El director donostiarra Mikel Gurrea presenta en la Sección Oficial del Zinemaldia su primer largometraje, “Suro”, con el que consigue el premio Irizar al Cine Vasco y el Fipresci de la crítica internacional y de la Asociación Vasca de Guionistas.

El film cuenta la historia de una pareja que toma la decisión de irse a vivir al campo y las tensiones que eso conlleva. Vicky Luengo y Pol López encarnan con garra, naturalidad y realismo a una pareja de jóvenes arquitectos, Iván y Helena, que ven la oportunidad de llevar a la práctica un nuevo plan de vida cuando Helena, embarazada, hereda una propiedad en una zona rural y deciden explotar el corcho (‘suro’) de un extenso bosque de alcornoques.

Con un ritmo cercano al western, con cercanía, asistimos a los entresijos de esta pareja, desde su aparente afinidad, hasta penetrar en lo más íntimo de su mundo interno. Cómo esos árboles que quedan desnudos, sin corteza, se verán cara a cara sin máscaras. El contacto con el entorno rural y las tensiones de convertirse en terratenientes, pondrá a prueba la imagen de sí mismos y la credibilidad de unos ideales que deben pasar a la práctica. La nueva realidad les obligará a enfrentarse a sus contradicciones, a replantearse sus convicciones sobre la inmigración, la explotación laboral, y los valores que son prioritarios para sostener su nuevo hogar.

Excelente debut, con una escenografía y clima a la altura de las notables interpretaciones de los dos protagonistas, que saben transmitir con naturalidad las contradicciones propias de su generación y del momento actual.

Magnífica adaptación de la novela de Tatiana de Rosnay que ya cosechara un buen éxito de público.

A través del conflicto de la pequeña Sara reviviremos uno de los episodios más controvertidos de Francia durante la segunda guerra mundial : el papel activo de la policía francesa y el silencio de parte de la población ante deportaciones masivas de judíos en el centro de París.

Con una narración que sabe omitir lo superfluo y plasmar lo más relevante de la novela, superponiendo de manera inteligente las diferentes líneas argumentales, el director nos conducirá en un viaje apasionante por el periplo vital de un ser desde la infancia hacia la edad adulta. Su inocencia se verá pronto trastornada por el horror, la culpa y la lucha desesperada por lograr un cometido.

Julia Jarmond, periodista americana afincada en París desde hace veinte años, será el personaje encargado de rescatar esta historia del olvido y retornarla al presente para poder enfrentar un futuro que repercutirá en su propia historia personal. Encarnado por Kristin Scott Thomas, en un acierto de reparto, la actriz sabe dotar al personaje de la distancia requerida, su perspectiva está muy en sintonía con la conciencia del espectador: la verdad tiene un precio que hay que saber enfrentar. Ante el horror no hay nada peor que el silencio, que el olvido. Valga la historia aunque sea ficticia para apelar al no olvido ante la infancia oprimida en cualquier conflicto del mundo.

Bicicleta, cullera, poma es capaz de mostrarnos, sin recurrir al victimismo, la lucha de un personaje conocido por todos y de su familia por enfrentar una enfermedad incurable y devastadora.
Carles Bosch inteligentemente pone en el centro a un lúcido Maragall, y abriendo varias líneas narrativas trata de explicarnos incluso científicamente a qué nos enfrentamos. La cámara se aproxima a un personaje desde su vertiente más humana y a un entorno que asume el reto de alentar su autonomía sin dudar en protegerlo aunque sea de sí mismo. Es en estos momentos cuando la película se torna cálida, cercana e intensa.
Es la historia de un hombre que se resiste a que unos enredos de proteínas le roben su bien más preciado: sus recuerdos, y de una familia que no duda por amor en exponerse con fortaleza para apoyarlo y acompañarlo en su empeño.
Recuerdan las palabras mencionadas al inicio. ¿No? Pues recuérdenlas. Bicicleta, cullera, poma permanecerá como testimonio imperecedero de un lucha y de un empeño por preservar la libertad, el recuerdo de una vida intensamente vivida y ojala del inicio por aunar esfuerzos por preservar la de generaciones venideras.

Pilar Palomero vuelve tras La maternal a competir por la Concha de Oro en la 72 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con Los destellos, un filme con el que la actriz Patricia López Arnaiz se alza con la ansiada Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista.

Le acompañan en la magnífica interpretación, llena de luz, Julián López y una casi desconocida Marina Guerola, que con gran veracidad y naturalidad da vida a su hija, quien pide a su madre que le ayude a cuidar a su exmarido, António de la Torre, que ha empeorado de su enfermedad.

La película basada en un relato de Eider Rodríguez llamado Un corazón demasiado grande, es una historia sobre los cuidados, la generosidad y la capacidad de dar al otro desde la compasión, y la bondad que nos hace humanos. La propuesta sigue a un ritmo lento los movimientos interiores de los personajes, hasta acompasarse desde la duda, la prudencia hasta la conexión más íntima.

En la película brilla el resplandor de lo efímero. Son destellos, recuerdos de presente, de pasado, de vida vivida, que compensa las horas temidas que están por vivir. La conciencia de muerte nos conecta a la vida. A vivir con plenitud, a sentir los rayos de sol en la cara, a pisar la hierba mojada, a saborear un pan horneado.

No hay mayor conexión que compartir esos momentos, donde la máscara cae y podemos mirarnos a los ojos, eternizarnos con un abrazo. La muerte nos conecta con el sentido universal de transcendencia, con el impulso de vivir la vida. Es en esos momentos cuando lo que hemos cultivado cobra vida en una sonrisa, en un abrazo o en una noche en vela...La muerte nos conecta con la vida.

El sentido de la película se intuye, resplandece, detrás de la muerte, de la intimidad de acompañarla, palpita con fuerza un impulso creciente de aprovechar cada instante.

Asíer Altuna presentó esta película en la sección oficial de la 63 edición de cine de San Sebastián.
Amama hunde sus raíces en la tradición de la tierra, los bosques, el entorno rural, y la esencia del arte, la sensibilidad, la música, para acercarnos la historia de una familia, y de dos mundos enfrentados. Es la historia de años de silencio, incomprensión, de un choque temido, anunciado, y de las vías que se abren para aproximarlos, y tratar de reconciliarlos.

Amama describe dos maneras de entender el mundo, de posicionarse frente a él, que se ven forzadas a equilibrar fuerzas. Es una historia otras veces contada, pero lo hace con un lenguaje totalmente cinematográfico, con imágenes poderosas. Árboles etiquetados que sin palabras nos hablan de la incomunicación, la desconfianza, el destino que coarta la libertad, inmoviliza y determina; cuerdas que atan a la tierra, o brotes de ramas que vuelven a nacer soñando con extenderse, desplegarse y alcanzar la plenitud.