Tuve la suerte de poder asistir a un pase de la película con música en directo, con un pianista que interpretaba una de las magistrales partituras con las que Chaplin solía adornar sus películas. La sala abarrotada de gente esperaba para poder contemplar una experiencia inolvidable.

Probablemente porque el Chaplin de La quimera del oro es la versión más infantil, tierna y simple del genio inglés. Es una película que capta en sí misma la esencia más concreta de eso que llamamos cine. Es cine sin referencias externas, sin mensaje, sin artificios. Cine infantil, para niños de todas las edades. Original, divertido.

En definitiva, Chaplin representa en ella lo más conceptual del arte, lo más abstracto. Captura la humanidad misma con extrema sencillez y se la lanza al espectador, que la recibe asombrado por su falta de interferencias.
Y es que si yo fuera autor, creador de algún tipo de obra artística, prohibiría a los receptores de mis obras que vieran La quimera del oro, me prohibiría a mi mismo recordarla. Porque la mayoría de las veces, la realidad de lo auténtico duele a los que tan sólo prentenden emularla.

Parece mentira que luego nos la intenten clavar con cualquier guión de tres al cuarto vendiéndonos el nuevo producto de entretenimiento de la productora noséqué directo a las pantallas de tu salón. Y es que pocas veces podemos olvidar que las series son películas de larga duración y no telenovelas sometidas a la dictadura de la audiencia. ¿Por qué este sometimiento? Por las inversiones, está claro, que se realizan para llevarlas a cabo. La rentabilidad es un factor que se eleva por encima de su calidad y acaba por suspender maravillas como Futurama o Seinfeld en beneficio de otras que me abstengo de nombrar, en el fondo todos las conocemos.

Digo que parece mentira porque no nos extrañamos ante este hecho cuando es evidente que es la calidad lo que sostiene una serie o película. Y la calidad es fruto del talento y el apoyo de algún inversor, por pequeño que sea. Con Yo, Claudio se nota que el inversor no fue ni un Onassis ni un jeque árabe, desde luego. Y es que el estilo, decorados y alardes técnicos de la serie son bastante limitados, muy limitados. He aquí que nos encontramos con la viva demostración de que en eso que llamamos calidad es el talento lo que más prima, el talento y el ingenio para llevar a cabo lo que nos proponemos adaptándose a los medios disponibles.

Yo, Claudio es un ejemplo a seguir por todos los hacedores de series. Sumamente teatral, rechaza de plano las grandes recreaciones épicas y se queda en el poder como esa manzana podrida que todos acaban por aceptar, por la que todos luchan como por inercia. Lo hace, además, con un estilo muy peculiar, irónico, divertido. Lo hace basándose en unas actuaciones soberbias, repletas de personalidad a la hora de encarnar a una pléyade de personajes inolvidable. Lo hace con una gran capacidad de síntesis para resumir con trazos de genialidad una obra tan extensa como la de Graves, más cercana al relato puramente histórico pero con esa "novelización" que tanto parece gustarle al inglés.

Lo hace, en definitiva, con un talento descomunal. Y esta serie, aunque ahora apenas podamos creérnoslo, fue un éxito de audiencia en este país.
¿Alguien todavía duda de que lo que falta es talento?

No voy a negar que soy un fanático de las películas de saltos temporales, no voy a negar que mencionar Regreso al futuro es un gran punto a su favor porque es una de mis predilectas.
Donnie Darko lo tenía todo para seguir su camino y convertirse en una de esas películas que adoras más allá de toda razón lógica o argumentada, peeero ha sufrido el síndrome del primer visionado que explico en el spoiler. Mientras tanto, daré rienda suelta a sus virtudes, o al menos a lo que yo considero que son sus virtudes:

Ese tono autoparódico que tanto me gusta, aunque sin hacer demasiado hincapié en lo cómico y sí más en lo absurdo de su trama. Ya se sabe, Deus ex machina y todo acaba coincidiendo.
Además, ésto colabora en que la manera de tratar la historia sea la adecuada, sin duda, para convertirse en una obra de culto (minoritario, se sobreentiende), pues le dota de ese algo especial que tienen este tipo de películas adoradas por muchos.

Por otra parte, los interludios musicales, salvo en un caso que sí me chirrió enormemente, fluyen con naturalidad y se aprovechan de una fantástica selección de temas para no resultar un burdo y efectista añadido en una cinta donde éstos añadidos aparecen en más de una ocasión, aunque de manera elegante y medianamente aceptable.

Por último, me gustaría haceros reflexionar sobre otra de sus virtudes que, pienso, se ha malentendido por norma general. El hecho de que su argumento esté retorcido sobre si mismo para resultar complicado no hace sino resaltar lo absurdo y secundario que es y, por tanto, centrar al espectador en el mensaje que la película intenta transmitir, esa particular visión de un superhéroe temporal según unos y del superhombre nietzscheano según otros.
Jugando a buscar distintas interpretaciones, uno se encuentra con multitud de detalles que podrían hacer pensar que el director quiso apuntar por uno u otro camino. Con la ayuda de la versión extendida y sus complementos, muchos han pretendido encontrar su verdadero significado. Bien, ésto para mi es un error, el uso de medios eternos relacionados con una obra pueden ampliar el significado que ésta te produzca pero nunca pueden cambiar la obra en sí ni ayudarte a juzgarla sino bajo la perspectiva de otro visionado (es ahí donde vuelve a entrar el síndrome del primer visionado).

(sigo abajo sin desvelar nada de nada)

Al este del telón. 1989.
Es sin duda un año recordado por todos como el año de la caída del Muro de Berlín, pero la caída de los regímenes satélites del Pacto de Varsovia ya había comenzado un tiempo antes por ahí adelante. Polonia, uno de los primeros si mal no recuerdo, vio como Lech Walesa y el sindicato Solidaridad lideraban sus pasos hacia la rebelión. La fuerte represión contra toda muestra de carácter religioso era común en toda Europa oriental y Polonia nunca fue menos, a pesar de ser un país diferenciado del resto de los antes mencionados por su clara y creciente mayoría católica; Karol Wojtyla se erigía como la figura a la que todo el mundo se agarraba como si fuera la única posible luz entre los grisáceos bloques soviéticos.
1988 fue el año en que Solidaridad, tras ser relegado a la clandestinidad en múltiples ocasiones, se impuso y Walesa, de dudosa integridad política como más tarde se iría comprobando, se hizo con el poder en las elecciones democráticas que se celebraron posteriormente.

Una vez puestos en antecedentes, no parece difícil imaginar a dónde nos quiere llevar Kieslowski, no es difícil imaginar y situarse en la contraposición de la antigua Polonia comunista y la nueva Polonia demócrata. En la antigua Polonia del socialismo científico frente a la nueva Polonia religiosa y abiertamente católica.

El primer capítulo del Decálogo es, en aspectos puramente cinematográficos, intachable. La relación padre-hijo supera lo entrañable para situarse en lo tierno, así como el propio Pawel es un personaje difícilmente olvidable. Con ellos, la historia fluye, los diálogos supuran ingenio, destreza con la pluma. La aparición de la tía no hace más que dar forma a esa dialéctica en la que el niño se ve sumido, ese enfrentamiento entre los caracteres contrarios de los dos hermanos, padre y tía del mencionado Pawel.

El final otorga el mensaje, mensaje claramente influenciado por el contexto histórico y a todas luces dudoso en su validez, pero mensaje bien elaborado y mejor empaquetado. En definitiva, buena película lastrada por su, por otra parte, totalmente razonable militancia.

Miedo, miedo y soledad o miedo a la soledad. Amor y odio que se entrecruzan. Es Kieslowski un director al que le gustan especialmente los conceptos y en su particular y actual visión del decálogo judeo-cristiano hace especial hincapié en muchos de esos temas universales comunes a la vida de la mayoría de hombres y mujeres, pareciéndole interesar el viaje que éstos temas realizan desde su origen bíblico hasta su reescritura en la actualidad.
Decálogo 3 no es, pues, excepción a ello y se retratan con mayor o menor acierto cómo estos conceptos nos condicionan por completo a la hora de tomar decisiones.

Por otra parte, nuevamente nos encontramos con que las referencias religiosas marcan el entorno inicial de la película y es que no se le pueden restar importancia a éstas por muy nimias que sean, ya que son la base de la situación social que nos quiere transmitir el polaco. El hecho de que estemos en Navidad y la fuerte y arraigada tradición que esta fiesta tiene en el país es un hecho que impide que ésto sea pasado por alto.
Este hecho, las celebraciones navideñas y en especial sus decoraciones, es aprovechado por el director para ofrecernos su vertiente más estética. Luces de colores, reflejos en los cristales, exceso de flare en muchas ocasiones, encuadres sobrecargados de color con tendencia a la sobreexposición y tomas casi de lomografía dentro de la oscuridad general que reina en las películas de este Decálogo. Dicen que para cada capítulo utilizó un fotógrafo diferente con el objetivo de dotar de mayor fuerza creativa al conjunto de la obra y se puede decir que, realmente, se nota y, en este caso concreto, acierta de pleno.

En definitiva, otro discurso moral destinado a calar hondo en la, por aquel entonces, preocupada y deprimida sociedad polaca. Interesante planteamiento, buena puesta en escena y meritoria tonalidad estética (para los pocos medios con los que se contó para el rodaje) que no hacen mella, en absoluto, en la consistente carga dramática de la historia.