Selfie es la tercera película del director Victor García León. En ella se nos cuenta la historia de Bosco (Santiago Alverú), el hijo de un político del PP que ha sido encarcelado por corrupción. Desde ese suceso, Bosco es expulsado de su chalet y repudiado por todos sus amigos. En esas conoce a una trabajadora social ciega afiliada de Podemos (Macarena Sanz).

El personaje principal se nos presenta como si de Kim Kardashian se tratara: lujo, fiesta y muchas excentricidades. Todo esto grabado con cámara al hombro haciendo un programa diario de la vida de nuestro protagonista. La cámara no pasa desapercibida para los demás personajes, es un elemento visible. A Bosco le graban continuamente y los demás saben que le graban.

El inicio del film es muy potente. Esta fórmula del reality show funciona muy bien y resulta muy efectiva para aprovechar toda la personalidad de Santiago Alverú. Todo vale: planos desenfocados, quemados, movimientos bruscos. La película engancha y divierte. Pero poco a poco ésta fórmula se agota. Según el propio director, no se puede abusar de este formato porque a la hora de metraje el espectador acabaría agotado… entonces sobre la hora de película se torna a una ficción convencional sobre el romance entre Maca y Bosco. La originalidad y chispa del principio va desapareciendo gradualmente.

Es un selfie es una película de estereotipos y de exageraciones. Bosco es de derechas, racista, machista, defensor de los toros y sobre todo mala persona. Y esto le da pie para hacer numerosos chistes sobre negros, inmigrantes, feminismo… que al principio pues puede resultar cómico pero no se cambia la fórmula.Los personajes no evolucionan. Por ello el espectador nunca llega a mostrar empatía por el protagonista. Esta falta de empatía hacía el protagonista unido a el agotamiento del formato hace que el interés del espectador hacía la historia y sobre su exagerado personaje caiga en picado.

He de reconocer que ha habido momentos en los que me ha resultado graciosa, pero pienso que funcionaría mejor con media hora o cuarenta y cinco minutos menos de metraje. Convirtiéndose en un sketch de un programa humorístico antes que en una película de cine.

Con todo, Selfie ofrece un auto-retrato un tanto extremo de la sociedad española, aunque si pensamos detenidamente, este auto-retrato no es tan extremo sino que la sociedad española es tal y como nos las describen en la película por triste que parezca.

Desde Argentina nos llega Gilda. No me arrepiento de este amor de Lorena Muñoz. No es una película perfecta, ni tampoco la mejor de este festival pero si es la película que mejor rollo transmite de todas. Hasta hubo gente que salió de la sala a ritmo de cumbia. Yo, a pesar de que no soy fan ni conozco casi nada de la música tropical, tengo que reconocer que en Gilda los momentos musicales son sobresalientes y la visión y estructura del film, en vez de caer en un melodrama y buscar la lágrima fácil, se va a la parte más íntima de la artista, narrando la historia desde un punto de vista feminista. Míriam, mujer casada con hijos, criada en un ambiente muy cristiano. Siente que su vida está vacía y busca hacer lo que verdaderamente le gusta: cantar. Para ello deberá de luchar contra todos sus ideales inculcados desde su infancia. Deberá luchar contra todo el machismo de su alrededor que la oprime. Empezando por su marido, su madre e incluso sus hijos. Empieza un viaje hacía su interior, debe sacrificar muchas cosas y se adentra en un mundo totalmente contrario a lo que ella es y que físicamente no encaja; el mundo de la cumbia.

Este biopic a modo de musical de la vida de Míriam Alejandra Bianchi (Gilda) está hecho desde el corazón y sobre todo centrándose en la música. Con un sonido y una postproducción del mismo sobresaliente. Se nos muestra el proceso de creación de las letras de las canciones, su composición y su posterior interpretación completa en los números musicales. Pienso que gracias a estos interludios musicales ha conseguido tanto éxito en lationamérica… es una pena no tener la perspectiva de alguien que haya conocido a la cantante, yo no la conocía.

He estado investigando sobre la figura de Gilda y he de decir que la interpretación de Natalia Oreiro roza la imitación perfecta de Gilda. Desde el tono de voz, el físico y la forma de moverse sobre el escenario. No hay otra actriz que pueda cantar y hacer de Gilda como lo hace ella. A destacar es también un reparto en el que destaca un entrañable Toti interpretador por Javier Drolas.

Gilda es considerada una santa en Latinoamérica. A la directora Lorena Muñoz se le debe la forma de trabajar íntimamente la historia con mucha responsabilidad, es muy cuidadosa. Lorena viene del mundo del documental y se nota el trabajo de investigación de Gilda y un análisis de las giras de grupos de cumbia.

Hoy he descubierto a un gran director y contador de historias: Victor Gaviria. Que con La mujer del animal entra pisando fuerte en este 20 festival de Málaga. Una película que no es para todos los públicos. En ella se cuenta la historia basada en hechos reales de Margarita Gomez: la mujer del animal. Aunque en el film se ha optado por cambiarlo a Amparo (Natalia Polo) una chica de 18 años que se fuga de un internado y se va a vivir con su hermana a un barrio de chabolas de Medellín. Allí se topa con Libardo (Tito Alexander), conocido en la comunidad como “El Animal”. Lo demás no se puede explicar con palabras.

Con un título así no es muy difícil adivinar más o menos de lo que va a tratar el argumento. Aun así, la película sobrepasa las expectativas anteriores. La proyección comienza con un inter-título que nos indica: 1975 y “Película basada en la vida real”. Desde que empiezan las imágenes no hay casi tiempo para respirar. Utilizando técnicas del documental: cámara al hombro, iluminación natural… no existe jamás un plano contra plano, hay mucho plano detalle, mucho plano secuencia. La localización y los decorados son reales, no hay nada grabado en estudio, nada se falsea.

Cine directo sin censuras. Los actores protagonistas no eran profesionales, Natalia Polo es enfermera y Tito Alexander músico. Aunque los figurantes si que eran residentes de ese barro marginal. Para el espectador, el hecho de que los actores no fueran profesionales (no conocidos) hace que por un momento pienses que todo es real. Con esto quiero decir, por ejemplo, no es Mónica Bellucci en Irreversible de Gaspar Noé. Piensas; “Coño es Mónica Bellucci lo que estoy viendo es una simulación”. Entonces este hecho crea cierta distancia con el espectador… por ello digo que la peculiaridad de que parezcan gente de ese barrio hace que la veracidad de las duras imágenes sean aún más auténticas. Y gran parte de culpa lo tienen los actores. Están sobresalientes. Llegas a odiar tanto al personaje de Liberio que al ver entrar a Tito Alexander en la rueda de prensa te daban ganas de saltar y golpearlo, pero después abre la boca y ves que es alguien totalmente diferente, habla totalmente diferente.

Lo que quiere transmitir la película es, sin filtro alguno, una denuncia al maltrato y a la violencia de género. Busca aturdir al espectador y hacer que reaccione y se pregunte qué es lo que pasa en este mundo. ¿Por qué la violencia está ahí? en todas partes ya sea en Colombia o en España, y nosotros somos los testigos que ven al animal y no hacen nada para impedir ese maltrato. Se le pide al espectador que no sea un ser pasivo, que se denuncie el maltrato y que dejen atrás el miedo. Amparo (o Margarita Gomez) se cortó el pelo para simbolizar el abandono de su miedo y la lucha por ser libre y feliz.

El único “pero” que pondría a la película es su duración. Desde mi punto de vista le sobraría 20 minutos, se llega a hacer un poco larga pero jamás pierde intensidad ni ritmo.

Cada vez estoy más de acuerdo en que el rodaje con varias cámaras a tiempo real o en su defecto el plano secuencia, permite que todo sea más fluido, más natural y menos artificioso, llegando incluso a respirarse vida.

Éste es uno de los motivos por lo que esta estupenda película está en esta sección más de autor del Festival de Cine de Málaga. Porque no es una película de ficción al uso, de hecho es más bien un documental o experimento audiovisual.

Los Comensales es una quedada entre amigos. Donde el espectador ve y disfruta de lo que estos "amigos" tienen que contarse y contarnos. Todo es un fluir constante. El guion está totalmente improvisado. No hay pautas, ni escaleta, ni texto.

El espectador ve a los actores llegar a la mesa y saludarse afectivamente. Pero poco segundos después pasa algo. Se va notando que no son actores, son seres humanos. No tienen que implantarse otra personalidad, son ellos mismos. Sé todo esto porque en el coloquio posterior se aclaran muchas cosas que hacen que la obra cinematográfica tenga aún más valor. Lo explico.

¡Señoras y señores (niños y niñas no, por favor)! estáis ante una obra de arte, no apta para todos los gustos ni públicos, con una fotografía espectacular, y una puesta en escena sublime, van alternando diferentes colores según el escenario en cuestión y que en algunos casos recuerda a la puesta en escena del teatro, y una cámara en travelling que nos transporta de escenario en escenario creando una cierta continuidad.

Erotismo, comedia negra, diálogos (monólogos) buenos, personajes únicos, detestables.

Pero a mi parecer vacía en relación a la transmisión de sensaciones al espectador, está vacía en ese sentido. Pero se agradece un cine diferente y tan personal.