Ver una película de David Lynch es siempre una experiencia desconcertante. Sus obras están llenas de elementos extraños, oscuros, con una estética siniestra y argumentos surrealistas que no parecen guardar ninguna relación con el mundo real: elementos fantásticos de los que nadie se siente extrañado, personajes que cambian de aspecto o de nombre, comportamientos que no siguen unas reglas lógicas… Puede pensarse en Cabeza borradora (1976), Terciopelo Azul (David Lynch1986) o Inland Empire (David Lynch, 2006), por citar sólo tres ejemplos. En estas películas el espectador asiste a la alteración que los personajes protagonistas sufren en su percepción del mundo, llegando hasta un punto en que la ficción cobra más importancia en sus vidas que la realidad y sus recuerdos entran en abierta contradicción con su experiencia presente, obligándoles así a realizar un trabajo de síntesis creativa entre sus percepciones del pasado y del momento actual. Este movimiento, en el que el pasado se ve reestructurado para acomodarse a las percepciones presentes, tiene sin embargo una doble cara, ya que la percepción del momento actual también se ve alterada por la experiencia pasada, aportando una mayor complejidad a la configuración de los mundos creados por David Lynch. En las próximas páginas, a través del análisis de Carretera perdida (David Lynch, Estados Unidos, 1997) y Mulholland Drive (David Lynch, Estados Unidos, 2001), dos de sus películas más aclamadas, trataré de mostrar las complejas relaciones que se establecen entre la memoria, la realidad y la ficción en el universo de Lynch a propósito de dos de los temas más recurrentes en el cine de este autor: los sueños y la locura.
El sueño y la memoria colectiva
Los sueños han sido siempre uno de los aspectos de la experiencia humana más conflictivos a la hora de ser interpretados. De hecho aún hoy, a pesar de los grandes avances de las ciencias de la mente, se encuentran diversas teorías acerca de qué son los sueños y cuál es su función dentro de la psique humana. Antes de comenzar con el análisis de Mulholland Drive, considero por tanto que será útil señalar primero qué concepción de sueño utilizo.
Pero dejando a un lado las conjeturas, una vez que he aclarado qué concepción de sueño voy a utilizar, es momento de hablar de Mulholland Drive. A través del análisis de esta película mostraré cómo Diane Selwyn, la protagonista del film, utiliza para formar su sueño recuerdos de su experiencia reciente que se ven primero descontextualizados, olvidándose la relación existente entre los mismos, para posteriormente ser re-organizados en un relato utilizando los mismos medios que utiliza la memoria para evitar la existencia de discontinuidades en su seno. Al mismo tiempo se podrá ver cómo el relato resultante del sueño deja entrever los verdaderos sentimientos de la protagonista con respecto a la situación que ha vivido en los últimos días, viéndose corroborada así la exposición teórica sobre la relación entre sueños y memoria que he planteado hasta ahora,A la hora de enfrentarse a la comprensión de una película como Mulholland Drive, el espectador debe tomar una posición sobre qué es lo que acaba de ver. Sin entrar en mayores discusiones, que la película reproduce, en su primera parte, un sueño de Diane Selwyn que involucra al resto de personajes de la película, y en la segunda, algunas escenas de la vida de Diane anteriores y posteriores al sueño, que son las que permiten comprender lo que en realidad ha sucedido. El eje entre estas dos partes de la película se encontraría en el momento en el que El Cowboy se asoma a la puerta de la habitación de Diane y le anuncia que es hora de despertar. Una vez aceptada esta premisa, podemos analizar todo lo sucedido anteriormente como si se tratase de un único sueño con múltiples tramas independientes o como varios sueños que poseen un nexo común. El problema, a mi juicio, reside en que, para darle un mayor interés narrativo a la película, Lynch mezcla los sueños de Diane en el montaje final llegando a confundirse en un único relato lo que en realidad serían sueños independientes. Tras comenzar Diane a soñar una historia para hilvanar los primeros recuerdos que habían sido activados durante la fase REM, algunos de los recuerdos activados con posterioridad no encajan en la trama principal, por lo que se ve en la necesidad de inventar una nueva historia para ellos. En este sentido, por poner un ejemplo, habría que interpretar como tres sueños diferentes la trama que tiene como protagonistas a Camilla Rhodes (Rita en el sueño) y a Diane Selwyn (Betty), la historia sobre el director de cine Adam Kesher y la inquietante escena de la cafetería Winkies. No hace falta decir que no hay nada que impida considerar todas las tramas como partes de un único sueño, ya que todas las historias se relacionan de algún modo entre sí. La película es deliberadamente ambigua, y esta es quizá la menor de las ambigüedades que la atraviesan
Dejando a un lado la cuestión sobre el número de sueños que componen el film, más interesante para el tema que nos ocupa es la relación que se establece entre la primera y la segunda parte de la película, es decir, entre los recuerdos y actuaciones posteriores de Diane por una parte y sus sueños por otra. Las escenas que en un principio podían parecerle neutras al espectador al contemplar el sueño de Diane. Es una película excelente onírica y critica una de las mejores películas jamas hechas

Lo Mejor: Las interpretaciones de Naomi Watts y Laura, la Maravillosa mente de David Lych, la Fotografía de Peter Derming, Angelo Badalamenti y su espectacular música
Lo peor: Que no haya ganado la palma de oro del Festival de Cannes

Una película triste, bella, realista, elocuente y excelente, Son dos horas de película que nos mantienen en una tensión absoluta ,quien se viste del personaje de Selma y nos muestra el delirio martirizante en el que vive, los impulsos que predominan y hasta qué punto pueden transformar su vida, Lars Von Trier nos brinda una visión sobre lo que vive una persona con una enfermedad mental, desde una perspectiva artística, pero con una historia cruda y triste como suele ser en la vida real, podríamos imaginar a “Selma” Vecina, amiga o familiar, con una rutina diaria que parecería estar dentro de los límites de la normalidad, como cualquier ve pero sería esa ,Una situación que llama mucho la atención es que ella manifiesta de manera constante su dolor de madre al saber que en un futuro su hijo pueda padecer problemas de visión hasta llegar a la ceguera al igual que ella, cuando se dice que existe posibilidad de salir de la cárcel y utilizar el dinero ahorrado para su defensa, la respuesta natural de una madre sería de aceptarlo para poder permanecer cerca de su hijo y que él tuviera la posibilidad de crecer sintiéndose amado; sin embargo lo que hace es negarse, refiriendo que prefiere que ese dinero se gaste en la operación del menor, en ese momento no mostró la menor empatía hacia Josh, más bien podría ser una agresión pasiva , un fuerte impulso auto destructivo y agresivo ante quienes le necesitan, deseo de marcar la historia del hijo para siempre , ya que esto le generaría culpa al saber que su madre dio la vida por él .
El baile se convierte entonces en un medio para fugarse de la realidad, la música un hilo conductor hacia un mundo interior ajeno a cualquier dolor real, baila en la oscuridad del salón llamado depresión, una danza que implora la muerte y reduce la vida al simple hecho de habitar un cuerpo por un tiempo, sufre por su condición física, económica y personal; por eso canta, por eso se escinde ,se niega a recibir el amor que otros le pueden ofrecer, se conforma con menos de lo que merece y ofrece más de lo que le corresponde. Quizá en el pasado algún evento marco su percepción respecto al sentido de la vida, quizá una palabra retumbó en sus odios tan fuerte que prefirió acallarla con música para de esta forma templar el alma.

A veces las personas creen que saben cómo resolver cada situación que se presenta, otras tantas quieren encontrar una salida fácil a las dificultades, mientras que por su parte unas cuantas eligen ser víctimas de sí mismas ,destruyendo todo lo bueno con lo que coinciden día con día, eliminando cualquier indicio de amor, cualquier momento grato, esforzándose de manera permanente por acrecentar el dolor en cada paso, sería bueno pensar que la vida también es un viaje en el que cada uno dirige su propio destino y la música armoniza el camino si sabemos elegir adecuadamente nuestra melodía principal. Una de las mejores películas jamas hechas y la interpretación de Björk una de las mejores interpretaciones femeninas, un titulo desgarrador, frío y bello Lars von Trier nos demuestra su habilidad, una de mis películas favoritas sin lugar a dudas

Lo mejor: La interpretación magnifica de Björk como Selma, El mensaje de la película y la dirección de Lars von Trier
Lo peor: Durante su estreno las criticas fueron polarizadas

El Demonio Neón es el estilo de película que no toma un tema en especifico y explicarlo de una manera de entender sino dar cabida en temas que ahora no interesan, es una película bodrio, lo bueno es la Fotografia de Natasha Braier un excelente trabajo de Fotografía lo único salvable.
Irreal, las imagenes y el guion de medio pensado de Winding Refn, son irreales
La película como tema propio toca como se termina la inocencia de Hollywood o la moda

Lo mejor: La Fotografía irreal pero excelente de Natasha Braier
Lo peor: La Dirección de Nicolas Winding Refn y el guion del mismo y las actuaciones de Elle Fanning

Una película naturalmente perturbadora, hipnótica y diferente, Haneke crea un terror psicológica sin ámbitos de terror y deja reflexionando acerca de la violencia y lo indemne que sucede en la sociedad, El tema que se desarrolla a lo largo de todo el Película es la violencia. A lo largo de la historia han sido muchas las películas que
han centrado su argumento por esta linea, y "Funny games" se suma a la lista.
El trato que recibe la violencia tratada en esta película es una crítica. Concreta una crítica hacia la violencia gratuita. El hecho de que dos chavales entren en una casa y maten a toda una familia por diversión es inexplicable. Además, añade otro detalle significativo: los dos chicos provienen de una familia adinerada perteneciente a una clase social elevada. Esto no quiere decir que la gente que tenga dinero sea siempre así, pero hace plantearse una cuestión, ¿tiene algo que ver el haber tenido siempre lo que se ha querido y no saber valorar el esfuerzo que supone conseguir las cosas con el hecho de que se utilice la violencia gratuita como medio de diversión?Como ya he mencionado, son muchas las películas que han seguido esta temática, pero quizás el caso más aproximado a este sea "La naranja mecánica", dirigida por Kubrick en el año 1971. A pesar de la diferencia de años transcurridos entre una película y otra, la linea argumental es la misma. Y no solo en lo que a argumento se refiere, puesto que la estética también es muy similar. La ropa que llevan los dos visitantes concuerda con la que llevan los cuatro protagonistas de "La naranja mecánica". Esto lleva a pensar que Haneke se inspiró en la obra de Kubrick para elaborar su obra. Es una Película mórbida e hipnótica llevada de los mejores trabajos del gran Director Michael Haneke con un guion mórbido y con un movimiento de Terror Psicológico.

Lo mejor: Las interpretaciones de Susanne Lothar y Uldrich Mühe , la direccion de Michael Haneke y el guion Mórbido y excelente

Lo peor: Sus criticas son mixtas por ser tachada de "Provocadora"