción de cada plano, apoyada en una cálida y vaporosa fotografía, vestuario de calidad y, por sobre todo, se nota la utilización mayoritaria de locaciones e interiores reales.
En el plano dramático, destaca la actuación de Susu Pecoraro como Camila, bella y carimática; en cuanto a Imanol Arias, su actuación también es convincente, a pesar de que le doblaron la voz, el efecto no molesta; destacable también la actuación de Héctor Alterio (gran actor argentino) como el estricto padre de la protagonista. Es en la construción de los personajes de la Iglesia Católica, donde la directora cae en cierto maniqueímo.
Otro aspecto a destacar de la película, es que la directora retrata la represión política de la época de Rosas, haciendo una valiente referencia a la dictadura militar argentina (1976-1983) y las violaciones a los derechos humanos.
En fin, felicitaciones al cine argentino, que generalmente es el que saca la cara por el cine latinoamericano a nivel internacional.

"La edad de la inocencia", es uno de los trabajos más singulares de Martin Scorsese; acostumbrado a explorar la violencia del ser humano y particularmente en Nueva York. Esta vez, explora otro tipo de violencia en el Nueva York del 1870.
Haciendo gala de una magnífica y estilizada puesta en escena: suntuosa y colorida (pero sin caer en lo "kitsch"). Scorsese introduce al espectador en la alta sociedad neoyorquina de la época; desde la espectacularidad de las escenas en la ópera y el salón de baile, para llegar al intimismo en las casas de los aristócratas. Por otra parte, el director saca provecho de su habilidad con distintas técnicas cinematográficas (sobre todo, el detalle visual), para así poder transmitir al espectador información, que los personajes no pueden expresar. Así también, en éste sentido, es acertada la utilización de una voz en off femenina, que también informará al espectador, lo que los personajes no se atreven a decir. Todo esto, por que "La edad de la inocencia" es esencialmente una historia sobre la contención emocional y sexual, que debe sufrir la pareja protagónica; a causa de vivir en una sociedad hipócrita, que vive de las apariencias y que llena sus días con ceremonias y rituales sociales; vivivendo en una especie de burbuja que los aparta del mundo real. A mi juicio, ésta es la "inocencia" a la que hace referencia el título de la película: el hecho de que esta alta sociedad, vivía en ésa burbuja de apariencias; y no tenía idea, de los grandes cambios que experimentaría el mundo, en pocos años más.
En cuanto a las interpretaciones, es interesante como Scorsese hace un paralelo entre el desborde emocional, en el escenario de la ópera y lo contenido de las actitudes de los personajes; ya que cada gesto o saludo puede ser mal interpretado. En este sentido, es notable la interpretación de Day-Lewis como Archer; su personaje es contrario al estilo de vida de los de su clase, pero igual sigue el juego y acepta un matrimonio casi arreglado entre familias. En ésto, llega el personaje de la condesa Olenska, interpretado por la hermosa Michelle Pfeiffer, con su encantador acento francés y el atrevimiento de ser una mujer que abandonó a su marido; y se transforma en la chispa de libertad que el personaje de Archer esperaba. Esto dará comienzo, a la lucha interior del personaje de Archer, por seguir la moral de la aristocrácia o bien dejarse llevar por sus verdaderos sentimientos. En esto, es notable como el director, logra transmitir al espectador, la sensación de contención emocional del protagonista; a un extremo, que el espectador piensa, que en cualquier momento puede estallar emocionalmente y mandar a su esposa y a la alta sociedad al diablo. Destacable también, la actuación de Winona Ryder como May, la esposa de Archer, quién con su fragilidad, aparente inocencia y con acciones mínimas, logra manipular tanto a su marido como a la condesa Olenska. Continúo en "spolier"........

"El gatopardo" constituye una obra maestra de Visconti y del cine italiano, más allá de su deslumbrante puesta en escena, que transmite al espectador no sólo como se veía sino también como se sentía el siglo XIX, rescato el profundo mensaje político de la película: Visconti recrea desde Sicilia, la turbulenta Europa de mediados de siglo XIX, donde una serie de conflictos bélicos:la guerra franco-prusiana, la misma guerra por la unificación italiana y, por que no, al otro lado del Atlántico la guerra civil norteamericana; todos éstos conflictos venían precedidos y acompañados de procesos revolucionarios burgueses desde la Revolución Francesa (Revoluciones de 1830, 1848, etc.) y que la Restauración no pudo parar por mucho tiempo. El mundo de la aristocracia, descendiente de los señores feudales, estaba llegando inevitablemente a su fin, ante el ascenso de la burguesía. Sin embargo, en estos procesos bélicos y revolucionarios comenzaron a verse los primeros atisbos de levantamientos del pueblo (obreros y campesinos) que tenían ya cierto olor a socialismo. Es allí donde los ricos: la aristocracia y la alta burguesía, reaccionaron y silenciosamente pactaron la paz y mediante una hábil estrategia de matrimonios por conveniencias, los ricos se aseguraron el poder y pusieron las bases de la sociedades capitalistas. Esto representa realmente la "historia de amor" entre los personajes de Tancredi (Alain Delon) y Angélica (Claudia Cardinale): Tancredi tiene título nobiliario pero no tiene dinero, por otra parte, Angélica es hermosa y adinerada pero proviene de una vulgar familia burguesa que se ha enriquecido con la política. El Príncipe de Salina, interpretado magistralmente por Burt Lancaster, ve en el matrimonio de Tancredi y Angélica, la posibilidad de salvar a su estirpe; aún cuando sacrifique el amor de su hija por Tancredi (continúo en spoiler").

"La reina Margot", es lejos mi película favorita, pocas veces he visto una película histórica en que el espectador se sienta transportado a la época en que los hechos ocurren. La factura es impecable: el vestuario, la dirección de arte, la música, la fotografía de primer nivel. Sin duda esta debe ser la mejor película de Chereau, quién también es director de ópera y eso se nota en la película, en la estilización de las actuaciones y el lirismo y teatralidad de algunos diálogos. Sin embargo, Chereau logra un brillante equilibrio entre la estilización operática y un realismo psicológico y visual casi documental; el mejor ejemplo es la secuencia de la masacre de San Bartolomé, que es realmente terrorífica. Pero hay que hacer notar, que Chereau muestra la violencia con naturalismo, sin ocultarla ni tampoco haciendo incapié en ella; al contrario de las películas yanquis donde la violencia es mostrada como un vibrante espectáculo, como en "Gladiador" en que se utiliza hasta cámara lenta para que el espectador pueda ver los descuartizamientos con lujo de detalles.
Por otra parte, la actuaciones son notables; Adjani se ve mas bella que nunca, su personaje es de gran complejidad y lo sabe llevar muy bien, oscila entre la perversidad y la compasión; Virna Lisi está de miedo, ¿como logra construir un personajer tan perverso y hacerlo creíble?; y lo mejor Jean Hughes-Anglade, como el rey, su personaje es digno de Shakespeare, con una interpretación sobregogedora que va desde la inocencia infantil hasta la depravación.
Sin embargo, lo que mas valoro de esta película es que, si bién es una superproducción, se distancia notablemente del estilo de superproducciones yanquis, ya que en estas últimas se usa y abusa de los planos abiertos para que se note cada dólar invertido, realizando un gratuito exibicionismo de los decorados y del vestuario, lo que transmite una sensación de falsedad, de cartón de piedra, sin contar con el uso indiscriminado de efectos digitales que dan una visualidad de video juego. En cambio en "La reina Margot", Chereau utiliza preferentemente planos cerrados, donde la ágil cámara siempre sigue a los personajes, y utiliza los planos abiertos que sean absolutamente necesarios; como en la escena de la boda real. Otra virtud de la película es el uso del montaje que realiza Chereu, cada encuadre parece tener una intención y si ha esto se le suma el magnifico uso de los silencios y miradas, la película transmite al espectador una sensación inquietante, de interrogantes que quedan en el aire respecto de las realaciones entre los personajes que quedan (afortunadamente) en el misterio.
Para concluir, lo único que podría objetarle a la película, es que Chereau, descuidó en ciertos momentos la narrativa, hay ciertos vacíos y situaciones que no quedan bien desarrolladas; de otro modo esta película sería una verdadera obra maestra, de todos modos se acerca.