Los soprano es una serie con muchos nombres propios, cómo olvidar a personajes de la talla de Paulie o de Christopher, pero el que suena con más fuerza es el de Tony Soprano. Un personaje que vive en una bicefalia permanente: padre de familia que quiere que sus hijos lleguen a ser personas de provecho, en tanto que -por otro lado- mantiene con mano de hierro un grupo mafioso en el que es el mandamás. Es uno de esos personajes cuyo carisma es tan grande que, si ves al actor del mismo en cualquier otra película/serie, siempre vas a llamarlo por el nombre de dicho protagonista. Además, Tony Soprano tiene innumerables matices: valora a su mujer notablemente y le es infiel constantemente, quiere a su familia y no se corta en matar a un miembro de la misma si entiende que es lo mejor, es de origen extranjero y tiene prejuicios contra ciertas procedencias... Es el típico personaje que se denomina que es un malo que no es tan malo (o un bueno que no es tan bueno), algo muy difícil de conseguir de un protagonista que comete tantas atrocidades.

Sin embargo, todo lo bueno que guarda este tipo de personaje tiene una contrapartida que en Los Soprano -para mí- no está rentabilizado: es muy difícil que muera a no ser que sea al final. ¿Por qué? Fácil: sin él ya no hay serie, ningún personaje es capaz de sostener todo el carisma que acarreaba sobre sus hombros Tony Soprano, no hay que ver demasiadas series para darse cuenta que esto se cumple en el 99% de los casos. En este sentido, hay series que consiguen que este punto negativo se compense con otros abiertamente positivos y otras que no, siendo el caso de esta serie -bajo mi punto de vista-. Para mí -a diferencia de Breaking Bad- Los soprano es una serie sin chispa, con pocas sorpresas, con un ritmo lento, con bastante relleno (muchas escenas de personajes comiendo sin más o duchándose), con demasiados personajes (llega un punto que si no ves la serie con google a mano se hace imposible seguir la serie, ya que salen muchos nombres que su relevancia no se corresponde con las pocas veces que han salido)...

En definitiva, a mí me ha parecido que es una muy buena serie porque consigue acercarnos a la mafia más humana y tiene tramas muy entrañables, pero con puntos positivos que yo no valoro tanto y con puntos negativos que para mí son cruciales para que un producto televisivo me mantenga vivo.

El director inglés John Guillermin filma un extraño film, casi una road movie, en el que se mezclan los elementos de misterio con el macgufin de la desaparición de un niño que dispara a todo lo que se mueva, que nos lleva desde un boxeador en horas bajas y aventurero (un héroe seguro, cínico y burlón: George Peppar) que hace auto-stop en pleno Champs Elisées de París hasta un Coliseo romano (no en vano Guillermin filmó la mayoría de sus interiores en los estudios Cinecittá de Roma), donde finaliza la acción. El film bascula entre las tres apariciones que realiza un inquietante Orson Welles con un papel de rico y bebedor malo, parece ser que pasaba por allí buscando financiación para sus films (como ya había hecho en 1956 con el papel de predicador en "Moby Dick" de John Huston, entre otros), ya que estaba rodando por esa época "Una historia inmortal". Peppar es un hiperactivo que no tiene tiempo ni para comer (sólo en un momento del film comprará naranjas, pero no se las come, simplemente desaparecen de escena, eso sí no para de fumar un inacabable paquete de cigarrillos) se mezclan con una intriga de desapariciones, viajes en tren, coches, barquitas mientras la acción nos traslada desde París a Roma pasando por algunos castillos de la geografía italiana y casitas con una mamá y una hija en bikini que se entrega a nuestro guapo Peppar, que se juega la vida a lo largo del film no se sabe bien porqué y además sin despeinarse. Emociones tiene pocas, a no ser la Inger en braguitas y sostén mientras es contemplada con delectación por el revisor de los billetes del tren. Mientras tanto la música de Francis Lai, quizás lo mejor del film, nos recuerda ciertos momentos de tensión o de romanticismo. Brillante color, muchas escenas exteriores y un final feliz metido con calzador.

Hay gente que dice que comprarse un iPhone es calidad asegurada, otros abogan que comprarse un Mercedes es apostar por fiabilidad sin límites, y hay un grupúsculo, en el que me incluyo, que divulgamos que un film de Billy Wilder es una amalgama de de diálogos y situaciones que conducen de forma inexorable al deleite. También hay que añadir que las limitadas mentes de la urbe se negarán a visionar tal obra maestra por el sencillo motivo de que esta en blanco y negro.

Para empezar a desglosarla hay que contextualizarse, es decir, no es lo mismo el humor de hoy que el humor de hace medio siglo, ni las interpretaciones tienen mucho que ver con las de ahora, sin significar ésto que las de hoy son mejores. Además, es de admitir que es una película muy complicada de realizar, ya que es muy fácil que sea un disparate incongruente que se adentre en un vilipendio de despropósitos. Entenderéis esto último si la historia va de dos tíos que se ven conminados a travestirse para huir de una mafia. A esto se le añade la inclusión del reparto a una brillante y hermosa Marilyn Monroe, para darle esa guinda extra de interés. La película es sencilla en su argumento, como sencillo es el espacio donde se realiza, como deberían de ser todas las comedias. Hay personajes estereotipados pero siendo una película de comedia es lo que hay, es como si me quejase de que salen disparos en una película de acción, si no me gusta no la veo pero nunca es un punto negativo. El vestuario me ha parecido el adecuado para una película del género, aunque es de reconocer que en una película en blanco y negro tampoco es ultra importante.

Y como toda buena película termina con una escena muy original decorada con un "nadie es perfecto" de fondo. Suelo recomendar una película del género siempre que hago "críticas", pero en este caso no puedo recomendarte una mejor.

En su segunda película de Jon Watts, con guion de su guionista habitual, Christopher Ford, rodada con poco presupuesto y con coproducción de su actor protagonista, un excelente Kevin Bacon convertido en el malo-malo de la película. El film es un aparente policiaco más, pero tiene su originalidad en el excelente trabajo de sus planos: cómo son presentados los dos chavales en un largo, y brillante, travelling inicial mientras cruzan un vallado y van repitiendo palabras trasgresoras, uno de ellos comenta que «la palabra joder es lo máximo»; los dos chicos generalmente aparecen en medio de grandes paisajes, entrando y saliendo del encuadre de la cámara, son libres en medio del espacio (hasta ese plano final en el que la cámara abandona a sus protagonistas subiendo el encuadre hacia el oscuro cielo), en contraste con los planos en los que aparece Bacon, ese sheriff del que desconocemos su pasado ni en qué historia ha estado metido, como espectadores debemos llenar esas elipsis narrativas. Un sheriff que aparece muchas veces encuadrado entre ventanas, puertas, como si el plano, y el director, no le dejara respirar en libertad dentro del plano y de su vida.
Film ajustado en tiempo de duración, en planos, en guion y en actuación de los pocos actores que intervienen. Un grato descubrimiento esta especial road movie (casi no hay planos con interiores). Un director a seguir.

Nada más impuro que comparar una obra cinematográfica con la literaria en la que se basa, en este caso una obra maestra del realismo francés. ¿Es una traición a la novela de Flaubert el introducir al propio autor como acusado-narrador en un extraño juicio que abre y cierra el film? Ese demiurgo omnipresente (bajo los rasgos de James Mason) se convierte en la voz que off que acompaña a la cámara tras los pasos, emociones y sentimientos de Emma Bovary-Jennifer Jones, que cuando la interpretó ya contaba con un oscar conseguido en 1943 por la canción de Bernadette de King Vidor.
Minnelli con este drama romántico abandona los musicales que lo habían encumbrado en Hollywood, tras El pirata de 1948, para realizar este film y las dos entregas de El padre de la novia y El padre es abuelo.
Diferencias con la novela hay muchísimas, empezando por hacer aparecer a Charles como soltero, cuando en la novela es un viudo que se casó con una viuda adinerada en un casamiento montado por la madre de Charles, seguida por el retraso con que aparece la fiesta en casa del marqués en la versión cinematográfica. El casting de actores está muy cuidado y se nota la mano del productor David O. Selznick, que ese mismo año se casó con su protagonista; Van Heflin borda su papel (que también había conseguido el oscar en 1942 por Senda prohibida de Mervyn LeRoy), quizás desentone la sobreactuación de Jourdan, pero sigue siendo una gran película con un blanco y negro impecable y una sutil banda sonora de Miklós Rósza. La protagonista inicialmente prevista fue Lana Turner, pero su embarazo hizo que recayera el protagonismo en Jones. Una de las grandes películas de Minnelli, que fue rodada íntegramente en los estudios de Estados Unidos. Destacaría como secundario el personaje de prestamista en Yonville, que se va haciendo cada vez más odioso mientras se desarrolla la acción. Al final, no resulta extraño que alguna lágrima caiga por la mejilla de los espectadores.