Recientemente decidí ver Contraband del señor Baltasar Kormákur para comprobar si por lo menos veía algo de calidad y talento ya que 2 guns me gustó pero me dejó más bien frío. Y lo único que vi fue un aburrimiento que se me hizo eterno sin sorpresa alguna en un guión que remakeó de su primer film islandés. Con críticas más positivas que negativas me presento a ver Everest con unas expectativas más de pasar un buen rato que de pasar algo intenso y emocionante. Efectivamente, he pasado un rato agradable, momentos de tensión y calidad pero se queda en eso. Impecable en su factura visual y en cuanto a sonido se refiere. Banda sonora casi inexistente en los momentos de carga emocional que intenta transmitir la cinta ya que solo luce bien en los créditos finales y actuaciones más bien justitas a excepción de unos notables Josh Brolin y Keira Knightley que son los que más emotividad transmiten ya que sufren bastante a lo largo del metraje.
Por lo demás vemos a muchos, demasiados personajes faltos de interés, unidimensionales y muy planos como en el caso de Jake Gyllenhaal que a diferencia de Southpaw donde se marca un papelón, aquí queda como un secundario más que forma parte de la historia real como complemento. Jason Clarke no termina de ser un actor con una capacidad expresiva memorable sino más bien apagado y falto de carisma y aquí no termina de encandilarme y eso que es el protagonista de la cinta tanto por los minutos como por la subtrama que conlleva bastantes minutos alternándola en el montaje que corta en algunos momentos en seco y queda bastante mal.
En definitiva, Everest comienza bien, es interesante y entretenida por momentos, pero el ritmo es atropellado, los personajes no se quedan en la memoria aunque si diría que la historia al menos arriesga en comparación con otras historias de supervivencia donde abunda la felicidad y las fantasmadas, aquí vemos algo más y eso es digno de admirar. Por lo demás es mucho ruido y pocas nueces porque Kormákur no transmite con firmeza en la narración la emotividad y lo conmovedora que podría haber sido y únicamente se queda en un intento de llegar a la cima del buen cine.

No voy a negar que tenía muchas ganas de ver la cinta aunque supiera poco y nada sobre la trama y pocas críticas leí aparte de que solo vi el teaser tráiler por lo que he ido bastante a ciegas y he disfrutado muchísimo.

Antes de mencionar nada ya que voy a ser breve, decir que aunque esté en la zona media baja de la factoría Pixar sigue siendo una obra por encima de la media del cine de animación actual, en el que este año está dando gratas sorpresas desde Raya, Los Mitchells, Wish Dragon y ahora ésta.

Este año parece que a Disney le ha apetecido mostrar el poder del agua tanto en sentido simbólico como físico y trascendental ya que tanto Raya como su cortometraje preludio ‘Us Again’ y Luca dejan como el componente fundamental e identificativo para gran parte de la trama. Y es que el agua aparte de vitalidad, energía y alegría también refleja en este caso la verdadera cara de nuestros personajes a los que les vamos a coger muchísimo cariño.

Es cierto que muchos criticarán que es simple (yo a eso lo llamo más bien sencilla) ya que carece de cualquier tipo de complejidad psicológica y adulta que pueda tener Soul o Inside Out, pero esta vez Pixar es antiPixar y se va al homenaje, a la ternura, a la nostalgia, a ese lugar donde el ser humano se siente veraz, como uno debe ser, y donde nos traslada a la niñez, a esos veranos eternos que pasábamos en el pueblo, playa, montaña o donde sea, pero que las preocupaciones eran insignificantes con tal de estar con nuestros amigos.

Luca es eso y mucho más, abordando desde el paso a la madurez, el miedo a lo desconocido, el prejuicio (perfectamente podríamos sustituir al monstruo marino por un inmigrante y reflejaría un triste sentimiento abunda en muchos sitios), la emancipación y por supuesto la amistad y la familia, algo tan quemado en el cine familiar en general pero que tanta falta hace en un mundo donde cada vez evoca más por el egoísmo y el individualismo.

Luca es preciosa en todas sus vertientes porque no busca ser más que nadie, porque se acuerda de Italia y Morricone, ojo que la bso la iba a componer él en su momento (2011 empezó el proyecto) pero también de Ghibli, Aardman y sobre todo de los niños, porque aunque vaya más para un público infantil y reitere ciertos chistes (a mi todos y cada uno de los momentos del gato me han parecido desternillantes), combina el drama, el realismo, la cercanía a la perfección además de un ritmo vibrante y una música sorprendentemente conmovedora de un compositor que desconocía.

No estará en las listas favoritas de la legión exigente popular, pero llegará al corazón a muchas familias porque pese a ser AntiPixar en muchas cosas no pierde la magia, ese componente emocional que siempre saca la lágrima después de ese viaje y aventura que hemos vivido con unos personajes bien desarrollados sin perderse por las ramas pero con honestidad de por medio. Disfruten del verano comenzándolo con este buen pie porque hacían falta más feel good movies para levantar el ánimo al público aunque en cines hubiera sido una auténtica delicia.

Quien iba a decir hace doce años que se hiciese una precuela de Monstruos S.A. en vez de una secuela. Muchos no intuían algo bueno de esto ya que todos esperábamos ese regreso triunfal de Boo y sin embargo nos hemos quedado con las ganas, quizás con el tiempo hagan una secuela y nos den la sorpresa como ya hicieran con Toy Story 3. Muchos como yo han estado esperando esta película con ansias, puede que me llamen subjetivo pero es inevitable no puntuar con una nota alta a una cinta que en cada guiño y cameo te hace rememorar esos momentos inolvidables de Monstruos S.A. y sobretodo si la viste cuatro veces en el cine como hice yo con 6 añitos.
Hay que ir con unas expectativas mas bien normales ya que sus críticas me bajaron las expectativas pese a que antes las tenía altas. Todos sabíamos de antemano que Monstruos University no sería ni igual ni mejor que Monstruos S.A. precisamente porque es insuperable, era casi imposible hacer de una precuela que parte como un homenaje o parodia hacer una obra maestra emotiva como la primera entrega. El guión es cierto que pierde la originalidad de la otra, pero eso no quiere decir que te lo pases como un crío viendo a los dos protagonistas llevarse mal, bien y forjar la amistad poco a poco. Es imposible no sacar una sonrisa cuando ves un comienzo prometedor y nostálgico que nos devuelve el espíritu de la primera entrega con esa banda sonora que hace honor en varios momentos de la cinta sobretodo en la central de sustos.
Hay que reconocer que por mi parte hasta que no pasan unos 20-30 minutos no comienza lo divertido de verdad para mostrarnos una introducción de lo que será la cinta, un concurso de sustos, unas pruebas de lo mas originales y divertidas que harán una delicia visual para deleite del espectador aparte de unas cuantas risas. Tiene gags muy buenos y sin recurrir a ser emotiva nos deja un momento excelente en una conversación hacia el final entre Mike y Sulley que a mi casi me saca la lágrima aunque no lo pretenda.
Lo grande de la cinta es que una vez mas al igual que en otras obras maestras de Pixar su final es imprevisible, inesperado, cuando te crees que todo termina en Monstruos University y parece todo tan previsible, da un giro de tuerca para mostrarnos un final maduro, imprevisible y bien finalizado para encajar mediante imágenes con la obra maestra Monstruos S.A.
En definitiva, pese a que personajes como Randall no tengan peso en la historia, pese a que en sus primeros minutos no te rías y que no tenga esa originalidad de la primera, es una comedia infantil muy divertida que cumple con creces como una digna precuela de ver, ya que si uno recapacita es casi imposible mejorar una precuela que cumple como precuela encajando y emocionando al espectador. No es una obra maestra ni posiblemente esté entre las 5 mejores de Pixar pero lo que está claro es que es una gran película y que los que crecieron con Monstruos S.A. y los niños se lo pasarán en grande. Gran película.

Tras un cortometraje del 2019 con el mismo título de la cinta que adapta y una interesante propuesta de mafias y venganza llamada ‘Villain’ como hiciera Damien Chazelle con Whiplash (de corto a largometraje), ha hecho el director Philip Barantini acertando de pleno no solo en su forma y ejecución sino en todo lo que hay detrás de la cinta.

‘Hierve’ era una de mis películas más esperadas de este último trimestre y la razón sencilla es que he descubierto en este último año el talento de Stephen Graham gracias a las series ‘Condena’, ‘The Virtues’ y ‘El crimen de Liverpool’ y a la mejor película sobre la pandemia COVID-19 ‘Help’. Al leer las excelentes críticas y ver la temática las expectativas subieron pero finalmente las han sobrepasado a mi parecer.

‘Hierve’ a simple vista puede parecer una película convencional sobre comida, cocina y procesos culinarios pero craso error, la cinta es un plano secuencia de 90 minutos con una gran planificación ya que no solo envuelve en el lugar que nos enseña hasta el recoveco mas oculto del restaurante sino el tiempo real y cada uno de los personajes con sus matices sin soltarnos un solo segundo en un crescendo constante de tensión que ahoga al espectador sin poder pestañear o apartar la mirada por temor a perder detalle crucial de la trama.

Dejando a un lado que pueda o no gustar el uso del plano secuencia es bastante acertado ya que compromete al espectador a no parar la película, dejarla a medias o verla en varios fragmentos ya que el ritmo y la tensión se perderían. Pero la gran virtud de la cinta no es solo esa jugada visual y narrativa envolvente sino ser capaz de manejar a tantos personajes (alrededor de una docena), darles capas, importancia y saber al menos algún detalle sobre ellos, no dejarlos en meros extras o personajes unidimensionales, entrar en el juego psicológico y sociológico de ellos con los sentimientos, las aptitudes y las vivencias de ellos que demuestran los claroscuros de ellos en su vida aplicados para bien o para mal en el trabajo.

Puede que la cinta tenga algunos errores de guion sobre todo en las casualidades que se juntan en apenas hora y media como en lo previsible que puede llegar a ser alguno de los detalles que dejan caer al inicio de la trama para desembocar en el clímax final, pero quitando eso que queda a la subjetividad y pericia de cada uno, reflexiona sobre la responsabilidad en el trabajo, lo que puede significar para la vida propia y la de los demás, el trabajo en equipo y sobre todo la identidad de las personas a la hora de afrontar los problemas y hallar soluciones, sobre la corrupción, el capitalismo, el interés económico y la falsedad y oportunismo del concepto ‘influencer’, de las críticas (aunque de esto ya tenemos parte en ‘Canta 2’ y ‘Ratatouille’) y muchos temas más que dejan un poso reflexivo en el espectador sobre el trato que se recibe tanto del empleado al cliente como del encargado o chef al trabajador.

Se dice que los problemas del trabajo se queden ahí y los personales queden fuera del trabajo cuando se efectúa, cada cosa en su lugar y la cinta lo plasma a la perfección de manera realista, sobre todo quien haya trabajado en restauración lo vivirá con más intensidad como quien escribe estas palabras y por supuesto la cinta se aleja de aquellos convencionalismos baratos del género y no busca la lágrima o el efectismo. Plasma todos aquellos problemas que puedan surgir en una sola noche en un solo sitio, con un bajo presupuesto pero con un reparto entregado en unos personajes bien desarrollados, ‘Hierve’ se convierte en una espiral de tensión de la que difícilmente saldrás aún terminando el film ya que asfixiante como poco resulta, una pesadilla en la cocina, una de las mejores películas del año y no se está hablando de ella. Corran a verla.

LO MEJOR: El reparto, que esté rodada en plano secuencia, la tensión, la veracidad técnica del aspecto culinario que retrata, el ritmo.

LO PEOR: Algún detalle del guion que acaba siendo obvio y previsible para el clímax final.

Pueden leer esta crítica y otros artículos más en: https://cinefilos2016.wordpress.com/author/starnine27/

Dejémonos de gaitas. Ridley Scott no es mal director, de hecho es de los mejores directores de la historia y sí, gracias a Blade Runner, Alien y Gladiator. Cierto que no ha vuelto a llegar a ese nivel y que no se puede vivir de las rentas. Personalmente a excepción de Los duelistas (no puedo con su ritmo) y El consejero me gusta prácticamente todo lo que he visto de el, que son quince películas y tras críticas mediocres cosechadas en todo el mundo desde Red de mentiras y American Gangster que fueron sus últimas películas valoradas en términos generales de crítica y público, por fin se puede decir que ha vuelto.
Pongo la mano en el fuego que esta película pegará fuerte en taquilla sobretodo por el boca-oreja y la catalogaría como un film feel-good, una película optimista, honesta (todo lo contrario como lo veía en el primer tráiler que lo vi un tanto pretencioso) y sobretodo desenfadada y entretenida. Un espectáculo entretenido y divertido que hará las delicias de los fans decepcionados con sus últimos films. Se podría decir que no parece una película de Scott, adopta más un tono al de Thelma y Louise y Los impostores, sus películas más graciosas y por así decirlo cómicas. Matt Damon hace un personaje para la eternidad, un Macgyver que se mete al público en el bolsillo gracias a sus diálogos irónicos y el positivismo con el que trata su dura situación. Mientras que otros films tratan estos temas con más seriedad y rozando lo épico, esta se adapta más al tono de Space Cowboys esta vez sin jubilados de turno, para hacer un Náufrago en Marte que emociona y divierte a partes iguales.
La banda sonora de Harry Gregson Williams quizás no tenga un tema o leitmotiv memorable pero acompaña bien en algunos momentos dándole mucha fuerza al relato y que decir de la selección musical a lo Guardianes de la galaxia. No digo nada más que os sorprenderá el tono y la música escogidas. La fotografía luce muy bien en ese paisaje rojizo aunque quizás podría haber lucido un poco mejor. Las interpretaciones todas están por debajo de la de Damon pero el reparto se reparte los minutos para trabajar en equipo y aportar su granito de arena para poder ayudar a Damon. Un mensaje sobre el compañerismo, la supervivencia, llevar siempre con positividad y ver el lado bueno de las cosas en los momentos más difíciles. Una película original gracias al tono tratado que insisto, choca mucho ver algo así tras Exodus, Prometheus y El consejero, pero sí, Ridley lo ha hecho bien, a lo grande y no se nota que sean 140 minutos para nada. Ridley, te doy las gracias y espero que con Alien: Paraíso perdido logres sumar más fans si escoges el guión sin agujeros que no hiciste con la primera.