A través de una bellísima sencillez tanto estética como del propio texto, esta historia familiar del Japón de los años cincuenta retrata temas que ya son universales: la crueldad y el egoísmo humanos. Los diálogos son tan cortos y la acción es tan mínima que el mensaje llega directo y doloroso al corazón del espectador.

La mal traducida al castellano “Así nos ven” de Ava Duvernay es una miniserie de 4 episodios basada en la historia real de los cinco adolescentes de Harlem acusados injustamente de una violación brutal en Central Park el mes de abril del año 1989. Es decir, hace nada.

Solo por conocer con cierta profundidad estos casos de racismo institucional tan desgarradores y actuales, ya vale la pena invertir tiempo en esta producción. Se trata de uno de los muchos ejemplos que ponen en evidencia las gravísimas consecuencias de la transición desde el fin de la esclavitud hasta la actualidad, y las trampas de la misma al cambiar solo sobre la legislación y el papel; ese papel que está encima de muchas mesas de un sistema político que sigue siendo espantosamente racista y corrupto.

Sin embargo, aunque el interés de Duvernay en retratar lo político es evidente, la mirada de la directora hace que esta mini serie vaya mucho más allá de una producción que podría estar muy centrada “solo” en la acusación, el juicio, el intríngulis político y la corrupción. No es una serie de policías y políticos con una bandera de Estados Unidos al fondo, como podría parecer; la historia cinematográfica que pretende documentar este tipo de hechos, de mirada siempre tan masculina, ha constituido nuestras expectativas así. Y Duvernay rompe las reglas. Su mirada es más profunda y personal, más íntima, delicada y sensible. De mirada política pero centrada en las personas: en los acusados, en su sufrimiento, en sus miedos, en sus ganas, en sus esperanzas, en sus errores; en las familias, sobre todo en las madres, en su papel de sustento y cuidado y sufrimiento y dolor y estoicismo y valentía; en sus relaciones personales; en las personas que ayudan; en las que no.

Ella quiere que conozcas a estas personas a través de este caso: ni victimiza demasiado, ni quiere enfatizar los enfrentamientos y los bandos, ni cae en las garras de las superproducciones belicosas y aburridas. Sin todo esto consigue un retrato autentiquísimo y muy sensible de la gran injusticia sistémica y de las luchas personales de muchos ciudadanos y ciudadanas de su país para preguntarnos a nosotras, personas espectadoras seguramente blancas, cómo les vemos y qué pasa when we see them de esta forma.

“Mustang” es una durísima historia de cinco hermanas huérfanas sometidas a las opresoras reglas de la tradición religiosa truca más arcaica, que busca exaltar todos los aspectos más negativos de sus dogmas, indagando en cada uno de los matices de retroceso social más dañinos para las personas y para el progreso, la cara más oscura de la tradición musulmana en Turquía.

El periplo de las cinco hermanas para luchar (o no) en contra de esta inercia familiar (y social) es poderosísimo. El film busca ensalzar un mensaje de contenido feminista: mujeres rebeldes, independientes e inteligentes que se enfrentan a los mandatos de la estructura social patriarcal que las rodea, perdiendo, por el camino, la inocencia, la juventud y todo lo que necesitaban. El amor entre ellas y las relaciones entre las mujeres de la familia que vislumbran suspiros de sororidad, brillan de forma intermitente pero sistemática a lo largo de toda la película. Desde este ángulo, la propuesta es excelente; trama, imágenes y estética audiovisual.

Otro ángulo, plot twist. “Mustang” deja pensar muy poco al espectador. Está muy claro quiénes son los buenos y quiénes los malos y, en términos de religiones y disputas Oriente-Occidente, esta moraleja fácil puede ser peligrosa y arriesgada. Esta asociación tan evidente de quiénes son los involucionistas y quiénes no, sin dejar el margen y el espacio necesario para la complejidad que este tema requiere, poco conviene en momentos en que los extremos sobresalen tanto.

Inesperada, imprevisible y divertida. Detrás de la etiqueta 'comedia de terror' se esconde un film con muchas caras, muy amable para los que no se atreven a explorar otros géneros. Con humor y actitud tremendamente británicos, la trama mata-zombies nos regala, de fondo, una crítica social cruda, ácida y explícita que juega un partido bien jugado con el terror zombie, el amor y la comedia de enredos.

Thunder Road cuenta la historia de un policía americano, víctima absoluta y ejemplo reluciente de un sistema de vida capitalista y nacionalista como es el americano.

Es policía, se supone que sirve al pueblo, lleva (o tiene que llevar) la capa de héroe; es hijo de una familia desestructurada, engañosamente de clase media, que replica patrones, y es factor condicionante en la desestructura de la suya; comete errores constantemente viviendo los resultados como víctima pasiva de los mismos, y no como sujeto reflexivo activo en los acontecimientos de su vida; nos regala escenas dignas de una patología psicológica tales como bailar en un funeral; tiene una relación singular de dependencia tanto con las amistades como con el alcohol. Jim Cummings crea y da vida a un personaje que de tan normal, y tan mediocre, se convierte en una parodia de sí mismo.

En esta colección de escenas cotidianas, casi a modo de auca de episodios biográficos, consigue el equilibrio perfecto entre la descripción rigurosamente realista y la hipérbole más cruel del patetismo. Con Thunder Road a veces te ríes, es necesario coquetear con la comedia para no notar tan directamente la acidez de (aquí descripción literal de patetismo) la angustia y padecimiento moral grande, capaz de conmover profundamente y agitar el ánimo con violencia cuando empiezas a reconocer en el pobre y triste Jimmy todo aquello de lo que te avergüenzas.