Desde hacía más de un año estaba detrás de esta película y tras leer sus alabadas críticas mis expectativas crecieron. Vi hace unos meses la miniserie ‘The night of’ con Riz Ahmed de protagonista y me fascinó así que estuve aún más pendiente del estreno de esta producción que finalmente ha traído Amazon mucho tiempo después para hacernos deleite de esta maravilla.
No era muy fan de Ahmed porque apenas le había visto de secundario y no me había convencido (villano de Venom por ejemplo) pero tras ver la miniserie citada de HBO que no solo me parece una de las mejores de la última década sino una interpretación digna de premios y de memoria popular, y tras este debut del director Darius Marder (solo había realizado un documental) tenía curiosidad.
No vi ningún trailer y más allá de la imagen de portada apenas conocía sobre la trama. De hecho imaginaba que iba a tirar por una zona “Whiplash” (2014) de Chazelle, pero esto es otro rollo. Conforme comenzaba la cinta me iba recordando a la maravillosa ‘The Rider’ de Chloe Zhao y también al cine de Derek Cianfrance: “Cruce de caminos” (2012) y Blue Valentine (2010). Cuál fue mi sorpresa que al ver los créditos resulta que la historia fue escrita por él mismo y con razón la cinta de Marder crece ya que no solo los actores brillan si no que la propia historia y cómo está dirigida habla por sí sola.

Riz Ahmed logra su mejor interpretación, digna de Óscar y todos los premios que haya disponibles ya que realiza un trabajo asfixiante, conmovedor y sin ningún tipo de histrionismo o manipulación emocional ya tan quemada dentro del terreno del drama de superación tirando por lo melodramático. Aquí equilibra un trabajo de contención con la rabia, del ruido al silencio en un solo cambio de plano. Marder hace un uso del sonido magistral, de los mejores que he visto en una película en mi vida, y es que con la cámara nos cuenta muchas cosas (ojo al uso del silencio cuando hay un primer plano o plano enfocando al propio Ahmed y el sonido cuando hay un plano general o enfoca a otros personajes).
Hay multitud de simbolismos (el avión, el donut) y hay mucho lenguaje y narrativa visual que con miradas y simples gestos ves multitud de emociones desplegadas en unos actores entregados ya que Olivia Cooke también está magnífica en este estudio de personajes que luchan ante la adversidad.

La cinta plantea dilemas muy interesantes, situaciones tan complejas como luchar contra la enfermedad (discapacidad auditiva repentina) o aprender a convivir con ella. Luchar por los sueños pese a las dificultades o cambiar los propósitos drásticamente debido a las circunstancias. Habla mucho sobre la pérdida, el duelo y el riesgo que afrontar con consecuencias ya que la vida te cambia completamente y los personajes están tan bien definidos y creíbles que la cinta conmueve de forma cotidiana, natural y fluida. Reconozco que no he llorado con la cinta en este primer visionado pero me ha ayudado a apreciar la belleza de las pequeñas cosas (atentos al trato con los sordomudos en la evolución del personaje de Ahmed) y en cómo a veces apuestas todo a una y no terminas de conseguir lo que querías y ahora te toca adaptarte, sufrir o cambiar, renovarse o morir.
En definitiva, ‘Sound of metal’ es una de las mejores películas de los últimos años. Una obra cumbre del cine indie del último lustro que merece la pena apreciar ya que tiene un gran corazón y se sale de lo típico y convencional rompiendo esquemas ya establecidos en el cine norteamericano con un ritmo pausado pero siempre contando algo con las imágenes. Un cine de autor muy eficiente, poderoso, sólido, realista y enfocado a otra vertiente dentro del drama de superación. Una pena que no sea de este año porque sería directamente mi favorita pero el año de producción fue el 2019 así que toca incluirla en dicho top.
Espero que la cinta reciba las alabanzas del público como las ha recibido de la crítica. No es tan accesible como otras cintas de superación ni contentará al público masivo debido a su pausado ritmo y abundante silencio pero hay mucho arte, mucho cine y mucho corazón detrás de esta película que tiene todos mis respetos y espero que tenga el vuestro cuando la veais en Amazon Prime.
Una cinta agónica que hará sentir en nuestros oídos el impacto súbito de la pérdida de audición cuando es el sentido más necesario en el caso del protagonista donde el silencio acaba siendo el ruido más ensordecedor.

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Tras sorprender con su debut en la infravalorada y ritchieniana Layer Cake donde quizás haya sido el aliciente para que Craig fuera Bond, continuó con un maravilloso cuento llamado Stardust rescatando la emoción que este tipo de aventuras había perdido, supuso una revelación en Kick-Ass, para mí sigue siendo su mejor película, rompiendo los tópicos del género y haciendo reír a rabiar de forma ingeniosa, divertida y original, y no fue hasta 2011 cuando Vaughn creó su obra más comercial y conocida para el público en general, que fue la mejor entrega de los X-Men hasta la fecha, una Primera generación realmente fascinante.
Cuatro años después y tras abandonos de películas como Días del futuro pasado y Kick-Ass 2, por fin volvió como sus fans más acérrimos queríamos y lo ha hecho de una manera paródica mezclando lo mejor de Kick-Ass con todo lo referente al cine de espías, rompiendo estereotipos, riéndose de situaciones que no todos se reirían, mucho humor negro y ante todo acción bien rodada, véase la escena de la iglesia sin apenas cortes si mal no recuerdo. Colin Firth realiza su primer papel de acción rocambolesco y radical que a modo de Gentleman con estilo serio logra sacar las carcajadas que no me provocó en la sobrevalorada El diario de Bridget Jones.

Vaughn aprovecha bien los personajes y manteniendo un tono fresco que no original logra ser solvente al solapar la acción y el humor, aunque esto le pase factura en la primera hora con un tono más serio que se va volviendo más divertido con el paso de los minutos y es cuando descubrimos a la nueva joven promesa Taron Egerton que simula el carisma de Firth y logra hacer un personaje que espero que herede una franquicia. Samuel L.Jackson con un acento más a lo Django desencadenado logra ser un villano memorable y gracioso junto a una seria Sofia Boutella. Se agradece ver a veteranos como Michael Caine y Mark Hamill en la producción, y que haya sorpresas y giros realmente valientes e inesperados que no todas las cintas del género logran bordar. Henry Jackman también borda una banda sonora con aroma del soundtrack de Alan Silvestri para Los Vengadores.
En definitiva, una cinta poderosa, gamberra y realmente impactante por momentos que no pararás de reír en su macabro y descabellado acto final, intensa en cuanto a acción y graciosa en cuanto a humor, una mezcla impensable, loca y casi redonda que no debería perderse nadie sobretodo los que se divirtieron con Kick-Ass. Vaughn, a tus pies.

Disfruté muchísimo de Begin Again cuando la vi y su música y encanto se quedaron en mi cabeza. Posteriormente vi Once y lo pasé también muy bien aunque no tanto como la cinta de Keira Knightley. En esta ocasión Carney vuelve a la fórmula 'Vamos a formar una banda' y lo vuelve a hacer, logra su mejor largometraje. Más íntimo, más emocionante y quizás con más presupuesto. Tanto las localizaciones como el vestuario y la fotografía hacen una delicia acompañando a las maravillosas canciones compuestas por el propio director quien también escribió la historia. Ambientada en los 80 con aires de Footloose con canciones protesta, el protagonista y todo el reparto lideran una película teen, nostálgica y emotiva que te arranca risas como llantos y momentos de arrancar a bailar como cierto momento 'de rojo'. Carney logra un festín de emociones sin límites con los tópicos del género pero mezclando personajes y evolucionando de la mejor manera. Quizás la evolución del matón de turno me pareció poco realista pero el guión necesitaba que su línea se guiara por ese derrotero debido a como finaliza la historia. La historia de amor logra conmover y empatizas con el chaval quinceañero quien tiene una voz sensacional. En definitiva, una película emocionante, muy entretenida, la búsuqeda de sueños en su máximo esplendor, además de contar con ese primer amor, tiene cosillas de Begin Again pero llega aún más al corazón gracias al montaje y por supuesto sus memorables canciones. Mi favorita del año y espero que sea reconocida en los oscar y no solo con mejor canción original, que Jack Reynor se marca un personaje secundario muy bueno y con un momento desgarrador y para recordar. Sobresaliente.

Encuentro ciertos paralelismos a la X-Men 3 de Brett Ratner en esta Apocalipsis a la que se le ha tildado de reiterativa y aburrida. Apocalipsis logra ser un gran villano e imponer lo suficiente como para sembrar el caos mundial. En esta cinta se nota el fin mundial para todos, aunque en Días del futuro pasado ya se haya visto una destrucción masiva en el futuro. Una buena construcción de personajes y presentación cual reclutamiento de mutantes en First Class dominan la primera hora que con poca acción logran presentar de manera muy interesante a los personajes. Impagable el comienzo parecido al de La Momia cual película de terror se tratase en la presentación del personaje donde John Ottman cosecha uno de sus mejores momentos componiendo. Es cierto que los jinetes del apocalipsis adolecen, carentes de profundidad y faltos de interés para quedar como unos simples pegotes. Magneto comienza muy bien en su trama, que bien es cierto que se repite la misma historia en cuanto a su relación con Charles pero la veo diferente en su tramo final donde con el bajón que sufre su personaje vuelve a subir el nivel, evidentemente no hablemos de un nivel Primera generación que sigue siendo la mejor de la saga. Me gusta volver a tratar a Moira quien desapareció en Días del futuro pasado y la explicación de su ausencia, ver más minutos a Mercurio quien logra otra vez robar el show y dar la mejor escena de la película y por supuesto ver a los hermanos Summers juntos por primera vez en pantalla. El guión plantea otro tipo de conflictos y aunque lo de reiterativa puedo darlo como válido no lo doy como algo enteramente definido en la película ya que siendo parte del pasado es necesario a veces volver a contar ciertas cosas. Creo sinceramente que esta es la X-Men 3 que debió ser en 2006 y aunque no logre igualar o superar a X-Men 2 y Primera generación si me ha emocionado más que el resto de películas de la saga. Oscar Isaac sorprendió como Apocalipsis y personajes tan poco sólidos en anteriores películas como Cíclope y Rondador nocturno logran que empaticemos con ellos. Me parece realmente injusto el tratamiento que se le está dando tanto de la crítica como del público que la ha visto tratándola incluso peor que la cinta individual de Lobezno y X-Men 3. Puede ser verdad eso de la Singerfobia. Notable.

Tras un cortometraje del 2019 con el mismo título de la cinta que adapta y una interesante propuesta de mafias y venganza llamada ‘Villain’ como hiciera Damien Chazelle con Whiplash (de corto a largometraje), ha hecho el director Philip Barantini acertando de pleno no solo en su forma y ejecución sino en todo lo que hay detrás de la cinta.

‘Hierve’ era una de mis películas más esperadas de este último trimestre y la razón sencilla es que he descubierto en este último año el talento de Stephen Graham gracias a las series ‘Condena’, ‘The Virtues’ y ‘El crimen de Liverpool’ y a la mejor película sobre la pandemia COVID-19 ‘Help’. Al leer las excelentes críticas y ver la temática las expectativas subieron pero finalmente las han sobrepasado a mi parecer.

‘Hierve’ a simple vista puede parecer una película convencional sobre comida, cocina y procesos culinarios pero craso error, la cinta es un plano secuencia de 90 minutos con una gran planificación ya que no solo envuelve en el lugar que nos enseña hasta el recoveco mas oculto del restaurante sino el tiempo real y cada uno de los personajes con sus matices sin soltarnos un solo segundo en un crescendo constante de tensión que ahoga al espectador sin poder pestañear o apartar la mirada por temor a perder detalle crucial de la trama.

Dejando a un lado que pueda o no gustar el uso del plano secuencia es bastante acertado ya que compromete al espectador a no parar la película, dejarla a medias o verla en varios fragmentos ya que el ritmo y la tensión se perderían. Pero la gran virtud de la cinta no es solo esa jugada visual y narrativa envolvente sino ser capaz de manejar a tantos personajes (alrededor de una docena), darles capas, importancia y saber al menos algún detalle sobre ellos, no dejarlos en meros extras o personajes unidimensionales, entrar en el juego psicológico y sociológico de ellos con los sentimientos, las aptitudes y las vivencias de ellos que demuestran los claroscuros de ellos en su vida aplicados para bien o para mal en el trabajo.

Puede que la cinta tenga algunos errores de guion sobre todo en las casualidades que se juntan en apenas hora y media como en lo previsible que puede llegar a ser alguno de los detalles que dejan caer al inicio de la trama para desembocar en el clímax final, pero quitando eso que queda a la subjetividad y pericia de cada uno, reflexiona sobre la responsabilidad en el trabajo, lo que puede significar para la vida propia y la de los demás, el trabajo en equipo y sobre todo la identidad de las personas a la hora de afrontar los problemas y hallar soluciones, sobre la corrupción, el capitalismo, el interés económico y la falsedad y oportunismo del concepto ‘influencer’, de las críticas (aunque de esto ya tenemos parte en ‘Canta 2’ y ‘Ratatouille’) y muchos temas más que dejan un poso reflexivo en el espectador sobre el trato que se recibe tanto del empleado al cliente como del encargado o chef al trabajador.

Se dice que los problemas del trabajo se queden ahí y los personales queden fuera del trabajo cuando se efectúa, cada cosa en su lugar y la cinta lo plasma a la perfección de manera realista, sobre todo quien haya trabajado en restauración lo vivirá con más intensidad como quien escribe estas palabras y por supuesto la cinta se aleja de aquellos convencionalismos baratos del género y no busca la lágrima o el efectismo. Plasma todos aquellos problemas que puedan surgir en una sola noche en un solo sitio, con un bajo presupuesto pero con un reparto entregado en unos personajes bien desarrollados, ‘Hierve’ se convierte en una espiral de tensión de la que difícilmente saldrás aún terminando el film ya que asfixiante como poco resulta, una pesadilla en la cocina, una de las mejores películas del año y no se está hablando de ella. Corran a verla.

LO MEJOR: El reparto, que esté rodada en plano secuencia, la tensión, la veracidad técnica del aspecto culinario que retrata, el ritmo.

LO PEOR: Algún detalle del guion que acaba siendo obvio y previsible para el clímax final.

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