[Crítica de la 1ª Temporada]

Nos preocupamos cuando Disney anunció que habían recuperado los derechos que cedió a Netflix sobre ciertos superhéroes, pero nos asustamos aún más cuando empezaron a unificar el universo cinematográfico junto con una mansalva constante de contenido en su plataforma de streaming.

Ciertamente que el interés por el género ha decaído bastante y no es de extrañar, puesto que hay fórmulas que están quemadas e historias replicadas que ya no sorprenden lo suficiente para atraer al espectador. Aquí incluía al primer gran superhéroe moderno que triunfó en la pantalla pequeña, tras pasar por Disney pensábamos que podría haber rebajado su calidad ¿Es Daredevil la salvación de este UCM de Disney? ¿Merece la pena esta nueva temporada? Ya os adelantamos que algo sí, pero a continuación nuestra opinión.

El Diablo viste de Disney

Algunos recordaréis cuando todo vuestro círculo social empezó a hablar grandezas sobre aquella nueva plataforma de streaming conocida como Netflix, como su económico plan ofrecía un sinfín de recomendaciones y cómo poco después empezó a apostar por productos originales. Entre las primeras obras genuinas de Netflix estaba la historia de un superhéroe que tuvo una adaptación fallida (pero con un reparto estelar) en 2003, el hombre sin miedo, el diablo de Hell’s Kitchen: Daredevil.

La serie sorprendió en 2015 por su estética apagada, su narrativa profundamente humana y escenas de lucha violentas. Una puesta en escena adulta y arriesgada, llena de artes marciales y planos mantenidos en la acción, un estilo que sería la nueva tendencia en la acción con la aparición de la primera película de John Wick en 2014. Al mismo tiempo, la trama ahondaba en la justicia, el castigo y la culpa, dentro de las personas que viven y sufren en un sistema social corrupto, donde un superhombre enmascarado reparte justicia de día en los juzgados defendiendo a seres humanos y desarticula los brazos criminales de noche.

Esta nueva temporada que viene de la mano de Disney ha tenido aciertos notables, todo gracias al recuperar el tono y la forma que quedó establecido en Netflix. La vuelta de la estética, la llamativa banda sonora, las creativas coreografías de las peleas, la violencia de las escenas y el tratamiento dramático de los personajes. Tanto el desarrollo de Daredevil y su crisis existencial de héroe, como el nuevo ascenso al poder de Wilson Fisk y la relación con su mujer, son elementos centrales que funcionan a la perfección para dar vida a esta nueva historia, que creíamos que no tenía más que ofrecer.

La serie brilla a grandes rasgos y la historia general de esta temporada es bastante sólida. La contundente apertura y cierre de temporada, la aparición de El Castigador, la trama de El Tigre Blanco, la aparición de un nuevo asesino en serie y los nuevos personajes que rodean a Fisk y su gobierno; son momentos que mantienen la expectación.

No todo se salva

Marvel y Disney siguen sorprendiendo para mal con el uso del CGI, hay escenas donde el personaje se balancea o pelea que no terminan de funcionar, las animaciones se ven plásticas y poco realistas, a pesar de suceder mientras todo el escenario está a oscuras para intentar buscar una veracidad.

El intento de incluir contenido del UCM se siente metido con calzador, sobre todo en el episodio del atraco al banco y el padre de Kamala Khan; el cual no para de repetir su nombre cada 5 minutos para que el espectador no olvide que Marvel sigue contando con este personaje en un futuro. La pobre Kamala no terminó de conectar con el público y acabó protagonizando la muy tibia y olvidable The Marvels, un fracaso con pérdida de más de 100 millones de dólares en taquilla y críticas negativas por parte de prensa y público.

Dentro de los 9 episodios, a mitad de temporada hay varios momentos que son relleno y no terminan de aportar nada; por otro lado la relación de Matt Murdock con el nuevo interés romántico no termina de funcionar, ya que tiene poco proceso de desarrollo.

En resumen, nos ha sorprendido gratamente que se haya recuperado gran parte de la esencia de la versión anterior y las nuevas decisiones narrativas. Nos ha dejado con ganas de más por lo pronto, que recientemente hemos podido conocer la confirmación de que habrá que esperar hasta marzo de 2026 para el estreno de su próxima temporada.

Boy Kills World te deja con la sensación de haber descubierto una auténtica joya, ha pasado desapercibida, pero es una de esas rarezas que parece hecha a medida para los que disfrutan de la violencia desenfrenada, la comedia irreverente y las historias de venganza que no se toman a sí mismas demasiado en serio.

Esta película es una auténtica sorpresa, una mezcla explosiva entre Deadpool, John Wick, y Kick-Ass. Desde el primer minuto, te atrapa con su combinación única de violencia estilizada, comedia oscura y una narrativa de venganza que se desenvuelve de forma tan frenética como emocionante.

La violencia es brutal, pero con ese toque de humor oscuro que hace que te rías mientras dices: «¿Pero qué acabo de ver?», solo digo que no pierdas de vista la escena del rallador de queso. El protagonista, interpretado por Bill Skarsgård (sí, el mismo que hizo de Pennywise en It), es simplemente perfecto en su papel de antihéroe mudo y letal. Su actuación es la columna vertebral de la película, y su carisma, aunque más sutil que en otros papeles, te mantiene enganchado desde el primer minuto.

Aunque el protagonista es mudo, gracias a su forma de hablar al espectador mediante sus pensamientos, rompiendo así la cuarta pared de una forma original, nos deja una gran cantidad de escenas de comedia bastante originales que hace que incluso en esos momentos donde la acción se para, te diviertas.

La música de Boy Kills World es otro punto fuerte. La banda sonora es vibrante y cañera, cada canción fue introducida para elevar las escenas de acción a un nuevo nivel, unas escenas que, por cierto, son una auténtica maravilla. Hay algunas secuencias tan sorprendentes e inesperadas que, honestamente, no sabrás si reír, gritar o ambas cosas a la vez. La película no se corta en ser creativa con la violencia, y eso es lo que la hace tan única y entretenida. Es como un videojuego llevado a la gran pantalla, pero uno de esos que realmente te gustaría jugar.

La trama, es una de tantas historias de venganza de las que ya hemos disfrutado antes, pero al menos se reserva un factor sorpresa, que aunque pudiera ser esperado, no deja de salirse de lo convencional para disfrute del espectador y nos deja una de las escenas finales más épicas y entretenidas que recuerdo este año 2024.

Si tuviera que ponerle un pero a Boy Kills World, este sería que, aunque su duración es de 2 horas (y una escena post-créditos); la historia, llegada al final, puede parecer un poco larga, pero nada que no se pueda soportar con la traca final, que te deja totalmente satisfecho.

Recomendaría Boy Kills World a
Si eres de los que disfrutan con el humor negro de Deadpool, la precisión letal de John Wick, y la irreverencia colorida de Kick-Ass, mezclada con violencia y un poco de gore, esta película es para ti. Es ideal para esos días en los que quieres desconectar del mundo y sumergirte en una historia que te haga reír, asombrarte y decir «¡Qué pasada!» y que al terminar, solo puedas recordar esos momentazos que te deja la peli, sin pensar demasiado en otras cosas.

Esta serie de animación es la mayor sorpresa que nos hemos llevado en lo que va de año. Una historia que aunque no ha contado con la atención que merece, no será de extrañar que poco a poco escuches más sobre ella. Si ya has visto nuestra nota, sabes la respuesta a la pregunta anterior: sí. Efectos Secundarios es una serie que no sabíamos que necesitábamos y merece muchísimo la pena. A continuación os contamos nuestra opinión.

El coste de la curación

La serie aborda varios temas interesantes y lanza una dura crítica al sistema de salud estadounidense, un sistema podrido centrado en el lucro y en el que el corporativismo más desmedido intenta monopolizar cualquier tratamiento curativo. Es aquí donde aparece en juego la farmaceútica ficticia Reutical, que hace de antagonista a nuestros dos protagonistas, que aportan un punto de vista más ético y filántropo.

La historia aborda una exploración sobre el naturalismo ancestral, las implicaciones médicas y la cultura de bienestar. Mientras nos muestra el drama que afecta a las duras consecuencias de enfermedades degenerativas o dilemas morales sobre la condición humana y el coste de no saber gestionar un poder superior a lo que conocemos. La narrativa de Marshall y el hongo, se parece al mito griego de Prometeo y el fuego prohibido. Lo que parece un bien sagrado, puede desencadenar en un mal mayor y ser un castigo terrible al descubridor que trae ese poder a la humanidad.

Otro factor interesante que se aborda son como las relaciones y los vínculos afectivos van a ir desequilibrando la balanza de la historia, durante 10 capítulos vamos a ver cómo los protagonistas sufren, crecen y evolucionan de manera natural. Resultando muy fácil empatizar con unos personajes tan bien escritos y caracterizados, que nada tienen que envidiar a otros productos de ficción con actores reales.

Un equipo de altura que sorprende en tono y forma

Esta serie nace de la unión de un equipo creativo de primer nivel: Joseph Bennett, Steve Hely o Mike Judge entre otros, son directores, guionistas y productores de capítulos y otras series como Scavengers Reign, The Office, Veep o Beavis & Butthead. Una mezcla explosiva de genios creativos que han dado con una serie adulta y emotiva, que cumple con creces tanto en una elección artística original en diseño de personajes, como en su guion sorprendente.

La historia de Efectos Secundarios está llena de sorpresas en todos los sentidos. La corta duración de los capítulos consigue mantener un ritmo apabullante, la animación consigue una calidad estética original que sintoniza con la narrativa. Este thriller está lleno de comedia negra, momentos dramáticos capaces de tocar hasta la fibra más sensible, crítica social y acción a raudales, que acaban intercalándose con bellísimos momentos de calma.

En resumen, esta serie es un regalo para los sentidos, un jarro de agua fría que llega en un momento de sobresaturación, donde series de animación (como Rick y Morty por ejemplo) están siendo exprimidas como productos de consumo hasta la saciedad. Donde el consumo de las series apuesta por la cantidad a la calidad y fórmulas preestablecidas, esta serie consigue destacar de forma sobresaliente. Actualmente se ha confirmado que está en marcha su segunda temporada y solo podemos esperar a ver qué rumbo toma esta serie.

Los biopics musicales suelen correr el riesgo de quedarse en un territorio seguro, rascando apenas la superficie de la vida de sus protagonistas. Ejemplos como Bohemian Rhapsody nos ofrecieron historias entretenidas, pero con narrativas demasiado pulidas y edulcoradas para profundizar en los verdaderos conflictos del artista.

Better Man, sin embargo, se sale de la norma. Dirigida por Michael Gracey (El Gran Showman), esta película no solo destaca por su originalidad, sino también por la valentía con la que aborda temas delicados como las adicciones, la autodestrucción y la depresión que marcaron la vida de Robbie Williams. Todo ello se presenta de forma innovadora, entregando una experiencia que no solo merece la pena ver, sino sentir.

Una perspectiva única para un biopic

La peculiaridad más llamativa de Better Man es la representación de su protagonista: Robbie Williams es interpretado por un mono creado con CGI, una decisión simbólica que refleja cómo el propio artista se ve en los momentos más oscuros de su vida, sintiéndose «involucionado» y fuera de control.

La película nos lleva en un viaje a través de diferentes capítulos de su vida, conectados de manera brillante con sus canciones más icónicas. Cada etapa está acompañada por espectáculos visuales de gran impacto, haciendo que cada interpretación musical no solo sea memorable, sino que enriquezca la narrativa de la película.

Lo mejor de Better Man

La película brilla en muchos aspectos, pero uno de los más destacados es su emotivo final. Better Man no se conforma con contar la historia de un artista exitoso; profundiza en el camino lleno de altibajos que Robbie recorrió, mostrando cómo las drogas, la depresión y la autodestrucción lo afectaron mientras intentaba mantener su carrera a flote.

Además, la relación con su padre es uno de los elementos más potentes de la película. Robbie veía a su padre como su mayor crítico, una figura que ejercía una presión inmensa sobre él. La película explora de manera magistral esta relación compleja, mostrando cómo amor y odio pueden entrelazarse en una dinámica familiar que culmina en un cierre adecuado y conmovedor.

A esto se suma el despliegue visual y sonoro de la película. Las coreografías y los números musicales son espectaculares, como era de esperar de Michael Gracey, quien ya demostró su maestría en El Gran Showman. A pesar de las dudas iniciales sobre el uso de CGI para el mono, este recurso se integra sorprendentemente bien en la narrativa, aportando una dimensión única a la historia. Incluso en su apoteosis final, con una canción que ni siquiera pertenece a Robbie Williams, la película logra emocionar y ponerte los pelos de punta.

Hay momentos en los que sientes que tu vida está perfectamente planificada, como si cada paso ya estuviera escrito en un detallado mapa mental. Y entonces, algo cambia. De repente, todo tu plan maestro se derrumba, y te encuentras improvisando a una velocidad que jamás habías anticipado. Esa es la esencia de Prison Break: un viaje en el que el destino siempre parece estar bajo control, pero la vida, como en toda buena historia, tiene una forma peculiar de complicarse. Lo que comienza con un ingenioso plan para sacar a un hombre de una prisión de máxima seguridad, rápidamente se transforma en una carrera imparable contra el tiempo, las traiciones y las conspiraciones gubernamentales.

En este thriller carcelario, donde la línea entre héroes y villanos se difumina, somos arrastrados a un mundo donde la inteligencia lo es todo, pero la suerte, y en ocasiones la pura fuerza bruta, juegan un papel crucial. Y aunque la serie ,como otras mucha de la época, empezó con una explosión de creatividad, inevitablemente tuvo sus altibajos. Pero antes de hablar de sus defectos, vamos a sumergirnos en lo que hizo que esta serie fuera tan adictiva en primer lugar.

La primera temporada de Prison Break es un viaje inolvidable. Es como estar sentado en una montaña rusa y entrar en un túnel. Cada episodio te deja al borde del asiento, esperando a ver cómo Michael Scofield, el protagonista interpretado Wentworth Miller, ejecuta su meticuloso plan para liberar a su hermano Lincoln Burrows (Dominic Purcell) de una ejecución segura. La brillantez de la serie está en ese intrincado juego de inteligencia, donde Scofield parece estar siempre un paso adelante, aunque constantemente te preguntas si esta vez será la última jugada.

Comparado con otros thrillers de la época como 24, Prison Break tiene ese toque especial: el ingenio de un plan que parece sacado de un rompecabezas imposible. Pero donde 24 se centra en la acción y los giros de alta adrenalina, Prison Break crea una atmósfera claustrofóbica y cerebral, un verdadero ajedrez entre Scofield y los obstáculos que enfrenta en prisión. La serie, casi que merece la pena verla por su primera temporada, que te dejará enganchado desde el primer minuto

La segunda temporada mantiene el ritmo, aunque cambia el tablero de juego: ya no estamos en las paredes de Fox River, sino en una fuga constante. El juego del gato y el ratón con el implacable agente Mahone, interpretado por un brillante William Fichtner, añade otra capa de tensión. Mahone es casi la contraparte intelectual de Scofield, un antagonista que eleva el drama.

A partir de la tercera temporada, la balanza empieza a desnivelarse
A partir de la tercera temporada, las cosas comienzan a desmoronarse. Las conspiraciones del Gobierno, que al principio resultaban intrigantes, empiezan a sentirse demasiado forzadas. Los guionistas empezaban a estirar una premisa que ya había cumplido su ciclo. El show pierde algo de su chispa, con giros argumentales cada vez más inverosímiles y personajes que empiezan a desdibujarse.

Llega un punto en Prison Break donde las situaciones se vuelven difíciles de creer, especialmente en la quinta temporada, cuando la serie regresó después de varios años con todos sus personajes principales. Aunque fue emocionante volver a ver a los protagonistas, el guion comenzó a perder fuerza, hasta el punto de recordar a la quinta entrega de la saga de Fast and Furious. Y antes de que pienses que estamos exagerando, déjame explicarte las similitudes entre ambos guiones. Después, podrás juzgar por ti mismo:




Esto no quiere decir que la serie no tenga momentos de gloria después de las primeras dos temporadas. El peligroso T-Bag (Robert Knepper), siempre es un deleite en pantalla. Su personaje es tan oscuro y retorcido que uno no puede evitar fascinarse y sentir temor con algunas de sus escenas, es un personaje absolutamente despreciable, lo cual habla muy bien de lo escrito que está. Prison Break también merece crédito por explorar temas como la corrupción del sistema penitenciario, la manipulación del sistema judicial, y la importancia de la lealtad familiar.

Otro aspecto que ha evolucionado a lo largo de las temporadas es la violencia. Mientras que las primeras temporadas no se andaban con rodeos a la hora de mostrar lo crudo y cruel de la vida en prisión, la intensidad de las escenas violentas se fue diluyendo en los capítulos más recientes. Lo que al principio era un elemento casi visceral de la serie, terminó por suavizarse en un intento de llegar a una audiencia más amplia.

Popularidad y legado
Prison Break no solo fue un éxito rotundo en su momento, sino que marcó una era en la televisión. Fue una de esas series que supo aprovechar el auge de las descargas ilegales y el streaming, convirtiéndose en un fenómeno de culto en muchas partes del mundo. No es raro que, al día de hoy, siga siendo mencionada en listas de las mejores series de acción y suspenso.

Por lo tanto, en una época donde la nostalgia está en auge, la explotación de una serie de éxito como Prison Break era una obviedad, llegando así la confirmación de que tendremos una nueva serie ambientada en el universo de Prison Break. ¿Qué nos tendrán preparado?

Recomendaría Prison Break a:
Si disfrutas de las historias llenas de adrenalina, con personajes que siempre parecen tener un plan oculto bajo la manga, esta serie es para ti.

Aquellos que disfrutaron de series como 24 o The Blacklist seguramente encontrarán en Prison Break un favorito. Y si alguna vez te has preguntado cómo sería escapar de una prisión de máxima seguridad usando solo tu cerebro… bueno, Prison Break tiene todas las respuestas que necesitas.