Esta semana, para celebrar la llegada de las vacaciones, me he regalado, o más bien me las ha regalado un amigo (gracias Luis), dos películas diametralmente distintas pero que coinciden en su mimada fotografía como muestra de la devoción de los directores por unos espacios. El primero director es Woody Allen que pasea su cámara por una de sus musas, Nueva York, en la película Annie Hall. El segundo es Akira Kurosawa que nos descubre con su objetivo la belleza, pero también la virulencia y los matices de la taiga soviética a principios del siglo XX. Es cierto que hay fotogramas que podrían pertenecer a un documental de National Geographic y en los que, en mi modesta opinión, se recrea excesivamente, como la escena del deshielo. Pero hay otros que son obras de arte en sí mismos, como los reflejos del fuego que emulan un aquelarre al principio de la película o cómo transmite de forma tan vívida la sensación de frío o el tacto del viento, aparte de los encuadres diagonales con los que enfoca el periplo de la expedición. Para acabar con la fotografía, no creo que sea casual que el narrador en off recree algunos de los momentos más memorables de su vida encadenando una serie de fotografías en blanco y negro, empezando por el momento mágico en que toman la primera de ellas.

Hay muchas personas que no deberían ver esta película. Desde luego no deberían hacerlo quienes no imaginan la belleza al leer las descripciones de Góngora o Machado y les gustaría pulsar el botón de acelerado.
Tampoco es la película de los alergicos a los "para siempre", quienes no se crean los sentimientos de Bécquer en sus versos, y los gritos de Heathcliff a Cathy les ofrece la cumbre de la comedia.
A todos ellos les parecerá una película inacabable, innecesaria, vacua y pedante. Jane Campion lo sabía, pero ella ya había rodado poesía fílmica antes, donde se recrea en la forma y en sentimientos de porcelana y no de cartón.
Dicho esto, Ben Whishaw no me termina de encajar como Keats, y quizá, su personaje no sea creible como autor de los versos románticos, ni como inspirador de los tormentos de una perfecta Abbie Cornish.
Ahm, y me parece una de las mejores películas sobre el arte de la moda que he visto.

Hace tres días que terminé Mr. Sunshine. Ya se me han secado las lágrimas y se ha atenuado un poco esa sensación de soledad que te deja una serie cuando ha conseguido que sus personajes entren a formar parte de tu realidad. Ahora que la he terminado, me he puesto a buscar críticas, y lo primero que me ha sorprendido es la ausencia de ellas. ¿Cómo no ha incluido Filmaffinity o Fotogramas ninguna crítica profesional de una serie como esta? Porque al margen de mi reciente devoción, la serie tuvo una audiencia en su país que llegó a alcanzar una cuota de pantalla del 18% y recibió un una gran cantidad de premios en 2018. Sin embargo, nuestros críticos parece que giran más su mirada hacia la derecha del mapa, hacia occidente, que a lo que llega de oriente. De hecho, hace nada El País, con ocasión de la cumbre de la OTAN en Madrid, publicaba una lista con las mejores series de política internacional y eran todas occidentales. Pero Mr. Sunshine podría caber perfectamente en esa lista. Es increíble cómo narra la situación estratégica de Corea en los primeros años del siglo XX: cómo fue asediada por franceses, rusos y japoneses y cómo Estados Unidos se instaló para sacar provecho económico, lavándose las manos. Hace entendible incluso el poder de imponer una moneda en un país y cómo el valor de esa moneda puede boicotearse. Nos habla de corrupción, de espionaje, de colonialismo, de relaciones internacionales,… Y lo hace sin abrumar, como si esa información fluyera y entrara en nosotros. Así deberían ser las buenas clases de historia.
Quizás creas que no te interesa qué pasó en Corea hace más de un siglo, pero su lucha tiene muchísima actualidad, porque el verdadero protagonista de esta serie es el pueblo coreano, los habitantes de una dinastía de siglos, la de Joseon, a las que obligaron incluso a cambiar de nombre. En un momento dado, la protagonista señala con un dedo a Joseon en un globo terráqueo y se asombra de lo pequeña que es. ¿Justifica el tamaño que un país sea saqueado y usado? En otro momento, el rey pide que le traduzcan los titulares de un diario americano y se da cuenta de que sus masacres no merecían ni una línea al otro lado del océano. Me recordó a al personaje de El hijo de Saúl que creía que los judíos no eran liberados porque no se sabía lo que estaba pasando. A veces, el interés informativo, las páginas de historia o las críticas de cine no miran donde tienen que mirar, sino donde les dicen que miren.
Y esto me sirve para tocar otro punto secundario de esta serie: el amor y la fe en la palabra y en la comunicación, en general. Uno de los protagonistas termina creando una especie de agencia de noticias, confiando en este arma y otro le trae una cámara de fotos de Japón, con el mismo fin. En la serie, los diálogos pasan del coreano al japonés y al inglés, en un continuo, y vemos como la pareja protagonista trata de aprender el idioma del otro para acercarse. Se habla del idioma, y de cómo se nombran las realidades en cada uno de ellos, casi como si las palabras vistieran los conceptos, como esa flor de cinco pétalos, el Mugunghwa o Rosa de Siria, la flor nacional de Corea del Sur.
Luego está la sensorialidad de toda la serie, desde el primer fotograma. Tenemos la música, cuya elección, para mi gusto, a veces es cuestionable, pero que es imprescindible en una serie donde abundan los planos largos; y tenemos el sonido, en general, pues se escuchan crujidos, el masticar de un caramelo, los sorbidos de una sopa, el roce de un mano sobre la seda,… Tenemos la imagen, uno de sus grandes valores, con grandes contrastes entre los colores más vivos y la oscuridad de la noche, donde apreciamos los matices del sol al atravesar una bandera, o los de la luna, entre los árboles de un bosque poniendo foco a una persecución. Hay una veneración por la belleza, con postales que pasan a tu retina y te hacen emocionar de puro “bonicas”. Tenemos el olfato y el gusto, porque los personajes disfrutan de la comida, como una parte de la cultura: olemos el café del hotel Gloria, degustamos esos caramelos cuyo dulzor provoca sonrisas al probarlos, sentimos la bocanada de matices de los bollos humeantes de la panadería francesa al abrirse, y el efecto reconfortante de la sopa caliente del que parece “el único bar de Joseon”. Y tenemos el tacto, porque las cámaras logran captar el frío de esos inviernos que hielan estanques y casi sale vaho también de nuestras bocas, la caricia de los copos de nieve al caer, o de los pétalos de flores en primavera, la sensualidad del roce de una tela, o la calidez de unas manos que se tocan,…

Y todo eso envuelve a lo que hace de Mr. Sunshine una serie, para mí, imprescindible, que son sus personajes. Se trata de una serie coral en el mejor sentido de esa idea. Hay un personaje colectivo al que ya he mencionado, que es el pueblo de Corea. No se trata sólo de los rebeldes, que son un subgrupo dentro de ellos. Sino todo el pueblo en sí, con sus clases nobles, sus terratenientes, sus esclavos y carniceros, con su tradición y su primitivismo, con sus castas y sus injustas desigualdades sociales, con su religión, sus oficios y sus costumbres ancestrales,… El adjetivo “épico” se repetía mucho en mi mente mientras la veía. Para mí lo épico es que personas que sentimos cotidianas, que tienen una historia, un día a día y unos lazos, que temen a la muerte, lo arriesguen todo por una causa. Es muy difícil encontrar una causa por la que esté justificado morir, y, aún más, una causa por la que esté justificado matar. En eso hacen mucho hincapié los increíbles diálogos de esta serie.

En estos momentos en que recobra fuerza el movimiento feminista, se me ocurrió volver a ver, después de casi una década, esta película que muchos encontrarán retrógrada, misógina y clasista. Quería compartirla con mi hija, como todo lo que me ha hecho vibrar, y ha sido una gran experiencia. Y es que el cine, como todo el arte en general, tiene la capacidad de emocionarnos, pero también de hacernos reflexionar. Es imposible no amar esta película, aunque por falta de profundizar te repelan sus argumentos, porque es belleza en su luz, en los cuadros que dibujan sus decorados y, sobre todo, en la mezcla de palabra y música. Hay acordes y escenas que te llenan los ojos de lágrimas de pura felicidad. Sólo por experimentar eso, debería verse de vez en cuando.
Pero además reflexiona sobre temas tan actuales como las diferencias entre sexos, las diferencias entre clases sociales y el valor del dinero. Es una película de los años sesenta que habla sobre estas relaciones sociales en el contexto de principios del siglo veinte. Sin embargo, no es una excusa para justificarla, pero sí para contextualizarla, en un momento en el que el único destino posible de una mujer, en función de su clase, era el matrimonio, la docencia o el comercio. Ahora que se enfrentan "micromachistas" y "feminazis", es bueno ver cómo siempre hubieron mujeres que aspiraron a más y que sus luchas, a veces encubiertas, nos han permitido llegar donde estamos. Pero, y ahí está el quid, las relaciones hombre y mujer se basan en diferencias fascinantes y en una necesidad afectiva, que no es sometimiento, porque se da en ambos sentidos. Y esa dependencia no es abuso, sino amor. Así entiendo yo la curiosa última escena.
Y luego está el tema de la diferencias sociales. La película es una adaptación de la obra Pigmalión. El protagonista, el profesor Higgings, defiende que lo que distingue a una florista callejera de una aristócrata es el uso del lenguaje. Pero Eliza lo corrige y en un momento sostiene que la diferencia es cómo son tratadas. El filósofo chino Confuncio afirmó que "donde hay educación, no hay distinción de clases", y es cierto que la universalización de la educación nos ha igualado, pero también, que la posición social tiende a heredarse, porque la admiración con quien alguien es mirado desde su infancia da una seguridad de la que carece el que tiene que hacerse un hueco.
Pues de todo esto habla My Fair Lady, y lo hace con unos diálogos, muchas veces cantados, llenos de ironía y crítica, ya que no deja de ser una declaración de amor a la lengua inglesa. Pero como buena obra cinematográfica, también se vale de unos actores que nos transmiten todos esos matices. Rex Harrison fue premiado con el Óscar, pero Audrey Hepburn, aunque en algunos fotogramas parezca excesiva, se lo hubiera merecido sólo por la escena tras la embajada.
En fin, que desde este momento, empieza la cuenta atrás para volver a disfrutarla.

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