Toda la película está rodada en la misma casa y su porche, prueba de su bajo presupuesto y de su elaboración prácticamente artesanal. La conversación de los personajes para sostener la trama, sin efectos especiales ni escenas de acción. Jerome Bixby concibió el guion de esta película en los años sesenta y lo terminó en su lecho de muerte, en abril de 1998; Bixby habría dictado la última versión del guion a su hijo, el guionista Emerson Bixby, por lo que se trata de un guion póstumo. Tras la muerte de Jerome, el guion fue entregado a Richard Schenkman para dirigir la película con un presupuesto inicial de 200.000 dólares; finalmente se gastaron 56.000 dólares en la realización. Ausente de los circuitos comerciales habituales, el filme se ha convertido en una película de culto, recibiendo numerosas y elogiosas críticas.

Toda la música de la película fue realizada por Mark Stewart Hinton, excepto: el segundo movimiento de la Sinfonía Nº 7 de Ludwig van Beethoven y «Forever», letra de Richard Schenkman, interpretada por Mark Stewart Hinton y Chantelle Duncan. La fotografía de Afshin Shahidi y el montaje de Neil Grieve.

¿Qué pasaría si un hombre del Paleolítico Superior sobreviviera hasta la actualidad?

Recordamos al director Richard Schenkman por su película “Abraham Lincoln vs. Zombies”, al protagonista del filme David Lee Smith por “El club de la pelea” y “Zodiac”, a Tony Todd por “La Roca” y “Candyman: El dominio de la mente” y a John Billingsley por “Star Trek: Enterprise” y “La flor del mal”.

¿Qué pasa cuando una historia es imposible de refutar o verificar al mismo tiempo?

Una narrativa original e inteligente que a fuerza de un guion consistente, nos arrastra de forma inexorable a esa realidad ilógica —si se quiere—, pero, tan bien hilvanada, que nos deja una puerta abierta que permita acariciar la posibilidad —con una inevitable mueca de perplejidad—, que todo lo argumentado sea verdad.

No deja de causar curiosidad que una película donde no se usan efectos especiales, donde no hay extraterrestres adelantando una invasión a nuestro planeta, ni mucho menos, sea considerada por la crítica especializada como una de las mejores de todos los tiempos, en el género de la ciencia ficción. Una cinta que sin mayores pretensiones nos envuelve en su dialéctica precisa, absorbente e inquietante. Una hora y media que se convierte en un suspiro en el tiempo, ante el disfrute pleno de cada diálogo, de cada gesto de incredulidad y asombro. Una obra audiovisual de enorme impacto y marcada agudeza mental, un relato de tal singularidad que se convierte en generador de debate. Una excusa perfecta para cuestionar nuestras habilidades de argumentación, una exhortación a reflexionar sobre nuestros puntos de vista, un grato vuelo de la imaginación, el deseado derrumbe de todo obstáculo, una sensación de libertad del pensamiento que nos invita a comprender a ese “infortunado” ser que ha vivido 14.000 años, que lo ha contemplado todo, que ha aprendido y desaprendido, que fue discípulo de Buda y tuvo la oportunidad —maravillosa por demás— de ver pintar a Van Gogh, alguien que desde el inicio de los tiempos se ha cuestionado el porqué de su existencia, un verdadero hombre de la tierra.

El muro de Berlín es el símbolo más conocido de la guerra fría y de la división de Alemania, denominado en la República Democrática Alemana (RDA) como Muro de Protección Antifascista cuyo objetivo era evitar las agresiones occidentales, y por parte de los medios de comunicación y parte de la opinión pública occidental como «muro de la vergüenza». Formó parte de la frontera interalemana desde el 13 de agosto de 1961 hasta el 09 de noviembre de 1989. En contexto, la película nos muestra la historia de un hijo que decide ocultar a su madre que ha caído el muro mientras ella estaba en coma. De gran éxito en la taquilla Alemana y del resto de Europa, esta historia no es sólo una entretenida y original comedia, sino también un agridulce retrato de las renuncias personales que conllevó aquel momento histórico. No se trata de un film de análisis político ni alta sociología. Se trata tan sólo de una visión creíble y poco edulcorada de un fragmento de la realidad, que basa toda su fuerza en una idea brillante, la evolución del protagonista, las convincentes interpretaciones y un enorme respeto -que se agradece especialmente- por la bien lograda visión de aquel tiempo de los antiguos habitantes de la R.D.A.

Reacciones internacionales en 1963:

«Una solución poco elegante, aunque mil veces preferible a la guerra». John F. Kennedy, presidente de los Estados Unidos.
«Alemania del Este detiene el flujo de refugiados y se atrinchera tras un grueso telón de acero. No se trata de nada ilegal». Harold Macmillan, primer ministro británico.

El 9 de noviembre, los ciudadanos berlineses empezaron a derribar el muro con todos los medios a su disposición (picos, martillos, etc.). El virtuoso del violoncelo Mstislav Rostropóvich, que había debido exiliarse al Oeste, fue al pie del muro a animar a los que lo demolían, escena de una célebre fotografía.

Durante el proceso de destrucción, el artista alemán Bodo Sperling promovió la idea de salvar un trozo de muro con el fin de crear una galería de arte urbano al aire libre. Varias asociaciones de artistas de ambos lados apoyaron la idea y consiguieron los permisos para fundar la East Side Gallery sobre una sección de 1316 metros en la calle Mühlenstraße, a orillas del río Spree. Más de 100 artistas de todo el mundo fueron invitados a pintar murales rindiendo homenaje a la libertad.

Tal como asegura Stella Martini (2000), existe una relación fundamental entre los medios de comunicación y la cultura, la política, la economía y la sociedad, dado que muchos de sus cambios generan nuevos procesos socioculturales. La función central de los medios es informar, mostrar la realidad; lo discutible es que los medios no siempre entregan información fidedigna y/o que remita a los hechos que están aconteciendo en determinado lugar. Es fundamental la fotografía que nos muestra GOOD BYE LENÎN! de cómo se estructura esta influencia de los medios. El protagonista presenta a su madre una serie de falsos telediarios, en los que describe su propia historia del país, ocultando los hechos reales acontecidos en los últimos meses para evitar su recaída. Por otra parte, la madre no duda de la veracidad de la información que le llega, su motivo: proviene de la televisión.

Un extraordinario ejercicio de metaficción sobre la lectura y la escritura que consigue con su estilo elegante y depurado, sorprendernos y cautivarnos de principio a fin. Asistimos como emocionados espectadores al perfecto ejemplo de cómo se puede con un gran dominio artístico convertir una novela inteligente y de gran intensidad narrativa en un filme absorbente, aterrador y hermoso. De la mano de Susan que durante tres noches, lee fascinada la novela inédita enviada por su exesposo y que poco a poco reaviva su pasado sentimental, cuestiona su vida presente y amenaza su futuro, se va tejiendo una trama de suspense que nos mantiene en vilo. Susan no puede dejar de leer y nosotros, no podemos —con claros síntomas de escalofrío— quitar un instante los ojos de la pantalla, atrapados —sin escape posible— en el ritmo vertiginoso de dos historias inteligentemente entrelazadas que devienen de manera inexorable en un final perturbador.

"Si amas a una mujer, y la pierdes, conviértela en literatura".
O convierte la literatura de esa mujer en tu único testimonio de amor y pérdida.

Amy Adams (1974), es una actriz de cine y televisión estadounidense, nacida en Italia, ganadora de dos premios Globo de Oro en la categoría de mejor actriz - comedia o musical y de un Premio del Sindicato de Actores al mejor reparto. A Jake Gyllenhaal (1980) lo recordaremos sobre todo por su personaje del vaquero Jack Twist en Brokeback Mountain, de Ang Lee, donde compartía protagonismo junto a Heath Ledger.

Tom Ford es un director joven —su segunda película “Animales Nocturnos” (2016) —, es una obra maestra instantánea del cine, aclamada por público y crítica. Adaptación de la novela con el mismo nombre de Austin Wright. En ella nos cuenta la vida de Susan, la cual vive en una gran mentira de alta sociedad. Tras una aparente perfección, percibe que su mundo se descompone cuando comienza a leer la novela inédita que su exmarido le ha mandado a casa. Un relato violento y dramático, cuyas páginas fascinan a la protagonista y le hacen replantearse muchas cosas de su actual vida, a la vez que reabren heridas de su pasado.

Es de esas películas que se convierten en experiencia, en un viaje hacia un mundo reconocible y prosaico que, desde la mirada desafiante de Ford, queda retratado como un viaje a los infiernos de la culpa, del abandono, de la soledad aplastante. Ford se aventura a presentarnos un relato sostenido en tres líneas argumentales diferenciadas, utilizando para su estructura narrativa y de manera inteligente, dos recursos muy valiosos del cine moderno: uno es el flashback dando saltos al pasado sin dejar que se pierda el interés del espectador y el otro es el flashmind trabajando en un tiempo paralelo en la mente de nuestra protagonista.

Tom Ford se esfuerza en resultar perturbador e incómodo. La base de su relato son los contrastes, las bestiales diferencias entre las distintas capas de ficción que sustentan Animales nocturnos. La esencia de la película es confusa, y es que nos cuesta el encuentro con las auténticas intenciones de este particular director.
Si a esto se le añade la reflexión acerca del poder de las ficciones, de la capacidad hipnótica del relato, enmarcado en un inteligente uso de la metaficción, Animales nocturnos queda para el recuerdo como una película única.

A pesar de los excesos y artificios, no deja indiferente. Tom Ford ha hecho su película, con todas las consecuencias, incluyendo que el espectador es un invitado a la fiesta, y poco más.

Con la fotografía de Vittorio Storaro y el guion adapatado por John Milius y Francis Ford Coppola de la novela corta “El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. Música a cargo de Carmine Coppola y Francis Ford Coppola. El film fue estrenado el 10 de mayo de 1979 en Cannes y el 15 de agosto del mismo año en todo Estados Unidos.

A diferencia de la novela de Conrad ambientada en Africa a finales del siglo XIX, la película traslada su campo de acción a la guerra de Vietnam y presenta claras influencias de la película “Aguirre, la cólera de Dios” de Werner Herzog (1972). Ganadora de dos premios Óscar en la competición de 1979 donde tuvo seis nominaciones. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1979. En el año 2000, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

En 2001, Coppola presentó, también en el Festival de Cannes, un nuevo montaje de la película, ampliada hasta las tres horas y media de duración, con el nombre de Apocalypse Now Redux. Si la primera película se convirtió en una película de culto, la versión de 2001 logró no defraudar a la crítica ni a los antiguos admiradores. En 2014, la publicación The Hollywood Reporter le otorgó el decimoséptimo puesto en su ranking de las 100 mejores películas de la historia del cine.

La película tiene momentos memorables dentro de la historia del cine, como su perturbador inicio, donde se mezcla la imagen del capitán Willard, tendido sobre la cama y mirando el ventilador de techo, con la danza macabra de helicópteros sobrevolando la selva y bombardeando Napalm, mientras la canción de The Doors, The End, sirve como nexo de unión y da significado a las imágenes.

Destacable es también la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería (Aerotransportada) bombardean el poblado vietnamita, todo ello ambientado con la música de Wagner, la «Cabalgata de las valquirias», tal cual hacían los audiovisuales de la Luftwaffe, para instrucción de los cadetes.
Otra escena memorable es aquella en que Willard es llevado ante Kurtz para ser interrogado, donde se produce una combinación de luz y sombras que ocultan parcialmente el rostro del coronel, simbolizando el lado bueno y el lado oscuro del corazón humano. De hecho la película trata en su trasfondo sobre los procesos mentales y morales que se producen en personas sometidas a condiciones adversas, y cómo estas condiciones afectan de manera diferente a cada uno de los personajes que aparecen, en función de su personalidad, sus actos y su conciencia.

El director Michael Mann expresó sobre el film "Apocalypse Now": "Coppola evocó la intensísima y oscura búsqueda de la identidad, un viaje que te sobrepasa; la locura y el nihilismo. Todo capturado con una narrativa operística y concreta, con el más alto grado de dificultad. Una obra maestra."

Basada en “Rita Hayworth y la redención de Shawshank” novela corta de Stephen King que forma parte de un total de cuatro historias titulada “Las cuatro estaciones” de 1982. Fue nominada a múltiples premios, incluyendo siete premios Oscar, con el de mejor película, sin embargo, no obtuvo ningún premio, en franca lid con dos joyas del año: “Forrest Gump” y “Pulp Fiction”. La adaptación del guion de su mismo director Darabont, el montaje a cargo de Richard Francis-Bruce, música de Thomas Newman y el responsable de la fotografía fue Roger Deakins.

Valorada hoy por la crítica como una de las mejores obras cinematográficas de los 90’s y de la historia del cine. Stephen King no llegó a cobrar el cheque de 5.000 dólares que recibió tras la venta de los derechos para la película. Le devolvió el cheque a Darabont años después de que se estrenara “Sueño de fuga” con una nota que decía: “Por si acaso algún día necesitas dinero para la fianza. Con cariño, Steve”.

El director, Darabont, escribió el guion en ocho semanas y se lo envió a la casa productora con el título del libro modificado (eliminó el nombre de Rita Hayworth). Esto debido a que muchas actrices pensaban que se trataba de una biografía de la actriz y mandaban su currículum con el interés de trabajar en la producción. Lo que no sabían es que Hayworth sólo aparece en un póster que Andrew pega en su celda.

La película "GoodFellas" (1990) de Scorsese fue la fuente de inspiración de Darabont para utilizar la narración en voiceover y las técnicas de edición. Las escenas donde se hacen closeups de las manos y pies de Andrew, no pertenecen a Tim Robbins, sino al director: Darabont.

El set estuvo localizado en el Reformatorio Estatal de Ohio, el cual estaba planeado ser derribado. Sin embargo, la producción logró detener el procedimiento por un año, y una vez terminada la filmación la mayoría de los edificios se demolieron a excepción del bloque de las celdas y el edificio administrativo, los cuales se siguen conservando con fines históricos.

Antes de comenzar su carrera como director, Darabont ya se había destacado escribiendo guiones de películas de terror entre los que se incluyen A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, The Blob o The Fly II. Además, ha escrito varios guiones para la serie de televisión de George Lucas y Steven Spielberg El joven Indiana Jones. Está considerado como uno de los más talentosos guionistas de Holliwood habiendo asesorado los guiones de películas como: “Rescatando al soldado Ryan” y “Minority Report”.

Por su parte Morgan Freeman (Ganador del Óscar en 2005 con “Million Dollar Baby” ha destacado por sus actuaciones en “El reportero de la calle 42 (1987)”, “Paseando a Miss Daisy (1989)”, e “Invictus (2009)”.
El tiempo narrativo difiere mucho en la adaptación al cine. El libro nos cuenta una historia en un lapso de treinta años, en la película asumimos que el tiempo transcurrido es mucho menor, debido al casi inapreciable cambio físico en Andy o Red. Es destacable que Darabont a pesar se usar todos los tópicos del drama carcelario, logra hilar una narración que nos mantiene inmersos en la historia, logrando con probada habilidad, evitar la distracción tan común en los espectadores al enfrentarse a una propuesta audiovisual tan predecible, por la abundancia de lugares comunes.

“Para recordar que existen lugares que no están hechos de piedra, que hay algo muy adentro de nosotros que no pueden tocar….la esperanza.”

Sorprende además que tratándose de su opera prima, Darabont logre tan halagadores resultados que en principio no fueron reconocidos por la taquilla norteamericana, pero que posteriormente, cuando vienen las numerosas nominaciones a los premios Óscar la convierten en uno de los filmes más rentables de 1995 y conquistando con el pasar de los años nuevos admiradores.

Un filme con una narrativa notable, que pone a prueba —de manera grata— nuestros más profundos afectos. Recordándonos que no es necesaria una historia tan elaborada y original. Tal vez los grandes temas de la humanidad ya han sido generosamente enumerados, pero siempre cautivarán aquellos artistas como Darabont que recrean todo de nuevo, en forma tan especial y amena, sin mayores pretensiones.